Rock em Análise

Grandes Covers - Parte 2

2012-02-03T18:44:00.000-08:00

No mundo da música, covers podem ser encontrados em álbuns dos mais diversos artistas. Infelizmente, o ouvinte mais "leigo" pode cair facilmente na armadilha de apreciar a genialidade de determinada música sem perceber que a mesma se trata de... um cover!

Citarei aqui alguns covers que chamaram atenção - tanto do público quanto da crítica - pela sua boa execução, criatividade ou refinamento em sua produção. O que está valendo aqui são aquelas versões que trouxeram algo de realmente "novo" e autoral, de modo que se torna difícil - ou impossível - considerar tais músicas como sendo exclusivas dos artistas originais.

Vamos lá!

Baker Street (Foo Fighters, 1998). Versão original: Gerry Rafferty, 1978.

O Foo Fighters lançou ótimos covers como 'lados-b' ao longo da carreira, mas destaco aqui a releitura do famoso hit "Baker Street" (mais um da série "eu já ouvi essa em algum lugar"), em uma versão bastante "hard", que te deixará com o riff principal da música na cabeça por horas e horas...

You Really Got Me (Van Halen, 1978). Versão original: The Kinks, 1964.

Este incrível cover da igualmente incrível canção do The Kinks é uma prova perfeita de que o bom e velho rock 'n' roll pode se reinventar até em uma situação na qual a diferença entre duas versões de uma música se encontre apenas na dose de peso aplicada na segunda. E bote peso nisso!

This Flight Tonight (Nazareth, 1973). Versão original: Joni Mitchell, 1971.

Não, eu não vou abordar aqui o famosíssimo cover feito pelo próprio Nazareth para a chata "Love Hurts" (The Everly Brothers). Prefro citar "This Flight Tonight", uma bela canção folk da cantora Joni Mitchell, que ganhou um arranjo "cavalgado" de hard rock na versão feita pelo Nazareth. E cá entre nós, a Joni Mitchell pode ser um nome forte do folk rock, mas essa versão do Nazareth é bem mais bacana, não?

Mrs. Robinson (The Lemonheads, 1992). Versão original: Simon & Garfunkel, 1968.

Ainda na onda do "folk rock" que se transformou em rock 'n' roll, temos o "radiante" (sem viadagem) cover feito pelo Lemonheads para este clássico do Simon & Garfunkel. Impossível escutar esse inspirado cover sem bater palmas, e sem desfazer um inevitável sorriso estampado no rosto ao longo da música. Comprove!

What a Wonderful World (Joey Ramone, 2002). Versão original: Louis Armstrong, 1968.

A "versão punk" feita por Joey Ramone para "What a Wonderful World" acabou ganhando contornos comoventes, pelo fato de ter sido lançada pouco tempo após a sua morte. De toda forma, o cover é bem criativo, e combinou bem com o lado mais sensível desse ícone do rock.

Umbrella (Manic Street Preachers, 2008). Versão original: Rihanna, 2007.

Sim, estou falando mesmo de "Umbrella", aquele famoso hit "chiclete" da Rihanna! E sim, o Manic Street Preachers provou que é possível transformar uma música irritante em um delicioso rock, com um inesperado tempero pós-grunge em seus novos arranjos. Vale a pena dar uma conferida!

Agora, como diria o Guns N' Roses no encarte do seu álbum de covers "The Spaghetti Incident": faça um favor a você mesmo e procure as versões originais!

Clique aqui para ler a 1ª parte de "Grandes Covers".

O costume de comprar discos

2012-01-31T01:42:00.000-08:00

A recente polêmica em torno do Megaupload, SOPA e PIPA continua bombando em diversos meios, embora sempre traga os mesmos discursos, de ambos os lados. Afinal, estamos no meio de uma guerra iniciada há mais de 10 anos, e sem previsão quanto ao seu fim. No meio disso tudo, um mercado bem interessante está morrendo aos poucos...

Falo aqui do quase extinto costume de comprar discos, uma atividade que fazia parte da vida de qualquer apreciador "veterano" de música, há muito tempo atrás. Pra piorar, as novas gerações já "nasceram" em um mundo no qual "não precisam" gastar um centavo sequer com a música. Isso pode não estar "matando a música", como as gravadoras gostam de alardear, mas com certeza não contribui com a melhoria da situação instável na qual a maioria dos artistas se encontra hoje.

É verdade que o artista realmente não ganha quase nada com a venda de cds, e que o preço do "disquinho" poderia ser bem mais baixo (por diversos motivos), mas tal pensamento nos desvia também de excelentes promoções de bons discos - algumas delas alternando entre 10 e 15 reais, por exemplo -, e elimina nosso velho hábito de consumir de verdade a música que merece ser devidamente adquirida.

E já que estamos falando de qualidade musical, devo dizer que aquele papo de "hoje não se faz boa música como antigamente" não cola, pois diversos artistas - novos e veteranos - conseguem mostrar todo o seu talento através de lançamentos que realmente merecem ser comprados.

Aproveito para indicar alguns destes bons álbuns, disponíveis em catálogo nacional:

Wasting Light (Foo Fighters)
Noel Gallagher's High Flying Birds (Noel Gallagher)
2 (Black Country Communion)
All You Need Is Now (Duran Duran)
Suck It and See (Arctic Monkeys)
Forevermore (Whitesnake)
Mylo Xyloto (Coldplay)
The King Is Dead (The Decemberists)
Thirteen (Megadeth)
The Hunter (Mastodon)

Destaco ainda alguns ótimos lançamentos nacionais:

Kairos (Sepultura)
Música Crocante (Autoramas)
Animal (Dr. Sin)
Carcaça (Carro Bomba)
Odiosa Natureza Humana (Matanza)

Por fim, alguns clássicos - ou "quase clássicos" - do rock, que podem ser encontrados por preços bem modestos em qualquer loja (ainda existente) da esquina:

Elvis Presley (Elvis Presley)
Pearl (Janis Joplin)
Toys in the Attic (Aerosmith)
Blow by Blow (Jeff Beck)
Coleção do AC/DC em Digipack
Reign in Blood (Slayer)
Trash (Alice Cooper)
Badmotorfinger (Soundgarden)
Blood Sugar Sex Magic (Red Hot Chili Peppers)
Definitely Maybe (Oasis)

Se você deseja fazer o melhor pela música, em primeiro lugar, continue baixando arquivos em mp3 à vontade, pois a música digital continua sendo uma ótima forma de conhecer artistas, ou de armazenar material que não é lançado a preços acessíveis por aqui. Apenas faça um favor aos artistas e aos seus próprios ouvidos: compre um "cdzinho" de vez em quando. Não é necessário se render ao preço abusivo de alguns discos, basta não ignorar completamente esse agradável mercado. Pense nisso.

Discografia comentada: Made in Brazil

2012-01-19T15:06:00.000-08:00

Os apreciadores de uma determinada banda não se contentam em conhecer apenas os maiores singles lançados pela mesma. E se você conheceu tal banda através dos seus maiores 'hits', é claro que também fará questão de escutar alguns dos seus melhores discos - ou todos eles! Nesta seção, farei "viagens" rápidas e introdutórias pelas discografias de bandas que fizeram - ou farão - história com seus registros de estúdio. Nesta edição: Made in Brazil!

Muita gente não sabe, mas a banda paulista Made in Brazil está entre as mais antigas do Brasil, quando se fala de rock. Formada pelos irmãos Oswaldo Vecchione e Celso Vecchione no final dos anos 60, e marcada por incontáveis mudanças em sua formação, o grupo lançou apenas oito álbuns de inéditas, mas deixou seu nome marcado entre os apreciadores do mais puro rock 'n' roll nacional. Se você ainda não ouviu falar nos caras, a hora é agora!

# Made in Brazil (1974)
O primeiro álbum do Made in Brazil mostra um grupo que ainda está tentando moldar seu estilo, tanto a nível de sonoridade quanto a nível de produção. O interessante é que a banda conseguiu deixar bem claro, através de cada música, que todos os seus integrantes se divertiram horrores neste processo. Como resultado, este 'debut' conseguiu seu espaço entre os discos mais clássicos do rock nacional.

# Jack o Estripador (1976)
Contrariando algumas expectativas, o álbum "Jack o Estripador" traz um pouco mais de peso e uma produção mais direta do que a do álbum de estréia. Pode-se dizer que a banda tinha acabado de encontrar a sua veia mais "hard rocker", embora esta ainda se encontrasse em seu estágio inicial...

# Paulicéia Desvairada (1978)
Mais uma vez, contrariando as expectativas daqueles que apreciaram o direcionamento musical do segundo álbum, o 'Made' mostrou, através de "Paulicéia Desvairada", o caminho mais inusitado da sua carreira até então: uma sonoridade mais "light", com rocks de letras mais maduras e um bom número de baladas. Como o resultado foi apenas mediano, o grupo voltou a se focar mais naquele velho rock 'n' roll...

# Minha Vida É Rock and Roll (1981)
Com os pés no chão novamente, Oswaldo Vecchione e companhia lançaram "Minha Vida É Rock and Roll". Apesar do seu título quase auto-indulgente, o álbum se mostrou como um trabalho consistente de hard rock, com uma produção sem firulas, além de músicas realmente grudentas. Definitivamente um dos melhores trabalhos da banda!

# Deus Salva... O Rock Alívia (1985)
Em 1985, o hard rock dominava o cenário musical mundial. O "Made" aproveitou a onda e lançou seu álbum mais pesado: "Deus Salva... O Rock Alívia". A produção é absurdamente crua - ao ponto de trazer alguns momentos de "clipping" -, mas o resultado final é um "crocante" disco de rock "com atitude", daqueles que podem satisfazer as necessidades de qualquer pessoa que aprecie uma música sem frescuras.

# In Blues (1992)
Após o seu primeiro longo período de inatividade criativa, o Made in Brazil resolveu se "reinventar", ao apostar em um som calcado no blues rock. O resultado é o mediano álbum "In Blues", que foi gravado ao vivo, mas funciona como um disco de estúdio. Apesar da sua boa proposta, o resultado final é um disco lento, longo e arrastado, com poucos traços da antiga dinâmica musical do grupo.

# Sexo, Blues & Rock 'n' Roll (1998)
Seis anos se passaram até que o grupo finalmente lançou "Sexo, Blues & Rock 'n' Roll", o segundo álbum da sua fase mais "blueseira". Mas, ao contrário do que aconteceu no álbum anterior, a banda solidificou com maestria o seu blues rock, o que resultou em um álbum divertido, bem produzido e com uma boa dose de canções "sacolejantes". Temos aqui mais um trabalho de destaque na discografia do grupo.

# Rock de Verdade! (2008)
Após absurdos 10 anos sem lançar material novo, o Made in Brazil lançou "Rock de Verdade!", seu álbum mais recente até o momento. Oswaldo Vecchione e sua trupe parecem ter tratado este projeto com o devido carinho, visto que toda a essência "rock e blues" do Made in Brazil está condensada ao longo do disco. Se este for o último trabalho do 'Made', a sua discografia estará muito bem encerrada!

Grandes Covers - Parte 1

2012-01-05T16:20:00.000-08:00

No mundo da música, covers podem ser encontrados em álbuns dos mais diversos artistas. Infelizmente, o ouvinte mais "leigo" pode cair facilmente na armadilha de apreciar a genialidade de determinada música sem perceber que a mesma se trata de... um cover!

Citarei aqui alguns covers que chamaram atenção - tanto do público quanto da crítica - pela sua boa execução, criatividade ou refinamento em sua produção. O que está valendo aqui são aquelas versões que trouxeram algo de realmente "novo" e autoral, de modo que se torna difícil - ou impossível - considerar tais músicas como sendo exclusivas dos artistas originais.

Vamos lá!

Train Kept A-Rollin' (Aerosmith, 1974). Versão original: Tiny Bradshaw, 1951.

Essa música de Tiny Bradshaw foi "coverizada" por vários artistas, sendo que a versão do Yardbirds é a mais conhecida. Mas, a versão do Aerosmith se destaca ainda mais por trazer a essência de cada integrante em seus mínimos detalhes sonoros. Não é à toa que esta versão é tratada como um 'hit' do Aerosmith, e continua firme e forte nos shows da banda.

Hallelujah (Jeff Buckley, 1994). Versão original: Leonard Cohen, 1984.

Quem nunca escutou "Hallelujah", eternizada pelo falecido Jeff Buckley, em milhares de filmes e seriados ao longo dos últimos 18 anos? Este é um dos raros casos em que o cover "suga" a alma da composição de tal forma que consegue superar a versão original, em todos os sentidos! Ouça, compare com a versão original, e comprove!

Summertime Blues (Blue Cheer, 1968). Versão original: Eddie Cochran, 1958.

"Summertime Blues" já era um 'rockabilly' de sucesso em sua versão original, mas o Blue Cheer conseguiu transformar a canção em seu único grande 'hit', graças à sua incendiária versão, lançada no seu álbum de estréia "Vincebus Eruptum". Mais hard rock, impossível!

I Am The Walrus (Oasis, 1994). Versão original: The Beatles, 1967.

Lançado como um mero lado-b, o cover que o Oasis fez para "I Am The Walrus" tinha tudo para ser um verdadeiro fiasco. Porém, ao contrário do que se esperava, sua versão mais "pesada", crua e acelerada - e absurdamente direta - se transformou em um dos hinos de shows da banda.

Wicked Game (HIM, 1998). Versão original: Chris Isaak, 1989.

Sejamos sinceros: quantos roqueiros conseguem suportar o marasmo de "Wicked Game", grande sucesso pop do cantor Chris Isaak? Quase nenhum, eu diria. Mas, para o espanto de todos, a banda finlandesa HIM conseguiu transformar a enjoativa balada em questão em um arrepiante mix de hard rock e pós-grunge. Não poderia ser mais brilhante...

All Along the Watchtower (The Jimi Hendrix Experience, 1968). Versão original: Bob Dylan, 1967.

Nenhuma matéria sobre grandes covers poderia deixar de fora a criativa releitura que o próprio compositor fez questão de "pegar emprestada" pra tocar em seus shows, não é? Preciso dizer mais alguma coisa?

Agora, como diria o Guns N' Roses no encarte do seu álbum de covers "The Spaghetti Incident": faça um favor a você mesmo e procure as versões originais!

TOP 2011

2011-12-30T13:52:00.000-08:00

Bem-vindos ao Top 2011 do Rock em Análise! Em primeiro lugar, digo que este foi um ano de ótimos álbuns e músicas! Sim, apesar de ter escutado menos do que de costume, devo dizer que muitos trabalhos me impressionaram ao longo deste ano - o que resultou, inclusive, na volta das "menções honrosas", logo após o tradicional Top 10.

Para quem ainda está perdido, o "esquema" aqui é bem simples: temos a lista dos melhores álbuns e melhores músicas do ano, além de algumas menções honrosas, e também a citação da pior música e pior álbum do ano.

Como sempre, os comentários sobre cada álbum falam mais alto do que esta simples descrição, então vamos lá!

Top 10 - Álbuns:

1. Wasting Light (Foo Fighters)
Após uma fase "baladeira" que estava começando a dar sono, o Foo Fighters volta a "chutar bundas" - com força - em "Wasting Light". Conciso, inspirado e bem produzido, este é um álbum que nos traz apenas um pensamento: It's only rock 'n' roll, but we all LOVE it! E ouça alto!

2. All You Need Is Now (Duran Duran)
O Duran Duran é um exemplar raro daquilo que existe de mais fino no pop/rock. Em "All You Need Is Now", a banda retorna às suas raízes "new wave", mostrando que seu velho estilo nunca soará datado enquanto seus integrantes conseguirem gravar um álbum em que todas (isso, todas!) as músicas sejam singles em potencial.

3. Suck It and See (Arctic Monkeys)
Os garotos do Arctic Monkeys estão crescendo, mas nada os impede de intensificar aquela veia "indie fofinha" que resultava em músicas tão "saborosas" em seus dois primeiros álbuns. Impossível chegar ao fim de "Suck It and See" sem um belo sorriso no rosto. :)

4. Quid Pro Quo (Status Quo)
Quem disse que uma banda não pode impressionar em seu 29º (!!!) álbum de estúdio, sem mudar absolutamente nada em seu estilo? O Status Quo conseguiu tal feito - e com louvor - em "Quid Pro Quo", uma pérola que poderia figurar facilmente entre seus melhores trabalhos!

5. Noel Gallagher's High Flying Birds (Noel Gallagher)
Tá certo que Noel Gallagher era bem mais interessante "ao lado" do seu irmão no Oasis, mas sua genialidade como compositor ainda se mostra bem evidente no High Flying Birds. Ótimas músicas, aliadas a uma produção bastante refinada, fazem deste um trabalho que funciona muito bem em uma carreira solo.

6. Forevermore (Whitesnake)
Se vocês pensaram que o trabalho anterior do Whitesnake foi o seu "canto do cisne", saibam que se enganaram completamente! Em "Forevermore", David Coverdale e cia. se superaram com inspiradas canções daquele bom e velho hard rock, provando que ainda possuem lenha para queimar... se quiserem, claro!

7. Mylo Xyloto (Coldplay)
"Mylo Xyloto" é o álbum mais fraco do Coldplay. E que diabos este disco faz neste top 10? Nada além de mostrar que uma ótima banda não perde seu "mojo" tão facilmente... E, apesar do seu estilo ter mudado drasticamente, suas lindas melodias "arrepiantes" continuam lá, firmes e fortes!

8. Música Crocante (Autoramas)
O Autoramas sempre foi uma banda bastante divertida, apesar de certas irregularidades, tanto em termos de produção dos seus álbuns quanto na qualidade de algumas músicas. Em "Música Crocante", o trio finalmente acertou em cheio, em todos os sentidos! Como o próprio título indica, temos aqui uma seleção de canções realmente "deliciosas"!

9. Kairos (Sepultura)
Quem disse que o Sepultura já se encontrava em sua própria... hum, sepultura? Piadinhas à parte, o grupo continua "afiado" quando o assunto é thrash metal de qualidade. "Kairos" é um álbum que soa bastante atual, e ainda traz muito daquela essência crua que marcou seus melhores discos - incluindo ótimos solinhos do Andreas Kisser. Bang your head!

10. Evanescence (Evanescence)
Outra banda um tanto irregular, o Evanescence ainda não havia lançado nada de realmente arrepiante... até agora! Em "Evanescence", Amy Lee e sua trupe revelam um lado mais "solto" e menos "dramático", o que resulta em um álbum que mistura muito bem o peso com a sensibilidade, na medida certa. Escute sem preconceitos!

Menções honrosas (não necessariamente nessa ordem):

Quarteto de Cinco (Quarteto de Cinco)
I'm with You (Red Hot Chili Peppers)
2 (Black Country Communion)
What If... (Mr. Big)
Chickenfoot III (Chickenfoot)

Top 10 - Músicas:

1. Dear Rosemary (Foo Fighters)
2. Every Teardrop Is a Waterfall (Coldplay)
3. Under Cover Of Darkness (The Strokes)
4. Girl Panic! (Duran Duran)
5. She's Thunderstorms (Arctic Monkeys)
6. Dust To Gold (Status Quo)
7. Everybody's on the Run (Noel Gallagher)
8. What You Want (Evanescence)
9. Forevermore (Whitesnake)
10. Kindness (Ryan Adams)

Prêmios Framboesa (piores do ano):
Pior álbum: Reverse Tripped (Vains of Jenna)
Pior música: Smoke On The Water (Vains of Jenna)

Álbuns escutados:

What If... (Mr. Big)
Who's Got Mine? (Rhino Bucket)
The King Is Dead (The Decemberists)
Different Gear, Still Speeding (Beady Eye)
Carnavelhas 2 (Velhas Virgens)
Collapse into Now (R.E.M.)
The King of Limbs (Radiohead)
Forevermore (Whitesnake)
Dancing Backward in High Heels (New York Dolls)
All You Need Is Now (Duran Duran)
Odiosa Natureza Humana (Matanza)
Angles (The Strokes)
Reverse Tripped (Vains of Jenna)
What Did You Expect From The Vaccines? (The Vaccines)
Wasting Light (Foo Fighters)
Big Dogz (Nazareth)
Charm School (Roxette)
Suck It and See (Arctic Monkeys)
Rockaholic (Warrant)
Call to Arms (Saxon)
Quid Pro Quo (Status Quo)
Future Primitive (The Vines)
Kairos (Sepultura)
Fly From Here (Yes)
2 (Black Country Communion)
Green Naugahyde (Primus)
Black and White America (Lenny Kravitz)
I'm with You (Red Hot Chili Peppers)
Animal (Dr. Sin)
Welcome 2 My Nightmare (Alice Cooper)
Carcaça (Carro Bomba)
Rocked & Ripped (BulletBoys)
Tropical Splash (Copacabana Club)
Evanescence (Evanescence)
Post Mortem (Black Tide)
Chickenfoot III (Chickenfoot)
Revival (The Answer)
Velociraptor! (Kasabian)
The Hunter (Mastodon)
A Dramatic Turn of Events (Dream Theater)
Kicking & Screaming (Sebastian Bach)
The Sea of Memories (Bush)
Ashes and Fire (Ryan Adams)
Noel Gallagher's High Flying Birds (Noel Gallagher)
2120 South Michigan Ave. (George Thorogood)
Mylo Xyloto (Coldplay)
Lulu (Lou Reed & Metallica)
Thirteen (Megadeth)
Veroz (Maglore)
O Inevitável (Tomada)
Here and Now (Nickelback)
Eclipse (Journey)
The Taking (Loaded)
Música Crocante (Autoramas)
Baixo Augusta (Cachorro Grande)
Quarteto de Cinco (Quarteto de Cinco)

Rebatendo: Edu Falaschi

2011-11-18T13:45:00.000-08:00

Bem-vindo(a) à coluna "Rebatendo", um espaço dedicado à fina arte da discordância musical. O objetivo é simples: "rebater" aquelas opiniões munidas de argumentos que, no fundo, não convencem quase ninguém... Se você é um fã "babão" do artista abordado - e, consequentemente, desprovido de opinião própria -, passe longe do texto a seguir...

Antes de tudo, vamos relembrar da recente declaração de Edu Falaschi (Angra e Almah) sobre alguns "probleminhas" recorrentes no rock nacional:
http://whiplash.net/materias/news_845/141768-edufalaschi.html

Quase todo mundo concorda que o Sr. Falaschi exagerou na dose de "agressividade" em sua declaração, o que vem levantando questões sobre o quanto o artista "forçou a barra" para polemizar, visto que tal postura raramente foi adotada pelo mesmo em toda a sua carreira. Mas, não podemos negar que assuntos pertinentes foram abordados, sendo que alguns deles merecem ser discutidos a fundo.

Em primeiro lugar, a velha retaliação ao ato de "pagar pau pra gringo" se mostra um tanto hipócrita, visto que todos nós adoramos um estilo que é basicamente... gringo! As melhores bandas de rock nacionais são influenciadas pelo rock de fora, e até os seus integrantes adorariam assistir - e de camarote, se possível - a qualquer show dos seus ídolos.

Em segundo lugar, quem disse que o ato de priorizar os caríssimos shows gringos representa uma total falta de respeito e consideração pelo rock tupiniquim? Se vamos gastar toda uma bagatela para assistir uma de nossas bandas favoritas, é claro que dificilmente sobrará algo para assistir aos shows de algumas das melhores bandas da nossa terra, como o Dr. Sin, Sepultura, ou o próprio Angra. Agora, combate ao preço dos ingressos desses shows gringos é uma outra história, outra luta...

Ainda no campo da suposta falta de interesse nos shows nacionais, é fato que muitos "roqueirinhos" estúpidos gostam de reclamar e reclamar, mas não querem desembolsar um centavo sequer para assistir aos shows. Vou ainda mais longe e os excluo de qualquer equação referente a este assunto, visto que tais pessoas não merecem nenhuma citação adicional.

Quanto aos verdadeiros interessados no rock brasileiro, já foi citado o problema das prioridades, mas temos ainda outro fator crítico: produção! Todos nós sabemos que boa parte dos shows/festivais nacionais carece de boa divulgação e profissionalismo básico em sua organização, salve raríssimas exceções!

Como podemos ver, muitos fatores influenciam negativamente no interesse em gastar e se deslocar a um local de caráter duvidoso, para assistir a apenas uma ou duas bandas realmente boas. A certa falta de apoio ao rock/metal pode até existir, mas nem sempre é gratuita como pode parecer...

Sei muito bem que um artista de rock nacional tem alguns motivos fortes para reclamar de determinados problemas, sem cair nas armadilhas do "mimimi" choroso, mas sei também que alguns deles vêm abusando deste direito, o que os faz perder parte da suposta "força" que os músicos do gênero deveriam mostrar, frente aos estilos populares que ainda inundam este país.

Sr. Falaschi, caso tenha oportunidade de ler este humilde texto, apenas pense bem nisso tudo antes do seu próximo acesso de raiva.

"Você não gostou porque não entendeu..."

2011-11-04T09:17:00.001-07:00

Quantas vezes você teve que suportar algum pseudo-especialista em música dizendo uma baboseira do tipo "Você não gostou porque não entendeu...", em relação a algo que você escutou e simplesmente não curtiu? Embora este seja um problema pertinente em vários tipos de arte, vamos nos concentrar aqui na música, mais especificamente no universo do rock 'n' roll.

Imagine a situação: um determinado "entendido" em rock te recomenda o álbum "Unrest", da banda de rock progressivo Henry Cow. Para quem não conhece o som destes britânicos, basta imaginar uma louca profusão de sonoridades loucas e quase desconexas - sendo que a própria banda já assumiu que gravou todo o "lado-b" do disco de forma aleatória. Se o ouvinte não "engoliu" este som, significa que ele não tem um ouvido apurado para a "boa música"? Bem...

Em outro extremo musical, imagine a situação: outro "entendido" em rock diz que você não captou a essência da banda de pós-punk The Fall, pois escutou apenas dois álbuns da banda, quando deveria ter escutado pelo menos vinte dos seus quase trinta álbuns de estúdio. Claro, e todos nós somos "Bozos" desocupados...

Os fãs das grandes bandas de rock (Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd, Iron Maiden, Metallica, Nirvana, Guns N' Roses, Legião Urbana, etc.) são um capítulo à parte, pois sempre vão achar que uma pessoa não as escutou o suficiente, como se todo mundo tivesse a obrigação de se dedicar tanto assim na análise de um artista antes de falar qualquer coisa de ruim sobre a sua obra.

Quanto à relevância histórica de um artista, devemos tomar cuidado, pois é importante tentar entender alguns contextos de época, embora nada disso te impeça de questionar as músicas daquele artista que você considerou um tanto superestimado... Na verdade, chega a ser divertido - e um bom aprendizado - o ato de se permitir analisar corajosamente aqueles velhos "crássicos"...

Então, fica a pergunta: devemos mesmo nos render ao conceito de "arte" e às regrinhas estabelecidas pelo ouvinte que nos recomendou aquele artista que nos pareceu bastante duvidoso a nível de qualidade musical? Certamente que não! Apenas arrume bons argumentos, relembre o seu ponto de vista, e contra-ataque!

[Álbum] Evenescence (Evanescence)

2011-10-17T16:51:00.000-07:00

Evenescence (Evanescence)

Banda marcada por algumas irregularidades em sua carreira, o Evanescence parecia estar próximo do fim, tanto pelas novas mudanças em sua formação, quanto pela demora na gravação do novo trabalho. Para a alegria dos fãs, a vocalista Amy Lee manteve sua banda firme e forte, e conseguiu finalizar o tão aguardado álbum em questão, intitulado "Evanescence" (2011).

Relembrando as irregularidades do Evanescence, podemos citar a falta de uma sonoridade mais "solta" em seus dois primeiros álbuns, problema este que foi corrigido com maestria no seu novo disco. Para quem não entendeu, basta lembrar dos exageros pseudo-épicos e da quase total falta de "grooves", que costumavam deixar a maioria das suas músicas com um ar muito sério, fechado... e careta!

A excelente faixa "What You Want", que abre este novo álbum, é uma boa prova de como a banda funciona bem quando investe em algo que leve o ouvinte a balançar um pouco o traseiro... O mesmo vale para a igualmente dançante "Erase This" e para a sensacional "Never Go Back", que soa como um Muse mais "suingado".

As boas e velhas faixas de refrãos bem sacados continuam marcando presença, como podemos notar em "Made of Stone", "The Change" e "The Other Side", as quais recuperam um pouco mais da essência inicial do grupo, embora não abram mão da sua nova - e energética - pegada.

A banda acertou a mão também nas duas baladas do álbum: a arrepiante "Lost in Paradise", que lembra alguns dos seus singles anteriores, e a bonitinha "Swimming Home", que traz um sutil arranjo mais eletrônico e puxado para o trip hop.

Para quem curte o lado mais "dramático" do grupo, as faixas "My Heart Is Broken", "End of the Dream" e "Oceans" são um prato cheio! O único ponto fraco do disco fica por conta de "Sick", uma faixa pouco inspirada e até meio forçada...

No final das contas, o Evenescence conseguiu lançar um disco coerente e bem produzido, uma obra que é um passo à frente para a banda, em todos os sentidos! Pena que, em uma realidade musical que fornece apenas 15 minutos de fama para qualquer artista, a "turma" de Amy Lee já se encontra jogada no limbo do esquecimento. É uma pena...

Nota: 9

Músicas:
1. What You Want
2. Made of Stone
3. The Change
4. My Heart Is Broken
5. The Other Side
6. Erase This
7. Lost in Paradise
8. Sick
9. End of the Dream
10. Oceans
11. Never Go Back
12. Swimming Home

Rebatendo: puxa-sacos de Axl Rose

2011-10-14T10:14:00.000-07:00

Bem-vindo(a) à coluna "Rebatendo", um espaço dedicado à fina arte da discordância musical. O objetivo é simples: "rebater" aquelas opiniões munidas de argumentos que, no fundo, não convencem quase ninguém... Se você é um fã "babão" do artista abordado - e, consequentemente, desprovido de opinião própria -, passe longe do texto a seguir...

Após o "grandioso" término do Rock In Rio, no dia 02/10/2011, começou todo o esperado falatório sobre o 'concerto' do Guns N' Roses. Até aí tudo bem, visto que a banda de Axl Rose ainda consegue chamar atenção de... bem, de todo mundo! Mas, a situação atual do grupo é uma prova de que sucesso realmente não quer dizer nada, especialmente nos dias de hoje.

Logo de cara, apareceram em diversos veículos as esperadas críticas negativas - muito bem redigidas e munidas de ótimos argumentos - sobre o show em questão. Pouco tempo depois, a "turma do bom senso" teve o desprazer de ler as igualmente esperadas respostas nervosas das 'fanzocas' de Axl Rose. E eu devo dizer que não existe nada de mais vergonhoso do que se assumir como um legítimo fã de Guns N' Roses neste momento...

É de doer na alma o ato de ler asneiras do tipo "Você critica porque tem inveja!", "Criticar é fácil, quero é ver você fazer melhor!", "Você não pode falar nada porque viu pela tv, você não estava lá!" ou mesmo o altamente discutível 'argumento' "Eles não precisam mais provar nada a ninguém!".

Cito em especial as velhas defesas ao habitual atraso de Axl Rose para subir ao palco, como ele tivesse todo o direito de nos tratar como lixo, apenas porque "ele sempre foi assim mesmo" e "nós vamos ao show como fãs, já preparados para esta eventualidade". Se isso não é equivalente a assinar - orgulhosamente - um atestado de burrice, eu não sei o que é...

Sério mesmo que as 'fanzocas' alienadas se contentam apenas em repetir as mesmas besteiras por aí, sem conseguir encontrar qualquer aspecto que possam elogiar de forma genuína no "show" em questão? Quero dizer, como podemos elogiar um show iniciado com um século de atraso, com um Axl de voz totalmente detonada, e um 'circo' de músicos deslocados que mal conseguem manter o astral do público nos inúmeros momentos de descanso do "vocalista"?

Não, eu não estava lá, e eu sei muito bem que o público já estava completamente destruído naquela altura do campeonato. Mas, Axl Rose, como o profissional que deveria ser, com certeza teria levado tais fatores em conta antes de fazer seus fãs passarem por mais uma eternidade de aperto após o apoteótico show do System of a Down. Chega a parecer que o cara estava nos fazendo um grande favor, a partir do momento em que resolveu pisar no palco.

Por fim, como já era de se esperar, a banda divulgou uma nota explicando os motivos pelos atrasos. Eles apenas esqueceram de um pequeno detalhe: nós não nascemos ontem! Afinal, insulto à inteligência e bom senso de fãs pensantes do Guns N' Roses também tem limite!

"Metaleiros maconhados" atacam novamente

2011-09-29T21:04:00.000-07:00

Antes de tudo, favor ler a notícia abaixo:
http://www1.folha.uol.com.br/poder/982040-aliado-de-sarney-afirma-que-metaleiros-sao-maconhados.shtml

Alguém que fala tanta bobagem sobre roqueiros/metaleiros em tão pouco tempo, só pode ser um babaca, certo? Com certeza que sim! De fato, a declaração supracitada atinge um nível de estupidez que chega a ultrapassar os limites do crível. Surge então a inevitável pergunta: "esse cara está realmente falando sério?". Oh, e como está...

Dito isso, vamos analisar a questão sob novo ângulo. Uma das coisas mais divertidas do rock é a sua capacidade de "descer a lenha" em conservadores e preconceituosos em geral. Nos primórdios do gênero, o mundo estava cheio de pessoas assim - ou até piores! Com o tempo, os roqueiros conseguiram mostrar sua personalidade forte, além de todas as qualidades musicais do seu querido estilo, o que resultou em uma certa queda da discriminação ao rock.

Sejamos sinceros agora: esse tipo de 'personagem' não estava mesmo fazendo falta? Sim, eles fazem falta no universo do rock 'n' roll, e muito! Não digo que deveríamos ter uma horda de pessoas assim (Deus me livre!), mas a presença de uma ou outra representante dessa "raça" chega a nos divertir por um momento, resultando naquela louca vontade de escutar algum CD - ou mp3 - de punk rock, e sair grunhindo por aí, enquanto formulamos os melhores argumentos para discutir sobre suas burradas.

Voltemos ao caso em questão, que teve como base o show do Capital Inicial no Rock In Rio. Não é novidade que este quarteto brasiliense abandonou há tempos a sua conexão com o tal "rock 'n' roll de verdade", seja em termos musicais ou ideológicos. Mas, uma declaração como a deste 'fulaninho' nos faz relembrar de algumas qualidades do grupo, além de nos deixar com vontade de escutar novamente algumas de suas melhores músicas. Bacana, não?

Se existem "sabores extras" no rock, dos quais sentíamos falta nos últimos anos, aí está um deles! Falo do prazer de mostrar, da forma mais fundamentada possível, que pessoas desse naipe chegam ao ponto de serem dignos de pena. Se isso estimular também as novas bandas a fazerem uma música transgressora de verdade, a missão - involuntária - destes indivíduos conservadores na Terra estará cumprida, mais uma vez!

OBS.: a não citação do nome deste ser ao longo da matéria foi proposital. ;)

Discografia comentada: The Police

2011-09-16T10:22:00.000-07:00

Os apreciadores de uma determinada banda não se contentam em conhecer apenas os maiores singles lançados pela mesma. E se você conheceu tal banda através dos seus maiores 'hits', é claro que também fará questão de procurar escutar alguns dos seus melhores discos - ou todos eles! Nesta seção, farei "viagens" rápidas e introdutórias pelas discografias de bandas que fizeram - ou farão - história com seus registros de estúdio. Nesta edição: The Police!

Formado pelo vocalista/baixista Sting no final dos anos 70, em meio à transição do punk rock para a new wave, o 'power trio' britânico The Police ficou marcado como um dos maiores expoentes do pop/rock em todo o mundo! Claro que, para atingir tal status, o grupo teve que mostrar algo bastante transgressor dentro de todo o rock, como veremos a seguir...

# Outlandos d'Amour (1978)
O espontâneo, cru e energético 'debut' do The Police seria apenas mais um exemplar do pós-punk que inundava cenário britânico, se não fosse por dois detalhes sonoros adicionais: a sua promissora veia pop, e as suas inusitadas misturas de rock 'n' roll e punk rock com reggae. As maravilhosas "Roxxanne" e "Can't Stand Losing You" que o digam! Os destaques sonoros do guitarrista Andy Summers e do excelente baterista Stewart Copeland também falam por si.

# Reggatta de Blanc (1979)
Após chamar atenção com a influência de reggae no seu som, o The Police resolveu escancarar ainda mais essa "misturinha" no seu segundo álbum, como podemos notar no experimentalismo solto da faixa-título "Reggatta De Blanc", e na divertida "Walking on the Moon". Em alguns momentos mais "regueiros", a banda perde um pouco daquela pegada mais urgente e vibrante, mas este álbum ainda é um ótimo exemplar da capacidade de variação musical do trio.

# Zenyatta Mondatta (1980)
Em seu terceiro álbum, temos um legítimo resumo daquilo que é o The Police, visto que a sua já citada mistura musical foi utilizada aqui da melhor forma possível, trazendo uma dinâmica interessante e até então inédita para o grupo. A simplicidade de "Don't Stand So Close To Me" contagia até hoje, e "Driven To Tears" ainda consegue ser uma das faixas mais intrigantes do trio. Se você deseja conhecer o trabalho de Sting e sua trupe através de um único álbum, este é o disco certo pra você!

# Ghost in the Machine (1981)
Com medo de ficar preso àquele som que, para o bem ou para o mal, já estava se transformando em uma fórmula pronta, o The Police resolveu arriscar um pouco mais em seu quarto trabalho. A mudança fica bem clara no uso de sintetizadores, e letras que alternam entre viagens "futuristas" e questões sociais. O único ponto fraco aqui é o pequeno destaque de Andy Summers e Stewart Copeland, o que evidencia a importância dos dois no grupo.

# Synchronicity (1983)
Este pode não ser o trabalho mais divertido da banda, mas certamente é o mais ousado, super produzido e heterogêneo de toda a sua discografia! Temos um pouco de tudo: pop/rock, rock alternativo, new wave, jazz fusion, etc... Por sinal, o enorme sucesso deste álbum - graças ao 'hit' "Every Breath You Take" - faz um contraponto perfeito com a certa falta de rumo musical do grupo, o que faz deste um excelente "canto do cisne" para o The Police. O fim não poderia ser mais conveniente...

Vale acrescentar que, em pouco tempo de estrada, o The Police conseguiu algo que está apenas nos sonhos de muitos músicos: sucesso constante! Do primeiro ao último álbum, o trio estourou nas paradas com vários singles, e tem seu primeiro e seu último álbum como os favoritos da maioria dos seus fãs. Você pode pesquisar à vontade, mas garanto que não vai encontrar muitos artistas com esse tipo de êxito musical em seus respectivos currículos.

Como analisar um projeto paralelo

2011-08-25T15:58:00.000-07:00

Uma das maiores injustiças do mundo do rock é a análise equivocada das obras lançadas por um artista que está investindo em um projeto paralelo - seja uma nova banda ou uma carreira solo. Se aquele é um trabalho que traz uma nova "marca", qual seria a diferença entre aquela banda (ou carreira solo) e uma banda formada por novos músicos?

Muitas pessoas se fazem a pergunta supracitada de forma inconsciente, mas acabam chegando à conclusão de que o projeto paralelo de um artista deve ser analisado de forma comparativa com seus trabalhos anteriores, como se o novo projeto fizesse parte de uma essência musical que deve ser continuada ou totalmente esquecida!

A discussão em questão se torna ainda mais pertinente, graças ao crescente número de "supergrupos" surgidos nos últimos anos, sendo que quase todos foram recebidos com certa frieza pelos fãs das antigas bandas dos membros envolvidos em cada projeto. No final das contas, as pessoas queriam apenas escutar a sonoridade da extinta banda anterior do artista, ou algo absurdamente diferente de qualquer coisa já feita pelo mesmo...

Se você curte stoner rock, por exemplo, vai me dizer que não acharia incrível o som de uma banda como Them Crooked Vultures, se esta fosse formada por músicos novos? Caso ainda não tenha escutado, conheça agora:

O que falar então de uma nova banda que soasse como o poderoso "tanque" de hard rock Chickenfoot? É bem melhor analisar dessa forma do que perder tempo vendo essa "festa musical" como um retrocesso dos maduros músicos participantes. E se você nunca ouviu falar, confira agora mesmo:

E quanto ao "quase 'sleaze rock'" do Velvet Revolver? Será que precisamos mesmo exigir desses caras um álbum que soe como aquele "disquinho" clássico de 1987? Deixe aquela banda de lado e se amarre nessa outra banda:

Tá certo que o Audioslave possui claras semelhanças com os projetos iniciais dos seus integrantes, mas podemos considerá-los como uma nova banda que soube pegar o melhor daqueles grupos. Veja como se faz uma excelente reciclagem musical:

Voltando um pouco mais no tempo, vale citar a banda Traveling Wilburys, que soube transformar a essência dos músicos envolvidos em algo bastante divertido! Conheça:

Se existisse um rótulo chamado "grunge progressivo", o Mad Season seria a principal banda do gênero, mesmo sendo formada por músicos que se consagraram em seus projetos "principais". Tenha uma idéia desse som:

Os amantes de indie rock certamente sabem apreciar a decisão de um certo vocalista/guitarrista, de fazer um som diferente de sua banda "principal" através dos projetos The Raconteurs e The Dead Weather. Conheça o segundo:

OBS.: a não citação dos "projetos principais" dos artistas acima foi proposital. Se você não os conhece, mantenha essa "doce ignorância" por mais um tempinho e aprecie os sons indicados.

Tudo bem que é difícil se desprender totalmente das comparações, mas vale a pena se esforçar para considerar um projeto paralelo como algo tão independente quanto uma banda formada por músicos que mal saíram do berço. Garanto que suas análises musicais serão muito mais justas - e extremamente divertidas - após essa mudança de perspectiva. Tente!

Rebatendo: Paul Stanley

2011-08-14T14:43:00.000-07:00

Bem-vindo(a) à coluna "Rebatendo", um espaço dedicado à fina arte da discordância musical. O objetivo é simples: "rebater" declarações de artistas que expõem suas opiniões sobre determinado assunto, munidos de argumentos que, no fundo, não convencem quase ninguém... Se você é um fã "babão" do artista abordado - e, consequentemente, desprovido de opinião própria -, passe longe do texto a seguir...

Hoje, irei "rebater" a defesa de Paul Stanley (Kiss) em relação a exagero de 'merchandise' da sua banda. Leia a matéria completa sobre a sua declaração através do link abaixo:
http://lokaos.net/kiss-paul-stanley-defende-os-exageros-de-merchandise-da-banda

Se eu pudesse bater um papo com Paul Stanley sobre este assunto, começaria com a pergunta: "Paul, Paul, Paul, quem você acha que vai enganar com esse papo furado?". Chega a ser interessante notar como o artista em questão finge elevar os fãs ferrenhos do Kiss a um patamar de senso crítico que praticamente inexiste...

Vamos lembrar que um fanático não consegue se controlar quanto o assunto é "coleção". Ele quer ter não apenas os álbuns, mas também todas as tralhas lançadas com o "selo" da sua querida banda. No caso da empresa (sim, empresa!) Kiss, todos nós sabemos que a situação é ainda pior, visto que grande parte (não todos, claro) dos seus fãs são declaradamente doentes - com direito a diagnóstico médico, em alguns casos.

Tendo toda a lógica do comportamento do fanático em mente, Paul Stanley ainda teve a cara-de-pau de dizer que os "fãs pediram isso", e que a banda sempre fornece o que o público pede... Como esses caras são legais, não? Realmente, o fã precisa tanto de tudo isso, que cada um desses itens permanece trancafiado em um quarto que foi montado apenas para acumular tralhas do Kiss. É, Sr. Stanley, dá pra ver que o fã utiliza bastante os produtos do Kiss no seu dia-a-dia...

"Nós não colocamos nosso nome em nada em que não acreditemos, ou em que os fãs não acreditem". Existe um ótimo contra argumento para essa quase poética (hum...) declaração, que é mais ou menos assim: "Sem comentários...". Acrescente a isso uma boa crise de riso, com direito a lágrimas e mijadas na calça...

Sobre o Kiss ser um "ideal que transcende os integrantes da própria banda", nem temos o que discutir, visto que estamos falando de um grupo liderado por Gene Simmons, o cara que já reivindicou até o trono de Deus. Realmente, só rindo...

Por outro lado, tenho que concordar com o seguinte trecho: "O Kiss irá sobreviver, com certeza. O que fizemos foi criar uma maneira de pensar". De fato, Gene Simmons e Paul Stanley criaram uma forma de pensar, graças à difusão de uma ideologia que transcende todas as leis da inteligência e senso crítico humano. Muito bom, caras!

Agora, se me dão licença, voltarei ao consumo de produtos realmente úteis do Kiss: "Dressed To Kill", "Love Gun", "Lick It Up", "Revenge", "Sonic Boom"...

Rocktulando: New Wave of American Metal

2011-08-08T15:03:00.000-07:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: New Wave of American Metal!

Se você tem conhecimentos básicos de Heavy Metal (e vertentes), certamente já ouviu falar na "New Wave of British Heavy Metal" ("Nova Onda do Heavy Metal Britânico"), movimento que moldou o estilo em definitivo, no final dos anos 70 e início dos anos 80. Tomando este movimento inicial como base, e levando em conta a decadência do Heavy Metal entre o final dos anos 90 e início dos "00's", já era de se esperar uma "nova 'new wave'"...

O movimento foi iniciado nos Estados Unidos, sob o título "New Wave of American Metal" ("Nova Onda do Heavy Metal Norte Americano"), o qual ficou marcado por uma sonoridade diferenciada daquela que fora apresentada no metal dos anos 70. Ao invés da mistura de solos de guitarra e temáticas ocultas com a urgência punk daquela época, temos aqui uma mistura mais puxada para o hardcore, com temáticas que variam de questões políticas ao intimista e melancólico - com uma boa dose de agressividade, obviamente.

Para quem conhece um pouco do tal "metalcore" (resumindo: metal+hardcore), não deixa de ser interessante notar que esta é a base da "New Wave of...", como pode ser averiguado no som de bandas mais "thrash" como Lamb of God (foto) e Trivium, e bandas mais puxadas para o "groove metal", como Chimaira e Disturbed.

Bandas mais comerciais e melódicas também marcam presença no movimento, sendo que a mais famosa é o Avenged Sevenfold (foto). Por sinal, este é o ponto em que o estilo se encontra, por vezes, com a ideologia - e sonoridade - "emo". Mas, deixemos esses detalhes para discussões inúteis entre metaleiros "old school" e "new school"...

Algo de progressivo também permeia pelo estilo, como pode ser notado no som variado da banda Between the Buried and Me, ou nas nuances quase esotéricas do Mastodon (foto). A banda feminina Otep também se destaca, pela mistura do obsoleto "nu metal" com toques alternativos que elevam este velho gênero a um novo patamar. Há ainda a absurdamente criativa - e já conhecida até entre os pagodeiros da esquina - System of a Down, que dispensa mais comentários...

De "groove metal" a "thrash metal", de "metalcore" a "metal alternativo", o fato é que temos diversos subgêneros como parte da "New Wave of American Metal", um rótulo que se mostra versátil e ainda aberto a novas misturas e "inovações", visto que este é simplesmente um novo manifesto do Heavy Metal nos dias atuais.

Por fim, vamos esperar que as novas bandas do movimento nos presenteiem com sonoridades cada vez mais transgressoras, pois o nosso querido metal continua precisando...

Censura na "imprensa rocker"

2011-07-29T10:00:00.000-07:00

Uma das coisas mais bacanas do rock 'n' roll é a sua capacidade de chocar o público com um poder de fogo que, na maioria dos casos, é digno de todos os tipos de censuras imagináveis. Tal 'atitude rocker', representada pelo selo de censura "Parental Advisory" (indicador de "conteúdo explícito") chegou até ao ponto de ser utilizado de forma equivocada, seja por artistas de pop ou por bandas pseudo-roqueiras. Mas, deixemos as bandas de lado por ora...

Há quem diga que a liberdade de expressão é perigosa em alguns casos. Claro que isso não passa de uma grande bobagem, visto que o verdadeiro perigo se encontra no caráter da pessoa que a utiliza, algo que independe do direito que lhe foi concedido. Então, qual é o objetivo de tamanha censura em cima dos roqueiros? Essa sim é uma pergunta pertinente e aberta a milhares de interpretações...

Curiosamente, representantes do próprio cenário 'rocker' chegaram ao ponto de cometer o ato hipócrita de censurar membros da "imprensa roqueira". A situação chega a ser lamentável, visto que os donos de determinados veículos voltados ao rock, parecem ter medo de retaliações daqueles roqueiros retardados que não aceitam absolutamente nenhuma opinião contrária à sua.

Surge então a inevitável pergunta: "Onde foi parar a atitude rock 'n' roll?". Se os próprios roqueiros tem medo da força devastadora do seu querido estilo, qual é o sentido em apreciar toda a sua ideologia original? Como já foi dito, o ato de trabalhar com o rock, nesse caso, não passa de um exercício de hipocrisia.

Escrevo estas mal traçadas linhas em nome de redatores - ou pseudo-redatores, como este que vos escreve - que defendem suas opiniões com sinceridade, e com bons argumentos, embora sejam censurados, sob a desculpa de que estão sendo desnecessariamente polêmicos e/ou ofensivos. Vamos lá, alguém realmente acredita nesse papo furado? O próprio rock precisa (sim, precisa!) ser ofensivo em alguns momentos! Acidez é o seu sobrenome...

De fato, uma das coisas mais construtivas no ato de ler - com atenção e mente aberta - um artigo crítico redigido por um conhecedor de rock, reside na capacidade que o texto possui, de nos dar um verdadeiro "tapa na cara" em relação aos equívocos musicais mais recorrentes entre a maioria das pessoas. E, se não concordamos com "porra nenhuma" do que foi dito, teremos vontade de participar de discussões sobre o assunto, utilizando para tal o nosso ponto de vista e os nossos argumentos. Quer algo melhor do que isso?

Ainda acredito na recuperação da ideologia - e coragem - original do rock por parte da tal "mídia roqueira", e que esta não tenha medo dos ataques de seres que são inúteis como um trapo. Sem textos tão ácidos quanto aquelas controversas - e deliciosas - canções de rock, perdemos aqui uma das coisas mais bacanas e inteligentes do nosso querido universo musical.

Quanto à moral e os bons costumes, que ambos fiquem reservados para outras questões, sim?

A guerra do rock no Brasil

2011-07-26T10:08:00.000-07:00

O cenário underground brasileiro pode ser considerado amplo e promissor. Temos uma mistura de estilos, e bandas com propostas bem distintas. Não precisamos de algo melhor do que isso, certo? Errado! Apesar dos aspectos positivos citados, um olhar mais atento em torno de uma banda - e suas conexões - pode revelar coisas não muito agradáveis para os adeptos da paz e da união entre apreciadores de rock.

Salve raríssimas exceções, você pode notar no underground brasileiro um verdadeiro espírito destrutivo, consequente daquilo que, a princípio, deveria ser apenas uma competitividade saudável. Pode até parecer uma paranóia digna de teorias de conspiração, mas garanto que não é...

Um simples "passeio" pelas redes sociais, nas quais as bandas divulgam seu trabalho, pode ser bastante revelador. Um exemplo interessante é o quase obrigatório ato de a banda citar em seu "release" a suposta falta de inventividade sonora dos seus concorrentes, como se apenas a sua banda estivesse realmente disposta a fazer algo novo e marcante no rock.

Saindo do escopo dos próprios integrantes do grupo, temos ainda a ação de pessoas que praticamente trabalham para a banda. O resultado? Milhares de "pequenos" ataques ao trabalho alheio - sempre disfarçados de críticas construtivas, claro -, que se mostram como ações bem mais sutis (quase imperceptíveis), porém constantes...

Agora, vamos ao que realmente interessa: os shows! Independente da sua posição em meio à platéia, você pode ter certeza de que escutará "cochichos" de pessoas que, pelo visto, possuem um ouvido apuradíssimo para qualquer tipo de erro cometido em cima de um palco. Em alguns casos, objetos são atirados no músico "errante", sem cerimônia. Curiosamente - mas nem tanto -, as mesmas pessoas abrem mão destas atitudes quando a banda dos seus amigos está errando feio ao longo do seu show...

Ainda a nível de amizade entre o público e uma banda específica, não é pequeno o número de espectadores que comparecem a um show apenas para presenciar a banda dos amigos, deixando o local logo após a apresentação da mesma. Quero dizer, se pessoa curte rock, deseja o melhor para o cenário, e sabe que as outras bandas podem fazer um som igualmente bacana, qual é o motivo de tamanho preconceito e discriminação?

Se você se encaixa em qualquer uma das descrições citadas, não pense que está no meio de uma competição saudável, muito menos que estou fazendo um drama em cima de algo inevitável. Acredite, correções de pequenas atitudes como estas podem trazer um enorme benefício ao cenário 'rocker' nacional! Agora, se você acha que tudo isso é besteira, devo dizer que também defendo seu direito divino de ser um roqueiro idiota...

[Álbum] Suck It And See (Arctic Monkeys)

2011-07-11T10:03:00.000-07:00

Suck It And See (Arctic Monkeys)

É engraçado como o já defasado 'indie rock' pode trazer gratas surpresas em determinados momentos. Quem acompanha a carreira dos Arctic Monkeys sabe que este adorável quarteto britânico possui uma genuína capacidade de entregar boas músicas dentro do gênero. Após o duvidoso - e, até então, perigoso - álbum "Humbug", eis que o vocalista/guitarrista Alex Turner e sua trupe voltam com tudo!

A volta triunfal em questão está representada no recém-lançado "Suck It And See" (2011), mais uma vez produzido por James Ford, o responsável - e culpado - pelo "Humbug". Mas, antes que os fãs da antiga sonoridade "vibrante" dos 'macacos' reclamem, vamos cair na real: assim como aconteceu com outras bandas "alternativas" britânicas (Oasis, Supergrass e Stereophonics, por exemplo), os 'Monkeys' também enjoaram em definitivo (talvez?) daquela sonoridade roqueira dos primeiros discos.

Tendo este novo Arctic Monkeyes em mente, somos brindados de cara com uma pérola: a linda, inocente e retrô "She's Thunderstorms", candidata a qualquer "top" de melhores músicas do ano. O clima "light" ainda permeia em outras singelas baladas, como "Black Treacle" e "Piledriver Waltz", além dos rocks "fofinhos" "Suck It And See" e "That's Where You're Wrong". Já o tom "sombrio" do álbum anterior retorna na razoável "All My Own Stunts".

Ao longo do disco, pode-se notar como Alex Turner nunca deixa a essência divertida da sua banda morrer, mesmo quando interpreta canções mais... "adultas", digamos assim. E, se você acha que o grupo corre qualquer risco de cair na pieguice, pense outra vez ao escutar as ótimas "Reckless Serenade" e "Love Is A Laserquest" (que títulos maravilhosos, não acha?).

Se você procura singles grudentos, prepare-se para receber... "The Hellcat Spangled Shalalala"! E, contrastando com o resto do álbum, vale a pena conferir com atenção os 'hards' monolíticos "Brick By Brick" e "Don't Sit Down 'cause I've Moved Your Chair". Ainda no setor mais roqueiro do álbum, temos "Library Pictures", que retoma - com louvor - a quase extinta vertente pós-punk do grupo.

Na minha resenha sobre o "Humbug", finalizei com uma pergunta pessimista: "e agora, Sr. Alex Turner?". O destemido líder do Arctic Monkeyes respondeu essa pergunta com firmeza em relação à atual fase "light" da banda, retomando ainda algumas das divertidas características que levaram boa parte do mundo a simpatizar com 'macacos' em primeiro lugar. Se você duvida, "suck it and see"!

Nota: 9

Músicas:
1. She's Thunderstorms
2. Black Treacle
3. Brick By Brick
4. The Hellcat Spangled Shalalala
5. Don't Sit Down 'cause I've Moved Your Chair
6. Library Pictures
7. All My Own Stunts
8. Reckless Serenade
9. Piledriver Waltz
10. Love Is A Laserquest
11. Suck It And See
12. That's Where You're Wrong

Dr. Rock explica: Brigas internas

2011-07-06T15:09:00.001-07:00

Bem-vindo(a) ao consultório do Dr. Rock. Conheça mais sobre a psicologia (ou algo próximo) aplicada no mundo do rock 'n' roll, através de uma análise descontraída e regada aos melhores - ou piores, dependendo do caso - exemplos musicais do gênero. Diploma? Quem precisa disso no mundo do rock? Dito isso, vamos lá!

Quem nunca ouviu falar nas famosas "diferenças criativas", citadas como motivos para o fim das atividades de uma banda de rock? Claro que já ouvimos todo esse papo furado diversas vezes. E é claro que nós não nascemos ontem...

Direto dos bastidores - e alguns divãs - do rock 'n' roll, posso dizer que, em 90% dos casos, o verdadeiro motivo para o fim é simplesmente... porrada! Sim, meus caros, as tais "diferenças criativas" nada mais são do que uma forma de esconder milhares de "barracos" do mundo do rock. Por sinal, se você tem uma banda, precisa tomar cuidado com a possibilidade de um trágico término das suas atividades.

Note que uma banda é como uma "família" em um ambiente de negócios, algo que não difere da maioria dos ambientes de trabalho, nos quais uma boa convivência entre os funcionários é fundamental! Some a isso o stress das turnês, incômodo de fãs babões em momentos de (suposto) descanso do artista, entre outras "coisinhas" do tipo, e você terá o acúmulo de tensão interna, o que pode transformar uma simples discussão musical em um grande desastre!

Se uma banda - iniciante ou veterana - marcasse uma consulta com o Dr. Rock, a fim de resolver este probleminha, a mesma receberia uma receita bem básica:

- Tirem férias um do outro ao final de uma turnê. E não veja nenhum dos integrantes da banda durante todo esse tempo, sob risco de querer espancar aquele com quem você teve alguma discussão mais acalorada em determinado momento.

- Não tenham receio de dizer "Me deixe em paz!" aos fãs babões que os importunam em hotéis e aeroportos. A violência física também está liberada nesses casos.

- Seja sempre sincero sobre suas idéias musicais, mas tenha o bom senso de guardar suas sugestões de experimentalismos absurdos para um futuro - e fracassado - projeto paralelo, que não prejudique a sua banda.

- A fim de evitar maiores desentendimentos, aceite a realidade: certos integrantes sempre serão vistos pelo público em geral como líderes da banda, independente de qualquer coisa! Agora, volte a tocar seu baixo ou bateria...

Eu poderia citar mais algumas recomendações, mas creio que já indiquei o básico. Pode até parecer simples brincadeira, mas tudo pode dar certo em uma banda se tais recomendações forem levadas a sério - com exceção dos maus tratos aos fãs mais chatos, embora seja uma idéia bastante tentadora.

De sobra, para quem ainda é iniciante no mundo da psicologia básica das bandas de rock, recomendo o controverso documentário "Some Kind of Monster", do Metallica. Uma bela aula de como tentar administrar as coisas, mesmo quando os músicos da banda se odeiam...

Uma dose de rock 'n' roll em excesso, e até a próxima!

O "não-rock" que é rock 'n' roll

2011-06-28T15:46:00.000-07:00

Durante a adolescência, não é de se espantar que um fã de rock se prenda exclusivamente ao seu querido estilo. Com o tempo - e consequente amadurecimento -, a mesma pessoa aprende a apreciar outros gêneros, sendo que um dos catalisadores para tal mudança é a sua recém adquirida atenção a detalhes "roqueiros" presentes em músicas de outros estilos.

Deixando de lado alguns artistas respeitados de jazz, blues e country, que também já fizeram suas investidas no mundo rock (não por acaso, devido aos fortes laços destes estilos com o rock), me concentrarei aqui na área mais "perigosa": artistas de pop (e derivados), eletrônica e hip hop que nutrem certo respeito e admiração pelo rock, o que resulta em sutis influências do estilo em uma ou outra música, seja nas letras com mais atitude, nas melodias típicas do rock 'n' roll, ou em batidas mais cruas e diretas.

Sem mais delongas, e como os exemplos falam mais alto na matéria em questão, vamos a alguns:

One of the Living (Tina Turner)

Batida forte e tipicamente "glam 80's", além de boas guitarras unidas ao vocal nervoso de Tina, fazem desta música um poderoso "rock". Confira:

Breathe (The Prodigy)

Em relação ao The Prodigy, a música em questão traduz muito bem o espírito "Electronic punk" do grupo. Pode-se dizer que os caras são mais "roqueiros" do que muita banda de rock por aí... Confira:

Sober (Pink)

Essa não é a primeira investida de Pink no universo das baladas de pop/rock, mas certamente é um ótimo exemplo de que a moça soa bem em sua versão mais "orgânica". Confira:

Sabotage (Beastie Boys)

Música bastante influente no chamado "rap rock" - gênero que logo descambou para o "new metal" -, "Sabotage" é mais um clássico dos gigantes do hip hop Beastie Boys. Confira:

Robot Rock (Daft Punk)

Assim como o The Prodigy, o Daft Punk também possui algumas influências roqueiras, como pode ser notado no energético riff da música em questão. Confira:

Shut Up and Drive (Rihanna)

Mais uma cantora badalada da música pop, Rihanna também resolveu trazer um pouquinho de tempero "rocker" - tanto em letras quanto melodia - à sua salada pop, neste chacoalhante single. Confira:

Heavy Metal do Senhor (Zeca Baleiro)

No caso desta peculiar - e curiosamente famosa - faixa do famoso cantor de mpb Zeca Baleiro, o título faz jus à música, e a música fala por si. Confira:

Beat It (Michael Jackson)

Dispensa qualquer descrição, não acha? Confira pela milionésima vez:

Se você conhece mais músicas "roqueiras" de artistas de outros gêneros, indique na parte de Comentários!

Os 'bundas' mais feios da cidade

2011-06-10T16:39:00.000-07:00

A essa altura do campeonato, quem ainda não escutou - e assistiu no Youtube, principalmente - o "web hit" "Oração", d'A Banda Mais Bonita da Cidade? O ainda pseudo-grupo lançou o clipe da referida música no dia 17 de Maio de 2011 (se não me engano) e logo adquiriu o "sucesso" instantâneo com a mesma. Então você pergunta: "por que 'sucesso' com aspas, meu colega?". Calma, meu caro, logo chegaremos lá...

Fazendo um rápido gancho com o meu mais recente 'post' (internet, redes sociais, velocidade da informação nos dias de hoje, blá blá blá...), podemos chegar a uma óbvia conclusão de que o termo "sucesso" se tornou altamente discutível, no que diz respeito à qualidade musical. E é claro que isso também atinge o mundo do rock 'n' roll, de alguma forma.

Sobre a faixa "Oração", não há muito que dizer: musiquinha repetitiva, sonífera, desafinada, pseudo-espontânea e pseudo-minimalista. No nosso belo universo 'rocker', era de se esperar que tal faixa adquirisse um status cult (não, eu não estou brincando!) entre a turminha 'indie'. Claro que, após mais alguns "views" do clipe no Youtube, essa mesma turminha descartou este belo clássico 'Avant-garde' da música brasileira...

Se você acompanhou a ascensão d'A Banda, já deve ter se deparado também com as notícias sobre o plágio feito de um clipe do Beirut. Então, isso significa que aquele "lindo" clipe d'A Banda não é uma idéia original? O que eles tem de realmente interessante então? Bem, qualquer ser pensante já pode ter uma idéia da resposta...

Com A Banda Mais Bonita da Cidade, podemos concluir que a facilidade de divulgação na internet pode incentivar o ouvinte moderno a valorizar estes "sucessos" que, nada mais são do que investidas que apenas conseguiram uma sorte - momentânea, certamente - com uma divulgação bem sucedida. Sim, meus caros, essa banda está muito longe de ser a mais bonita da cidade...

Próximo hype, por favor?

A aura de mistério musical nos dias de hoje

2011-06-08T17:06:00.000-07:00

Em tempos de Twitter, MySpace, Facebook e afins, não é de se surpreender que os artistas tenham "se rendido" à exposição viabilizada pelas milhares de redes sociais ao redor do mundo (digital). Junte a isso o fato de o sucesso do mp3 ter deixado a maioria dos músicos em um beco sem saída, e você terá como resultado o fim daquela "aura" de mistério que permeava o mundo do rock.

Se, por um lado, o ouvinte (seja ele um fã ou mero apreciador) pode ter um contato maior com seu querido artista, por outro, fica difícil manter aquela "chama" proporcionada pelo distanciamento do mesmo em maior parte do tempo, o que leva muita gente a enjoar destas ilustres figuras em questão de meses - ou até dias!

Outro problema recorrente é o uso equivocado das redes (o Twitter, em especial) por parte dos artistas para revelar detalhes inúteis de suas vidas pessoais. Quantos fãs babões perdem seu tempo - e um precioso espaço no cérebro - adquirindo informações sobre cada momento em que seu ídolo foi ao banheiro? Srª Vergonha mandou lembranças...

Então, a conclusão é de que o artista deveria simplesmente cortar toda e qualquer exposição em tais redes? Bem, não exatamente... A real é que vivemos na era da alta difusão da informação, o que também pode levar a galerinha do rock a esquecer da existência daqueles artistas que "se escondem".

Citando minha pessoa como exemplo, confesso que, apesar de ser um ouvinte sempre antenado e dedicado a vários artistas e estilos musicais, eventualmente me atraso - e muito - na descoberta dos lançamentos daqueles artistas que não sabem fazer uma boa auto-promoção na internet.

Para a infelicidade dos extremistas, temos aqui um caso em que o meio-termo é fundamental! O músico não vai sobreviver se ignorar as possibilidades de exposição no mundo digital, mas também deve "se guardar" um pouco, de forma que sua dignidade musical seja mantida e o ouvinte ainda o veja como um tipo diferente de entidade - ainda que este mero ser humano não seja nenhum "deus", obviamente.

Alguns fãs podem até reclamar, mas a verdade é que a tal "aura de mistério" é como um bônus no ato se apreciar rock 'n' roll, e todos nós adoramos isso!

Rocktulando: Madchester

2011-04-30T20:26:00.000-07:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Madchester!

Alguns subgêneros do rock tiveram um curtíssimo tempo de vida. Entre eles, podemos citar o movimento britânico Madchester, que se desenvolveu na cidade de Manchester e abalou as estruturas do pop/rock e do rock alternativo entre o final dos anos 80 e início dos anos 90, abrindo caminho para um gênero bem mais conhecido: o marcante Brit Pop.

Se você já ouviu falar no lento e melancólico estilo Shoegazing, podemos dizer que Madchester é o seu "irmão" feliz e dançante. As bandas do gênero não se preocupavam exatamente como uma sonoridade roqueira, visto que apostavam em sons ideais para festinhas - especialmente aquelas regadas a muitas drogas em clubes noturnos. Naturalmente, as bandas de Madchester ainda traziam uma forte influência psicodélica em suas músicas.

Entre seus representantes, destaco o Happy Mondays (foto) e o Inspiral Carpets, além de duas bandas pouco conhecidas, porém divertidíssimas: Northside e The Mock Turtles. Ao escutar o som do Happy Mondays e Northside com atenção, pode-se notar também o parentesco do estilo com a House Music e... Dance Music!

Já a principal referência, a nível de sucesso, atende pelo nome The Stone Roses (foto), banda cultuada até hoje em qualquer "rodinha indie" que se preze. Curiosamente, a trupe do vocalista Ian Brown teve uma carreira tão meteórica quanto o movimento Madchester em si, apesar de ter influenciado muita gente nos últimos 20 anos.

Vale destacar ainda as bandas James, The Charlatans (foto) e Blur, que lançaram obras notáveis de Madchester, antes dos seus momentos de glória como representantes do Brit Pop. Em álbuns como "Some Friendly" (The Charlatans) e "Leisure" (Blur), temos uma boa idéia da sonoridade do Madchester em seus últimos dias de vida...

Infelizmente, o Madchester teve uma vida curta, provavelmente devido a certa repetitividade estrutural de suas músicas, além da considerável indiferença dos roqueiros alternativos quanto a sons "alegrinhos" em geral. Mas, se você curte um bom rock britânico, vale a pena conferir este movimento tão influente e singular. Escute com atenção, e não se esqueça de dançar!

[Álbum] End Ever (Astafix)

2011-04-26T15:49:00.000-07:00

End Ever (Astafix)

Por Fábio Cavalcanti

Formada entre meados de 2008 e 2009 (confesso que não sei ao certo), a banda de thrash metal Astafix logo chamou a atenção dos metaleiros, especialmente por trazer em seu 'line up' o vocalista/guitarrista Wally, conhecido por ter sido guitarrista da banda de 'proto-emocore tupiniquim' (discorde à vontade do rótulo, se assim preferir) CPM 22.

Em 2009, a banda lançou "End Ever", seu primeiro registro de estúdio. O som puxa a vertente mais cadenciada e recheada de grooves do thrash metal, sem se contentar em ser apenas uma cópia de bandas como Pantera ou mesmo do inevitável Sepultura. Já os temas das músicas parecem sugar mais da fonte do metal industrial, o que também é bastante curioso.

Sim, temos faixas bastante voltadas ao thrash/groove metal 'old school', um gênero que, ironicamente, domina a primeira parte do disco. São elas: "Red Streets", "Cipher", "False Eyes", "Dead Forever", "Drown Your World" e "End Ever". Simplesmente uma porrada atrás da outra, com aquelas tradicionais variações rítmicas do gênero.

Algo de alternativo permeia em faixas como a melodiosa "The 13th Knot", e em três exemplares macabros de doom metal: "Black Blood Blight", "Seven" e "Desert Eyes". Já a ótima "The Havoc Clutch" traz uma inusitada - e aparentemente espontânea - influência de stoner metal. Como ponto negativo, temos apenas "Desordem e Retrocesso", um hardcore sem graça e mal produzido que destoa do álbum em todos os sentidos imagináveis...

Apesar das pouquíssimas imperfeições citadas, Wally conseguiu mostrar, através do seu Astafix, o seu considerável domínio sobre o thrash metal, o que faz de "End Ever" um trabalho honesto, sincero e definitivamente acima da média. Aguardemos agora por novos trabalhos deste promissor quarteto.

Nota: 8

Músicas:
1. Red Streets
2. Cipher
3. False Eyes
4. Dead Forever
5. Drown Your World
6. The 13th Knot
7. End Ever
8. Seven
9. The Havoc Clutch
10. Black Blood Blight
11. Desordem e Retrocesso
12. Desert Eyes

OBS.: Esta resenha foi solicitada através do envio de material original da banda em CD para o Rock em Análise. Se você tem banda e também deseja ter uma resenha publicada neste espaço, mande um e-mail para fabiomca@yahoo.com.br solicitando informações sobre envio do seu material. Vale lembrar que a resenha poderá ser positiva ou negativa, como qualquer outra publicada aqui. Boa sorte!

A força do nome frente às mudanças de sonoridade

2011-04-14T18:14:00.000-07:00

Até que ponto o nome de um artista veterano (ou mesmo "veterano") influencia em uma análise daquele álbum ou música diferente que você está escutando? Faço essa pergunta após ler a milésima discussão sobre o "injustiçado" (cof cof cof) "Chinese Democracy" do Guns N' Roses, álbum que é defendido pelos fãs como um trabalho que deve ser analisado como se fosse de outro artista. Argumento válido? Não exatamente...

Sejamos realistas: é quase impossível escutarmos algo prestando atenção unicamente à música nua e crua. Certos fatores externos sempre vão nos influenciar, seja a época da gravação, o tempo que esperamos até o lançamento do disco, ou, especialmente, o nome ao qual nós já associamos uma determinada essência musical - mesmo que sejamos bastante ecléticos.

Além do já citado "Chinese Democracy", seguem alguns exemplos de álbuns "experimentais" (muita atenção às aspas, caro leitor) em que o nome do artista influencia bastante em uma análise mais profunda do seu conteúdo musical:

Álbum: Howl (Black Rebel Motorcycle Club)
Diferencial: suave e bastante acústico, ao contrário dos seus outros discos, que são sujos e elétricos.

Álbum: Lost Highway (Bon Jovi)
Diferencial: country rock, ao contrário dos seus outros discos, que puxam mais para o hard rock.

Álbum: Load (Metallica)
Diferencial: heavy metal bastante acessível, ao contrário da maioria dos seus discos, mais puxados para o thrash metal.

Álbum: Adore (Smashing Pumpkins)
Diferencial: sonoridade e letras bem intimistas, ao contrário dos seus outros discos, que alternam entre momentos leves e pesados.

Álbum: 90125 (Yes)
Diferencial: pop/rock oitentista e AOR, ao contrário dos seus outros discos, que são obras de rock progressivo.

Agora, independente da opinião deste que vos escreve, acerca destes trabalhos, pense: se estas obras podem ser consideradas boas, sob o ponto de vista puramente musical, onde fica o verdadeiro senso crítico musical nessa história? Você dirá sempre que a pessoa "não captou" a obra corretamente, apenas porque pensou no nome e no currículo musical da banda? Tal forma de análise parece louvável em termos "artísticos", mas não passa de um exercício de preguiça mental!

Se você está meio perdido, comece analisando coisas simples, como a química da banda ao tocar aquele tipo de música, ou mesmo se o trabalho soa bem na discografia da banda naquele ponto da sua carreira. Não subestime também suas expectativas (boas ou ruins) em torno de um álbum recém lançado, use-as à vontade! E isso é apenas o começo...

No final das contas, em seu exercício de livre análise musical dessas obras tão peculiares, apenas certifique-se de que a música em si continua sendo prioridade, apesar de tudo.

E caso você se lembre de mais álbuns que possam ser adicionados aos exemplos citados acima, basta acrescentá-los na parte de comentários.

Dr. Rock explica: Síndrome of a Down

2011-04-06T09:57:00.000-07:00

Bem-vindo(a) ao consultório do Dr. Rock. Conheça mais sobre a psicologia (ou algo próximo) aplicada no mundo do rock 'n' roll, através de uma análise descontraída e regada aos melhores - ou piores, dependendo do caso - exemplos musicais do gênero. Diploma? Quem precisa disso no mundo do rock? Dito isso, vamos lá!

A deficiência mental sempre foi um problema grave, apesar de ser bastante conhecida e estudada ao redor do mundo. Obviamente, não abordarei aqui os seus tipos mais comuns, embora exista um específico que, apesar de pouco conhecido, vêm se manifestando cada vez mais entre os apreciadores de rock. Falo do "retardo rocker", ou, como prefiro chamar, a 'Síndrome of a Down'.

Quem nunca se deparou com aquele ser absolutamente fanático por uma banda, que praticamente espuma de tanta raiva quando você ousa falar mal do seu ídolo? Sim, meus caros, ele sofre de 'Síndrome of a Down'! E quanto àquele que discute sobre música com você até chegar ao ponto de querer te encher de porrada? Sim, meus caros, este ser também sofre de 'Síndrome of a Down'!

Tentarei categorizar o que já tenho em mãos, como resultado das pesquisas médicas realizadas em campo até então...

Estágio 1 - Leve: Típico de adolescentes "rebeldes sem causa", com idade mental ainda próxima à sua idade física, pode-se observar um comportamento que já indica traços de idiotice, embora a pessoa ainda tenha alguma salvação, graças à sua idade pouco avançada.
Frases comuns: "Essa banda é uma merda, quase não tem peso!", "Esse estilo é pura modinha!", "Que horrível, esse som aí nem é rock!", etc...

Estágio 2 - Moderado: Típico de jovens com um pouco mais de formação roqueira, mas que insistem em um comportamento arrogante e "revoltadinho" que joga por água abaixo boa parte do seu razoável conhecimento musical.
Frases comuns: "Você quer discutir música comigo? Você nem conhece as bandas 'X', 'Y' e 'Z', logo não pode falar nada!", "Não ouse opinar sobre esse artista enquanto não conhecer melhor (leia-se "quase toda") a sua discografia!", "A banda 'D' é bem melhor do que a banda 'M', porque os caras tem muito mais técnica!", etc...

Estágio 3 - Agudo grave: Típico de um adulto que aparenta ser bem informado, e que consegue ter uma atividade mental aparentemente normal, até o ponto em que um indivíduo munido de argumentos mais fortes o desmascara completamente.
Frases comuns: "Ah, você critica porque tem inveja!", "Aposto que você gostaria de ter metade do sucesso que eles tem/tiveram!", "Criticar é fácil, quero é ver você fazer melhor!", etc...

Estágio 4 - Profundo: Típico de pessoas realmente imbecis, que já iniciam uma discussão com seus "olhos de lasers" ativados, e que se fazem acreditar que estão "mandando ver" na discussão em questão. O uso de violência física também pode ocorrer em alguns desses casos...
Frases comuns: "Seu bosta, você não conhece nada de música!", "Vai escutar pagode, seu baiano preto!", "Você só pode ser emo, seu viadinho enrustido!", etc...

Pois bem, como vocês podem ver, a agressividade é um sinal claro da falta de argumentos, o que é um dos principais sintomas da 'Síndrome of a Down'. Se você apresenta algum desses sinais, recomendo a seguinte receita básica:

- Altas doses de artistas de subgêneros diversos do rock, assim como artistas fundamentais de outros estilos musicais.
- Calma e concentração ao longo de uma discussão musical.
- Humildade e disposição para aprender o que for preciso com o seu "rival".
- Muita leitura, a fim de melhorar e ampliar seu vocabulário.

Estamos todos juntos nessa luta contra a 'Síndrome of a Down'. Precisamos mostrar que roqueiros também são inteligentes, maduros e bem informados. Pense nisso e faça a sua parte!

Uma dose de rock 'n' roll em excesso pra você, e até a próxima!

Voz + Letra = Música?

2011-04-04T12:45:00.000-07:00

No que diz respeito a discussões musicais, quantas vezes você se deparou com um ouvinte que começa a escutar uma canção pela primeira vez, e, após alguns segundos, chega a uma conclusão quase definitiva de que não gostou daquele artista/banda? Este é um problema recorrente, consequente de uma equivocada atenção a apenas dois elementos: voz e letra.

Não é de se espantar que um "ouvinte comum" não tenha aquele "tato" para a música como um todo, mas este bom senso não precisa ser uma exclusividade de críticos e fãs de música em geral. Afinal, qual seria a dificuldade em dar igual tratamento a todos os elementos de uma música? A verdade é que, exceto pela breve atenção a um riff bacana aqui e um solinho de guitarra acolá, a dobradinha "voz+letra" passou a ser determinante em pelo menos 90% da qualidade do artista.

Não vou culpar ninguém, pois é normal que aquele indivíduo no centro das fotos - ou do palco - ganhe um destaque inicial maior do que o dos outros integrantes. Mas, se você adquiriu tal forma equivocada de analisar os sons que escuta, saiba que não é tarde para tentar mudar seus hábitos. Comece prestando atenção nos arranjos da música, e notando como os mesmos podem realmente influenciar na obra como um todo.

Vai me dizer que uma música com uma letra bem simples deve ser logo tachada de medíocre, ainda que possua um dos mais belos arranjos que você escutou em toda a sua vida? O que falar então daquela linda poesia que foi totalmente estragada por arranjos musicais equivocados? E aquela voz que é um tanto fraca, mas pode ser deixada em segundo plano, visto que o resto da banda faz um trabalho excepcional?

Como você pode ver, para o bem ou para o mal, a audição multidimensional é importante na análise do que você está escutando, o que torna a experiência de ouvir música ainda mais completa, desafiadora e agradável. Além do mais, ninguém precisa ser músico para expor uma simples opinião a respeito dos diversos instrumentos presentes em determinada música. Então, escute atentamente, arrisque e, acima de tudo, divirta-se!

[Álbum] The Frozen Tears of Angels (Rhapsody of Fire)

2011-04-01T12:05:00.000-07:00

The Frozen Tears of Angels (Rhapsody of Fire)

Por Fábio Cavalcanti

Se você está levemente familiarizado com qualquer tipo de metal melódico, e ainda não foi apresentado ao som dos italianos do Rhapsody of Fire, preciso dizer apenas que o grupo em questão é um dos nomes mais fortes e representativos do tal "metal sinfônico", e que certamente seria o alvo mais óbvio de qualquer paródia sobre o gênero. Dá pra ter uma idéia, não é?

A banda, liderada pelo guitarrista Luca Turilli, está prestes a lançar seu nono álbum, mas o trabalho em questão aqui é o seu mais recente até o momento: "The Frozen Tears of Angels" (2010). Das letras regadas a temas medievais místicos, passando pelos arranjos acelerados e virtuosos, temos aqui o Rhapsody of Fire em essência. Logo, é estranho notar como isso não chega a ser necessariamente uma coisa boa...

Na introdução "Dark Frozen World", narrada pelo ator Christopher Lee e executada como uma espécie de trailer de filme à la "Senhor dos Anéis" (irônico, não?), nos preparamos para uma viagem guiada por uma banda que, aparentemente, está se levando mais a sério do que deveria...

As faixas seguintes são as frenéticas "Sea Of Fate", "Crystal Moonlight" e "Reign Of Terror", as quais mostram um grupo disposto a recuperar o "power" do seu metal. Seguindo a mesma vertente, cito ainda "Raging Starfire" e "On The Way To Ainor". Porém, nenhuma das faixas consegue ir além do "escutável", o que evidencia uma certa queda de inspiração por parte do quinteto.

A faixa "Danza Di Fuoco E Ghiaccio" não é nenhuma maravilha, mas consegue ser divertida, graças ao seu bem sacado arranjo influenciado pela música celta. Já a semi-balada "Lost In Cold Dreams" conquista facilmente o prêmio de faixa mais dispensável do disco.

Fechando a 'track list', temos a curiosa faixa-título "The Frozen Tears Of Angels" (e cá entre nós, que título brega, não acha?), o ponto mais inspirado do álbum, uma faixa que consegue prender o ouvinte em seus 11 minutos de duração. A essa altura do campeonato, notamos ainda um aspecto interessante de todo o trabalho: a sua boa e refinada produção.

De qualquer forma, a "aventura sonora" representada por "The Frozen Tears Of Angels" mostra apenas um grupo de "guerreiros" enfeitiçados por uma poção genérica de power metal sinfônico, o que levará os fãs de volta aos tempos do bom álbum "Dawn of Victory" (2000).

E todos viveram infelizes para sempre...

Nota: 5

Músicas:
1. Dark Frozen World
2. Sea Of Fate
3. Crystal Moonlight
4. Reign Of Terror
5. Danza Di Fuoco E Ghiaccio
6. Raging Starfire
7. Lost In Cold Dreams
8. On The Way To Ainor
9. The Frozen Tears Of Angels

OBS.: Esta resenha foi solicitada através do envio de material original da banda em CD para o Rock em Análise. Se você tem banda e também deseja ter uma resenha publicada neste espaço, mande um e-mail para fabiomca@yahoo.com.br solicitando informações sobre envio do seu material. Vale lembrar que a resenha poderá ser positiva ou negativa, como qualquer outra publicada aqui. Boa sorte!

Rocktulando: Ska Punk

2011-03-24T09:58:00.000-07:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Ska Punk!

O ska, em sua forma mais pura, é um daqueles estilos peculiares e donos de uma sonoridade agradável e única. Surgido na Jamaica, no final dos anos 50, o ska foi bastante influente no desenvolvimento do reggae, mas também adquiriu uma leve afinidade com o rock com o passar dos anos... Entre os artistas mais representativos do gênero, a nível quase didático, destaco o cantor Prince Buster.

O punk, como sabemos muito bem, surgiu oficialmente no final dos anos 70, e passou a sofrer mutações ainda ao longo desta fase embrionária. Como você já pode deduzir agora, o subgênero em questão aqui é o Ska Punk, uma surpreendente mistura daqueles arranjos simples e sujos com o elegante conjunto de metais (saxofone, trombone, trompete) do ska.

Entre os primeiros artistas do Ska Punk, podemos citar o The Specials (foto), The Selecter e Madness, todos pertencentes a um curioso movimento chamado '2 Tone', capitaneado pela gravadora '2 Tone Records'. O punk ainda não se mostrava muito evidente nesta mistura inicial, mas a fusão definitiva com o rock já era bem clara e promissora.

Após um período de baixa, ao longo dos anos 80, o Ska Punk foi ressuscitado pelo grupo Operation Ivy (foto), e teve a sua "terceira onda" nos anos 90, através de uma mistura alucinada de pop/punk e hardcore melódico com os arranjos do Ska, evidenciada no som de bandas como Reel Big Fish, Less than Jake e The Mighty Mighty Bosstones.

Bandas de punk como Goldfinger e Rancid também entraram na onda, apostando em canções esporádicas de Ska Punk. Vale destacar ainda o No Doubt, famosa banda de pop/rock que apostou forte no Ska Punk em seus primeiros discos, enquanto que a igualmente famosa Sublime (foto) relembrava um pouco mais a essência do gênero, com claros toques de reggae.

Finalizando, a nível de curiosidade, vale citar ainda a influência do Ska Punk no rock nacional, em velhos hits do Charlie Brown Jr., Los Hermanos, ou mesmo dos Paralamas do Sucesso nos anos 80. Além de todos os artistas gringos já citados, vale a pena dar uma garimpada em busca de alguns destes sons da nossa terrinha, e se divertir com esse estilo universal e inigualável que é o Ska Punk.

Formato digital X Formato físico

2011-03-17T10:21:00.000-07:00

O assunto "música digital" já pode ser considerando um tanto clichê nos dias de hoje, mas ainda é uma questão pertinente, e que merece atenção especial. No caso deste que vos escreve, o despertar para o assunto surgiu após a leitura atenta de uma recente notícia, em que o cantor Jon Bon Jovi não escondeu sua opinião sobre o assunto, declarando que não gosta da forma como os arquivos digitais prejudicaram a indústria musical.

Confira:
http://whiplash.net/materias/news_853/126467-bonjovi.html

Fiquei feliz por ver que algumas pessoas ainda tem coragem de assumir que é difícil - talvez até impossível - aceitar tamanha mudança na forma de se consumir música. O que falar então da pirataria? Hoje em dia, a música digital está muito mais ligada à pirataria propriamente dita do que à indústria da música, o que já deveria ter resultado em uma mudança nas estratégias de vendas por parte das grandes gravadoras.

Agora, deixando o óbvio de lado, vamos dar crédito à opinião do Sr. Bon Jovi, afinal, a magia de "correr atrás" de um disco realmente foi perdida. Apenas as velhas gerações sabem como pode ser divertido frequentar uma loja de discos, do mesmo jeito que se frequenta qualquer outro local de lazer. Já as novas gerações, certamente devem estar estranhando o que está sendo redigido nestas "mal traçadas linhas"...

Se, por um lado, a música digital nos trouxe uma oportunidade incrível de conhecermos vários artistas - além de nos permitir realizar uma melhor "filtragem" daquilo que escutamos -, por outro, transformou o consumo de música em algo quase trivial, uma atividade vazia e sem qualquer prazer adicional...

Se você é um consumidor pleno de música digital gratuita, vai me dizer que não gostaria de passar pelo excitante "perigo" de comprar algo "no escuro"? Experimente pelo menos uma vez, e se não gostar, terá o seu dinheiro de volta... ou não!

Há quem diga que os defensores do formato físico não passam de "velhos conservadores", que não conseguem acompanhar as inevitáveis mudanças do mundo da música, e todo aquele "blá blá blá" que, na maioria dos casos, representa apenas uma mania descerebrada que a pessoa tem, de tentar se manter sempre atual e "antenada", descartando assim qualquer senso crítico sobre música em geral.

Tudo bem que os preços de cds não são nada convidativos hoje em dia, mas você ainda pode encontrar algumas promoções bacanas por aí... Além do mais, do que vale o argumento do alto preço, se a mesma pessoa gasta mais de 50 reais em uma simples noitada com os amigos? Por que não dar uma chance à sua velha amiga música?

Ao contrário do que os fãs mais chatos de um artista costumam dizer, ter apenas um cd do mesmo já basta, mesmo que você tenha o resto da sua discografia em mp3. Se antigamente não havia necessidade de adquirirmos toda uma discografia original, por que o faríamos agora? Comprando um disco, você ajudará o artista, e continuará com seus queridos mp3, sem qualquer peso na consciência. Experimente!

Por fim, lembre-se: artista não vive apenas de show, e também precisa comer!

[Álbum] Simplesmente Rock (Salário Mínimo)

2011-03-11T09:17:00.000-08:00

Simplesmente Rock (Salário Mínimo)

Por Fábio Cavalcanti

Não, Salário Mínimo não é apenas aquele valor que vem gerando polêmica nos últimos dias... Estou falando aqui de uma desconhecida banda paulista de heavy metal, que adquiriu um status cult com o álbum "Beijo Fatal" (1987), e voltou à ativa com um novo álbum, intitulado "Simplesmente Rock" (2009).

Quem ouviu o seu já citado álbum "clássico" de 1987, certamente vai estranhar a significativa mudança de sonoridade presente em boa parte das faixas deste novo trabalho. O heavy metal de outrora foi substituído por um mix de rock 'n' roll, hard rock e... pop/rock! O resultado causa uma estranheza inicial, mas tem lá suas qualidades...

"Eu não quero querer mais" abre o álbum com uma pegada hard rock contagiante, apesar da sua letra picareta que, no fundo, não quer dizer nada... A partir da melódica e cadenciada "Sofrer", percebemos a capacidade de variação musical da banda, além do inesperado teor "adulto" nas composições que se seguem, com temas que variam entre o intimista e o reflexivo, além de alguns românticos que, apesar do seu lado brega, pelo menos evitam certos clichês do gênero.

Amadurecimento e apreço técnico à parte, nota-se que as faixas mais interessantes do disco são justamente aquelas que, com o perdão do trocadilho, são "simplesmente rock"! Arrisco dizer que é quase impossível um fã de hard rock se deliciar com as baladinhas "Anjo", "Voyeur" e "Ao menos em sonho", na mesma medida em que vibra com as energéticas "Homens com pedigree" e "Delírio estelar".

No final das contas, "Simplesmente Rock" é um álbum heterogêneo, que dificilmente irá agradar em sua totalidade, independente das preferências musicais do ouvinte. Por outro lado, é bom escutar uma banda nacional formada por músicos que possuem uma boa química, e que ainda podem conceber bons discos no futuro. Vamos esperar agora por um álbum que, de fato, seja "simplesmente rock"!

Nota: 7

Músicas:
1. Eu não quero querer mais
2. Sofrer
3. Homens com pedigree
4. Sob seus pés
5. Anjo
6. 2000 anos
7. Voyeur
8. No seu mundo
9. Delírio estelar
10. Ao menos em sonho

OBS.: Esta resenha foi solicitada através do envio de material original da banda em CD para o Rock em Análise. Se você tem banda e também deseja ter uma resenha publicada neste espaço, mande um e-mail para fabiomca@yahoo.com.br solicitando informações sobre envio do seu material. Vale lembrar que a resenha poderá ser positiva ou negativa, como qualquer outra publicada aqui. Boa sorte!

[Álbum] O Terço (O Terço)

2011-03-09T07:19:00.000-08:00

O Terço (O Terço)

Por Fábio Cavalcanti

Uma das bandas mais representativas do rock nacional, O Terço, acaba de ressuscitar seu álbum de estréia: "O Terço", de 1970. O tão aguardado lançamento deste trabalho em cd remasterizado, através do selo Discobertas, traz a inevitável pergunta: qual seria o real valor histórico desta obra?

A banda, formada no Rio Janeiro, ganhou seu espaço no hall do rock progressivo mundial com o ótimo álbum "Criaturas da Noite" (1974). Mas, a nível de curiosidade, vale conferir esta primeira "bolachinha", que traz um grupo ainda imaturo e indeciso quanto à sua essência musical, mas certamente bastante promissor a longo prazo...

Em "O Terço", o trio suga ao máximo do rock clássico - especialmente dos Beatles -, do folk rock e até da MPB, em faixas como "Antes de Você... Eu", "Plaxe Voador", "Imagem", "Flauta", e na curiosa "Oh! Suzana". Infelizmente, acaba pisando na bola no excesso de "breguice" das orquestradas "Longe Sem Direção" e "Velhas Histórias", além da bestinha "Yes, I Do".

Se você curte algo mais progressivo, sugiro a ótima "Saturday Dream", o momento mais ousado e diversificado do álbum. Já a curiosíssima "Nã" nos faz imaginar uma espécie de Jethro Tull rural. Destaco ainda "I Need You", um inesperado funk/soul muito legal! Parte deste suíngue também se encontra na leve e minimalista "Meia Noite".

Tão curto quanto o álbum em questão (que possui apenas 30 minutos de duração) é o meu parecer final: um trabalho razoável, recomendado para curiosos e colecionadores, e que mostra apenas que o melhor do Terço ainda estava por vir...

Nota: 7

Músicas:
1. Nã
2. Plaxe Voador
3. Yes, I Do
4. Longe Sem Direção
5. Flauta
6. I Need You
7. Antes de Você... Eu
8. Imagem
9. Meia Noite
10. Saturday Dream
11. Velhas Histórias
12. Oh! Suzana

OBS.: Esta resenha foi solicitada através do envio de material original da banda em CD para o Rock em Análise. Se você tem banda e também deseja ter uma resenha publicada neste espaço, mande um e-mail para fabiomca@yahoo.com.br solicitando informações sobre envio do seu material. Vale lembrar que a resenha poderá ser positiva ou negativa, como qualquer outra publicada aqui. Boa sorte!

Dr. Rock explica: Perigos da nostalgia musical

2011-03-03T08:55:00.000-08:00

Bem-vindo(a) ao consultório do Dr. Rock. Conheça mais sobre a psicologia (ou algo próximo) aplicada no mundo do rock 'n' roll, através de uma análise descontraída e regada aos melhores - ou piores, dependendo do caso - exemplos musicais do gênero. Diploma? Quem precisa disso no mundo do rock? Dito isso, vamos lá!

Sim, você certamente deve conhecer bem aquele inevitável sentimento de nostalgia ao escutar certas bandas, álbuns, músicas... Não fique chocado(a), pois a música pode nos afetar de várias formas, sendo a nostalgia um dos sentimentos mais recorrentes no ato de se apreciar os belos ruídos sonoros que chamamos de rock 'n' roll.

Se, por um lado, a nostalgia é manifestada de uma forma sadia e passageira, por outro, pode deixar uma pessoa realmente presa a uma época que não volta mais... Imagine, por exemplo, como deve ser triste - e indefinida, musicalmente - a vida do Paciente 'X', um homem de 40 anos de idade, que escuta apenas aquilo que o faz lembrar do passado. Surge a questão: será que ele curte aquele som de fato?

É trágico notar também como muita gente, ao se livrar das amarras da nostalgia doentia, acaba se desvinculando totalmente de um determinado artista, como se este fosse prejudicial para o seu amadurecimento e desenvolvimento como ser humano. Meus caros, eu posso dizer, com toda a segurança do mundo, que isso não é nem um pouco necessário! Basta que você saiba se renovar ao som das velhas músicas que sempre te agradaram, visto que o artista não tem nada a ver com os seus problemas pessoais.

Tomando como base o Paciente 'Z', digo que é possível escutar qualquer música com novos ouvidos, o que é muito importante no ato de abandonar os velhos hábitos de nostalgia excessiva. Um dos maiores problemas do fã de rock é justamente o fato deste se prender muito às lembranças de uma época em que, supostamente, o rock 'n' roll fazia mais sentido em sua vida.

Voltando ao lado bom da nostalgia, digo que o ato de lembrar um pouco (repito: um pouco!) dos bons momentos do passado pode ser bacana, desde que isso seja feito esporadicamente, e com moderação. O rock pode continuar vivo e forte na sua vida, visto que existem diversas formas deste estilo fascinante fazer sentido para você, independente da sua idade, classe social, estado civil, mudanças de comportamento em geral, etc...

Você não precisa morar em um museu musical, basta fazer uma visita rápida às suas memórias e então seguir em frente... Para todos os outros momentos com seus velhos ídolos, faça como o já citado Paciente 'Z': escute o seu "The Dark Side of the Moon" ou "The Number of the Beast" como se fosse a primeira vez, ok? :)

Uma dose de rock 'n' roll em excesso pra você, e até a próxima!

Rocktulando: Boogie Rock

2011-02-25T19:05:00.000-08:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Boogie Rock!

Em determinado momento da história do rock 'n' roll, entre o final dos anos 60 e início dos anos 70, quando a essência dançante e divertida do estilo foi substituída por viagens psicodélicas e/ou progressivas, certas bandas, mais puxadas para o hard rock, utilizaram suas influências de R&B (rhythm and blues) e rockabilly em uma "nova" investida: rock pra dançar!

Tal virada no mundo do rock caiu como uma luva para os apreciadores de um som mais energético, como podemos notar na evolução musical do Status Quo (foto) e Humble Pie. Ambas as bandas iniciaram suas carreiras de uma forma meio apagada e indefinida, mas conseguiram se destacar com o uso cada vez mais constante de guitarras e batidas típicas do rock 'n' roll clássico. Assim surgiu oficialmente o Boogie Rock!

Em pouco tempo, o Foghat (foto) e o Canned Heat também entraram para o círculo de representantes deste sub-gênero, sendo o primeiro um verdadeiro exemplo da fusão de Hard Rock com Boogie Rock, o que resultou em uma sonoridade que se mantém rara no rock até os dias de hoje!

Os canadenses do Bachman-Turner Overdrive ficaram famosos pelo uso das influências de Boogie Rock em cima de uma sonoridade acessível e comercial, uma sacada que abriu um possível caminho para a evolução do estilo. Porém, no início dos anos 80, o som do Boogie Rock se perdeu em meio ao flerte cada vez maior das bandas com a New Wave, surgida no final dos anos 70. O maior exemplo desta perda de identidade está na mudança de sonoridade ao longo da discografia da J. Geils Band.

Os fãs de Boogie Rock ficaram "órfãos", e tiveram que se contentar com seus velhos discos, ou com as esporádicas faixas mais dançantes de bandas de Hard Rock e Southern Rock, como ZZ Top (foto) e Allman Brothers Band. Já as bandas realmente voltadas ao sub-gênero, estavam quase extintas...

Os veteranos do já citado Status Quo continuam lançando ótimos álbuns de Boogie Rock até hoje, mas, infelizmente, o estilo ainda se encontra em estado de hibernação, esperando por um novo "revival", que chegará apenas no instante em que os novos roqueiros aprenderem que a vida também pode ser uma festa, e que o rock de verdade foi feito pra agitar! Aguardemos...

[Álbum] Destructive Device (Mindflow)

2011-02-21T16:11:00.000-08:00

Destructive Device (Mindflow)

Por Fábio Cavalcanti

Começo esta resenha com uma pergunta: quem disse que não existe metal progressivo no Brasil? Como se não bastasse o fato de o Brasil não ser - e nem precisar ser - o país do rock, ainda temos que suportar as milhares de bandas da nossa terrinha que são adeptas da regra "menos é mais", o que resulta na total desvalorização daquele rock sofisticado que todos nós também amamos. Mas, graças aos céus, temos algumas bandas que seguem na contramão, sendo que uma delas é o Mindflow!

Optei por resenhar o álbum "Destructive Device" (2008), no qual a banda atinge uma sonoridade que une o progressivo ao acessível, de uma forma sublime! As "porradas" "Destructive Device" e "Lethal" abrem o trabalho, mostrando muito bem a essência geral do Mindflow, além de suas influências, que vão do Tool ao Dream Theater. A balada "Breakthrough" também surpreende, e poderia ter sido o maior sucesso do álbum, se tivesse sido divulgada como o principal single do mesmo.

Homogeneidade é a palavra da vez neste disco, mas podemos notar facilmente suas variações, seja no clima sombrio de "Fragile State Of Peace", na melancolia predominante de "Not Free Enough", ou no virtuosismo frenético de "Inevitable Nightfall" e "Said & Done". Já suas letras, possuem temáticas que variam entre o intimista e o paranóico, o que traz pontos extras a uma banda que, normalmente, prioriza o virtuosismo instrumental.

Quem prefere um climão ainda mais imprevisível, certamente vai se deliciar com "Under An Alias" e "Inapt World", faixas que alternam muito bem entre o leve e o pesado, e entre o lento e o agitado. E se você acha que isso é tudo, prepare-se para uma viagem ainda mais louca: "Shocking Deathbed Confession", que impressiona com seus 11 minutos de variações musicais bem sacadas e muita energia!

Como pontos fracos, cito as faixas "First Things First" e "The Screwdriver Effect", que preenchem 6 minutos do álbum com barulhos que remetem a um suposto filme de terror, o que apenas quebra o clima do trabalho. A nível de gosto mais pessoal, digo também que o acréscimo de solos de guitarra cairia muito bem na maioria das músicas...

Verdade seja dita: "Destructive Device" é um álbum que transita muito bem entre o metal alternativo e o progressivo, com uma sonoridade bastante moderna e uma produção refinada (inclusive no espetacular encarte do disco, que é um show à parte para quem ainda compra cds). Se o Mindflow fosse uma banda estadunidense, certamente estaria fazendo muito sucesso no momento. Claro que isso não nos impede de valorizar esta que é uma das revelações mais bacanas do rock nacional atual.

Nota: 9

Músicas:
1. Destructive Device
2. Lethal
3. Breakthrough
4. Under An Alias
5. Inevitable Nightfall
6. Said & Done
7. Fragile State Of Peace
8. Not Free Enough
9. Inapt World
10. First Things First
11. Shocking Deathbed Confession
12. The Screwdriver Effect

OBS.: Esta resenha foi solicitada através do envio de material original da banda em CD para o Rock em Análise. Se você também deseja ter uma resenha publicada neste espaço, mande um e-mail para fabiomca@yahoo.com.br solicitando informações sobre envio do seu material. Vale lembrar que a resenha poderá ser positiva ou negativa, como qualquer outra publicada aqui. Boa sorte!

Nem um pouco injustiçados

2011-02-17T15:58:00.000-08:00

Se você é um leitor assíduo de matérias sobre música em geral, creio que esteja cansado de ler resenhas e mais resenhas sobre álbuns supostamente "injustiçados". Como tais matérias costumam ser redigidas por fãs das bandas citadas, ou por pessoas que simplesmente se acostumaram com a "bomba", após várias audições, resolvi retomar a questão da qualidade (hum...) de algumas dessas "pérolas". Preparado? Vamos lá!

The X Factor (Iron Maiden)

O Iron Maiden possui pelo menos três álbuns de qualidade altamente questionável, mas o "The X Factor" certamente foi o ganhador das glórias em cima do seu suposto brilhantismo musical - talvez como uma forma de fazer alguma justiça à "fase Blaze". Faixas entediantes, passagens estranhas e clima pseudo-progressivo marcam este que é um dos piores álbuns da banda. Com o perdão do trocadilho, corra para as montanhas!

Eye II Eye (Scorpions)

O álbum mais "experimental" do Scorpions é um verdadeiro exemplo de indecisão musical, um trabalho que atira para os lados do hard rock, do pop, do alternativo, do rock industrial, e do soft rock meloso. E o pior: a banda erra feio em quase tudo! Aí está um exemplo de pseudo-liberdade artística que leva o grupo a um "lugar" onde os integrantes simplesmente se esquecem de como se faz boa música. Evite!

St. Anger (Metallica)

Ao escutar aquela "belíssima" produção de banda que parece ter gravado no interior de uma lata de lixo, podemos até pensar que tal inconveniente nos distrai da (suposta) qualidade das músicas em si. Porém, avaliando unicamente as músicas - e imaginando uma produção mais polida para as mesmas -, chegamos a apenas uma conclusão: "What a fuck?"

Rock In A Hard Place (Aerosmith)

O fato de o Aerosmith ainda estar em sua fase de hard rock direto e espontâneo, acaba tornando o álbum em questão levemente divertido. Porém, devido ao estado de degradação da banda - provocado pelo uso abusivo de drogas -, unido à falta dos guitarristas originais Joe Perry e Brad Withford, além da produção torta das músicas, temos como resultado um disco bem fraquinho... Desconsidere!

Helldorado (W.A.S.P.)

A obra do W.A.S.P. foi marcada por vários álbuns consistentes, com exceção deste "Helldorado". Em um momento no qual a banda se encontrava perdida no excesso de maturidade, e precisava retornar urgentemente à sua essência mais divertida, o resultado foi um álbum que exagerou na dose de "rock 'n' roll descompromissado", soando forçado, artificial, e muito repetitivo. Ignore!

Hot Space (Queen)

Na estréia de sua fase "pop", o Queen falha na tentativa de criar uma atmosfera "dançante", visto que o grupo nunca foi - e nem precisou ser - especialista em "grooves" e afins, embora tenha acertado em algumas faixas ao longo dessa fase mais comercial. Levando em conta a maior quantidade de erros no trabalho em questão, temos aqui o ponto mais baixo de uma discografia quase impecável. Esqueça!

Music from 'The Elder' (Kiss)

Em um momento de baixa, o Kiss resolveu abandonar sua sonoridade básica, e apostou em um álbum conceitual. O resultado poderia ser impressionante, porém... 'fail'! O álbum é chato, pouco inspirado, chato, arrastado, chato, brega e... chato! Ironicamente, até os álbuns mais "farofentos" do Kiss parecem verdadeiras obras de arte, se comparados ao "The Elder". Pule para o próximo...

Concluindo, os álbuns citados podem até trazer algumas músicas memoráveis, mas isso não muda o fato de serem bem fracos... Então, não se engane, se um álbum possui uma quantidade considerável de músicas ruins, e se você ainda o mantém entre os mais fracos (ou "menos bons", como muitos fãs desprovidos de senso crítico falam) da sua querida banda, uma coisa é certa: essa "obra prima" não é nem um pouco injustiçada, é ruim mesmo!

Rocktulando: Pós-Grunge

2011-02-04T09:14:00.000-08:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Pós-Grunge!

Se você faz parte do grupo de ouvintes que desconhecem rótulos mais específicos, o pós-grunge pode parecer bastante incomum - e até desnecessário em relação ao grunge, de certo modo. Mas, a verdade é que o estilo em questão se mantém como um dos mais marcantes daquilo que podemos chamar de "rock moderno", apesar dos seus mais de 10 anos de existência.

Surgido no final dos anos 90, e influenciado por grunge (óbvio!) e hard rock, e com pitadas de pop/rock, o pós-grunge trouxe uma sonoridade bastante palatável para as grandes massas, após o destaque crescente de bandas que, até então, podiam ser consideradas como exemplares do rock alternativo: Live, Dishwalla, Collective Soul e a exótica - e, ironicamente, bastante acústica - Days of the New (foto), bandas que se mantém entre as mais criativas do gênero até o presente dia.

A partir daí, infelizmente, o pós-grunge perdeu a capacidade de realmente evoluir, embora tenha rendido alguns frutos marcantes de "rock comercial de qualidade" nos últimos anos, como a irregular Third Eye Blind e a boa 3 Doors Down (foto), esta última ainda responsável por alguns dos hits mais grudentos do estilo.

Ao longo da fase mais popular do pós-grunge, as duas maiores referências para o estilo passaram a ser as famosíssimas Creed e Nickelback (foto), que ainda chamam mais atenção pelas suas baladas "pesadinhas" formulaicas do que pelos seus ótimos rocks. E dá-lhe cópias de qualidade altamente discutível: Hinder, Shinedown, Three Days Grace, Seether, etc...

A nível de curiosidade, vale citar ainda a forte influência do pós-grunge em alguns dos trabalhos mais recentes de bandas veteranas dos mais diversos gêneros, que vão do hard rock clássico até o já obsoleto 'nu metal'. Basta pesquisar, e escutar com muita atenção...

Sim, o pós-grunge se tornou um dos estilos mais formulaicos e pasteurizados da história do rock 'n' roll. Por outro lado, não podemos ignorar sua identidade musical forte e bem definida - algo reconhecível logo nos primeiros acordes e arranjos de suas músicas. Se o estilo será eternizado na história do rock, apenas o tempo dirá...

Quem sabe, faz... em estúdio!

2011-01-31T16:57:00.000-08:00

Quem nunca ouviu a famosa frase "Quem sabe, faz ao vivo"? Tudo bem, estamos falando de um tipo de indireta crítica que pode incentivar um artista a mostrar que sabe tocar de verdade, o que é louvável. Por outro lado, como podemos saber realmente se todos os artistas que conhecemos possuem tal... hum, poder? Pior: e os artistas que adoramos, mas descobrimos posteriormente que são "ruins de palco"?

Há quem goste de considerar os álbuns ao vivo de um artista como amostras fundamentais do seu talento em cima de um palco, mas não devemos esquecer que tais trabalhos também passam por todo um refinamento em estúdio, o que os coloca em um meio-termo entre "álbum de estúdio" e "coletânea de sucessos". E o que falar então de um 'bootleg', com a sua quase obrigatória qualidade lamentável de gravação? Quem leva esse tipo de "registro" a sério, certamente tem problemas mentais...

No fundo, todos nós sabemos que a obra prima de uma artista é o seu trabalho registrado em estúdio. Seus grandes singles são músicas gravadas em estúdio, e seus álbuns de estúdio trazem um verdadeiro reflexo criativo (ainda que falho, em alguns casos) dos momentos em que foram gravados.

Claro que, com o tempo - e após pesquisas mais detalhadas acerca da produção de um álbum de estúdio -, podemos descobrir verdadeiras falcatruas acerca de muitas gravações, como por exemplo: certos instrumentos gravados por músicos contratados, milhares de 'overdubs' para "montar" uma música de difícil execução, correções brutais em cima de uma voz falha e/ou desgastada, etc...

Mas, o que é uma banda - especialmente uma famosa - senão uma "empresa"? Os integrantes não são apenas os músicos, são os "administradores" de sua obra, o que os leva a tomar decisões como as citadas anteriormente, sempre que a situação pede. Como as dimensões de uma banda vão além daquelas pessoas que aparecem nas fotos de divulgação e listagens de integrantes, podemos avaliar álbuns super produzidos como sendo legítimas obras daqueles indivíduos.

Voltando à questão da pseudo importância de um show, não é apenas o álbum ao vivo retocado que pode passar uma imagem equivocada da banda. Em um concerto, também podemos fazer uma avaliação injusta em cima de uma noite que foi pouco inspirada para o grupo, assim como podemos culpar o grupo por aspectos técnicos que dizem respeito a um local ruim. Sem contar que podemos tecer elogios a uma banda que manda muito bem... nos 'playbacks'!

No final das contas, fica a pergunta: do que adianta tal super valorização de um show? Não é mais interessante nos concentrarmos naquilo que podemos avaliar de forma mais concreta? Além do mais, quem disse que um artista "ruim de palco" não pode fazer música boa? Pense nisso ao escutar o maravilhoso álbum de estúdio daquela banda que mal sabe o que fazer em cima de um palco...

[Vídeo] Get Your Buzz On (Chickenfoot)

2011-01-24T14:56:00.000-08:00

Get Your Buzz On (Chickenfoot)

Por Fábio Cavalcanti

Com apenas dois anos na estrada - e um ótimo álbum na praça -, o "supergrupo" de hard rock Chickenfoot lança "Get Your Buzz On", seu primeiro dvd. Tudo bem, você pode pensar que é puro oportunismo, visto que a banda possui apenas um punhado de canções em um disco, mas acredite, o quarteto faz valer cada minuto do show registrado em vídeo!

Em primeiro lugar, Sammy Hagar, Joe Satriani, Michael Anthony e Chad Smith mostram que funcionam em perfeita harmonia, em todos os sentidos imagináveis! Em segundo lugar, o grupo se mostra independente dos projetos paralelos dos músicos envolvidos, visto que a 'track list' do show traz quase todas as músicas do álbum "Chickenfoot" (2009), sem medo de desagradar aqueles que esperavam por um desfile de covers.

E por falar em covers, "Get Your Buzz On" traz apenas dois: "Bad Motor Scooter" (Montrose) e "My Generation" (The Who), músicas tocadas ao final do show, em um clima de "jams" descontraídas que apenas explicitam como o grupo valoriza muito mais as suas composições. Uma palavra para tal atitude: genial!

Agora, voltemos nossas atenções ao trabalho autoral do quarteto. Todas as faixas presentes no 'set list' funcionam muito bem ao vivo, e a banda consegue transmitir um legítimo prazer ao executá-las - com muita competência, diga-se de passagem. Apesar das desnecessárias extensões de "barulheira" ao final das músicas, o Chickenfoot mostra que sabe como empolgar o público com o seu material.

Pontos altos: a pesada "Avenida Revolution", a longa - e quase hipnótica - "Down The Drain", e o inesperado blues rock "Bitten By The Wolf" (lançada originalmente como faixa bônus da edição japonesa do álbum de estréia). E se o single "Oh Yeah" não empolgou tanto no álbum, aqui ele traz seu poder de fogo, como uma faixa feita pra ser tocada ao vivo, em um clima de total interação entre banda e público.

Destaco ainda os "extras" do dvd. Se, na maioria dos casos, o material extra não passa de "enchimento de linguiça", aqui a história é diferente: o documentário registrado em vídeo é pura comédia, e consegue ser tão divertido quanto o show em si!

Por fim, não fique surpreso se perceber que os vários sorrisos estampados no rosto dos integrantes são acompanhados pelo seu próprio sorriso de satisfação. Por 90 minutos de um espetáculo de rock 'n' roll, também somos parte dessa grande família feliz!

Uma pequena amostra:

Nota: 9

Faixas:
1. Avenida Revolution
2. Sexy Little Thing
3. Soap On A Rope
4. My Kinda Girl
5. Down The Drain
6. Bitten By The Wolf
7. Oh Yeah
8. Learnin' To Fall
9. Get It Up
10. Turnin' Left
11. Future Is The Past
12. Bad Motor Scooter
13. My Generation

Extras: Documentário, Galeria de fotos.

Dr. Rock explica: Você é o que escuta?

2011-01-18T17:50:00.000-08:00

Rocktulando: Power Pop

2011-01-11T14:07:00.000-08:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Power Pop!

Onde está o "rock" nesse tal "power pop"? Tudo bem que o rótulo em questão não traz o nome do nosso querido estilo estampado, mas acredite, este é um som muito mais puxado para o rock 'n' roll do que para o pop propriamente dito. Ao contrário do Pop/Rock, o Power Pop é calcado no uso dos instrumentos básicos do rock, o que resulta em algo que pode ser energético e acessível ao mesmo tempo.

Os primeiros álbuns dos Beatles e Kinks abriram o caminho para que os seminais Badfinger e Big Star (foto) desenvolvessem o Power Pop em definitivo, ainda entre o final dos anos 60 e início dos anos 70. E, ao contrário do que você pode estar imaginando, o Power Pop atingiu um bom nível de variação musical, seja nas viagens psicodélicas de Todd Rundgren, ou no som quase brega do The Raspberries.

O Cheap Trick (foto) ficou famoso por fundir hard rock e punk rock ao seu Power Pop, o que resultou em um dos sons mais autênticos de todo o rock! Já o pouco conhecido Nick Lowe captou toda a essência do "rock para pubs e afins", o que resultou em um som bastante simpático, variado, e igualmente representativo para o estilo.

Nos anos 90, quando o Power Pop parecia defasado, o grupo The La's (foto) lançou um único - e ótimo - álbum, o qual pavimentou o caminho para a fusão definitiva entre o Power Pop e o ainda embrionário Indie Rock, o que resultou em uma sonoridade "fofinha" que influenciou muitas bandas novas nos anos seguintes... e continua influenciando...

E, por falar em Indie Rock, vale destacar o Weezer e o Teenage Fanclub como duas das bandas mais conhecidas por manter a essência do Power Pop viva até hoje, ainda que o rótulo em si tenha sido diluído entre outros subgêneros do rock, algo que se tornou necessário para que o mesmo conseguisse sobreviver ao longo dos anos.

Logo, não importa se o Power Pop de uma banda mais é puxado para o Pop/Rock, Indie Rock ou Rock Alternativo em geral, pois a verdade é que o estilo continua firme e forte, mostrando que não perdeu o seu poder, e provando que o rock pode ser mais melódico e "adocicado", sem perder a sua energia inicial. Sim, isso também é rock 'n' roll!

Especial: Senhor Sucesso

2011-01-04T16:53:00.000-08:00

Citando a bem sacada música "Senhor Sucesso" (Velhas Virgens), creio que fica bem claro qual é o tema abordado aqui: o tão almejado sucesso comercial no mundo do rock. Afinal, uma banda que deseja fazer muito sucesso ao longo de sua carreira, está certa ou errada? Isso é o que veremos...

Uma das coisas mais engraçadas do universo rock é aquela idéia de que o 'mainstream' é malvado, e que o sucesso é um empecilho para o desenvolvimento artístico de uma banda - especialmente se a banda em questão for uma das favoritas do ouvinte que defende tal pensamento. O que os pobres roqueiros ingênuos não sabem - ou ignoram - é o fato do rock sempre ter sido um estilo essencialmente vendido.

"Vendido? Meu querido estilo cheio de atitude?", você pergunta. Eu explico, tomando como base a própria criação do gênero, nos anos 50. Desde as músicas escritas por compositores externos, passando pelo investimento pesado em covers das mesmas canções que já haviam invadido as paradas de sucesso, culminando no uso de 'hits' em filmes e afins, tínhamos todo um sistema que entregava aquela deliciosa "música controversa", sem esquecer que tudo era um grande negócio.

Entre o final dos anos 60 e início dos anos 70, após o sucesso atingido pelos álbuns mais revolucionários dos Beatles, a moda passou a ser a inovação musical. As mutações elevaram o rock a um status cult, mas seus objetivos comerciais não foram deixados de lado por um segundo sequer, visto que o público se encontrava ávido por mudanças. Sim, revolução musical também vende, e muito! E dá-lhe "obras de arte" que também encheram muitos cofrinhos por aí, de ícones como Jimi Hendrix, The Doors, Led Zeppelin, etc...

A essa altura do campeonato, você já pode deduzir que ninguém seria louco de investir em qualquer banda de rock, se a mesma não trouxesse um bom retorno financeiro. E, se estamos falando de um dos estilos que trazem maior quantidade de bandas - boas e ruins - ao redor do mundo, além de uma longevidade que raramente trouxe períodos de "seca comercial" (ao contrário do que já aconteceu a estilos como jazz e blues), fica tudo ainda mais claro: rock rende muita grana!

Experimente acompanhar as paradas de novos álbuns de sucesso na Billboard, e verá que pelo menos três exemplares de rock podem ser encontrados no "Top 10", em qualquer semana! Experimente ler sobre tensões existentes entre integrantes de bandas, e verá que, em muitos casos, tudo começa com o medo de uma possível frustração comercial no futuro. Afinal, qual artista não quer atingir um grande público com a sua... arte?

Sim, o suposto "rock de verdade" é uma ilusão, mas isso não o impede de ser o estilo mais interessante e eclético do mundo da música. A verdade é que gostamos de ser enganados pelo tal "rock arte", afinal, um dos baratos do estilo é justamente a sua ideologia, aquilo que é transmitido de forma convincente, como uma boa atuação em um filme ou peça de teatro.

Podemos até fingir que o AC/DC e o Motörhead realmente gostam de tocar o mesmo estilo de sempre por pura atitude e fidelidade ao rock, enquanto os fãs continuam comprando os lançamentos dos seus queridos ídolos, sabendo muito bem o que encontrarão naquela nova "bolacha". Afinal, se alguns artistas adotam uma fórmula de sucesso para as grandes massas, outros mantêm a fórmula de sucesso para a sua grande - e bem consolidada - legião de fãs. Caminhos diferentes para o mesmo objetivo!

Por fim, deixo aqui uma recomendação: tenha muito cuidado ao buscar argumentos para criticar estilos essencialmente "pop". Tudo bem que estes gêneros podem ser ainda mais vendidos, mas nosso querido rock 'n' roll realmente não fica muito atrás... Independente dos objetivos ($) do artista, a boa música continuará viva e forte!

TOP 2010

2010-12-29T18:39:00.000-08:00

Bem-vindo(a) à edição 2010 da grande "festa" do Rock em Análise! Exageros à parte, esta é simplesmente a minha "listinha" dos melhores álbuns e músicas do ano, além do tradicional prêmio dos piores...

Não farei tanta cerimônia de introdução como nas outras "edições", mas os tradicionais comentários sobre cada álbum falarão por si. Então, vamos lá!

Top 10 - Álbuns:

1. Stone Temple Pilots (Stone Temple Pilots)
Comentário: A tão aguardada volta do Stone Temple Pilots impressionou os fãs, além de trazer este que pode ser considerado um dos melhores - senão o melhor - trabalho do grupo! Muito bem definido e coeso, através de um rock 'n' roll "retrô" bastante gostoso de escutar, "Stone Temple Pilots" é uma das obras primas da banda!

2. Sea of Cowards (The Dead Weather)
Comentário: O grupo de "garage rock" liderado pelo gênio Jack White, lançou um álbum bastante promissor em 2009. Apenas um ano depois, o grupo retorna com um trabalho que mostra um som bem mais seguro, corajoso, direto, cru e espontâneo. A magia do rock se fez presente durante o processo, e o resultado beirou a perfeição!

3. All Night Long (Buckcherry)
Comentário: Com poucas mudanças em sua sonoridade, é incrível como o Buckcherry realmente não precisa ousar demais, visto que a banda continua afiadíssima e arrepiante, como se fosse formada por integrantes eternamente jovens, e com muita lenha pra queimar. Isso é rock 'n' roll!

4. The Suburbs (Arcade Fire)
Comentário: O Arcade Fire se consagrou no grande universo "indie rock" com a sonoridade peculiar dos seus primeiros álbuns, mas foi com "The Suburbs" que o grupo encontrou o seu som ideal. E que venham mais trabalhos nessa linha!

5. Scream (Ozzy Osbourne)
Comentário: O nosso querido velhinho Ozzy Osbourne ainda não está gagá! Acreditem, "Scream" mostra um artista que não se contenta com pouco, e que tenta se manter como um dos maiores nomes do heavy metal.

6. Below The Belt (Danko Jones)
Comentário: Após uma investida falha em um som mais comercial, o Danko Jones retorna àquele som nervoso que todos nós amamos. O resultado é um álbum inspiradíssimo e tão bom quanto os primeiros...

7. Ironwood (Hogjaw)
Comentário: Em seu segundo álbum, o Hogjaw mostra que não é uma daquelas bandas que se contenta em fazer sempre o mesmo som, mas também mostra que sabe utilizar muito bem as mudanças de sonoridade, sem perder um pingo da sua adorável essência "southern rock". Confiram sem medo!

8. Thank You Mr Churchill (Peter Frampton)
Comentário: Peter Frampton está de volta ao bom rock! Calma, este ainda é um trabalho maduro, moderado, e um tanto ousado, mas sejamos sinceros: as boas e velhas guitarras e a atitude rocker do Sr. Frampton estavam mesmo fazendo falta...

9. Order of the Black (Black Label Society)
Comentário: Outro gênio da atualidade, Zakk Wylde mostra em seu novo trabalho que consegue tirar excelentes musicas da cachola, ainda que hoje tente cantar mais ao estilo do seu velho mentor Ozzy Osbourne...

10. Aqua (Angra)
Comentário: Esqueça o velho papo de que power metal "é tudo a mesma coisa", e prepare-se para escutar mais um ótimo álbum de uma banda que ainda deveria ser levada a sério pela maioria dos metaleiros ao redor do Brasil. Preste atenção nas sutilezas de "Aqua", e curta a viagem...

Top 10 - Músicas:

1. It's a Party (Buckcherry)
2. I Wanna Break Up With You (Danko Jones)
3. The Great Divide (Black Country Communion)
4. Between the Lines (Stone Temple Pilots)
5. Die By The Drop (The Dead Weather)
6. Shake Your Money Maker (Foghat)
7. Let Me Hear You Scream (Ozzy Osbourne)
8. The Catalyst (Linkin Park)
9. Awake From Darkness (Angra)
10. Solution (Peter Frampton)

Prêmios Framboesa (piores do ano):
Pior álbum: Covered in Guns (L.A. Guns)
Pior música: Melhor (Capital Inicial)

Álbuns escutados:

Mechanize (Fear Factory)
Of the Blue Colour of the Sky (OK Go)
Contra (Vampire Weekend)
Hoodoo (Krokus)
Sting in the Tail (Scorpions)
No Guts. No Glory. (Airbourne)
Slash (Slash)
Thank You Mr. Churchill (Peter Frampton)
Infestation (Ratt)
Trans-Continental Hustle (Gogol Bordello)
When Moonshine and Dynamite Collide (Jackyl)
Below The Belt (Danko Jones)
Stone Temple Pilots (Stone Temple Pilots)
Sea of Cowards (The Dead Weather)
Scream (Ozzy Osbourne)
Last Train Home (Foghat)
100 Miles from Memphis (Sheryl Crow)
Música de Brinquedo (Pato Fu)
All Night Long (Buckcherry)
Order of the Black (Black Label Society)
Ironwood (Hogjaw)
Aqua (Angra)
The Final Frontier (Iron Maiden)
Das Kapital (Capital Inicial)
Generation Wild (Crashdiet)
Blood of the Nations (Accept)
Brothers (The Black Keys)
Hurley (Weezer)
Nightmare (Avenged Sevenfold)
Congratulations (MGMT)
The Suburbs (Arcade Fire)
Interpol (Interpol)
O Céu É o Hell (Baranga)
Postcards from a Young Man (Manic Street Preachers)
Bachman & Turner (Bachman & Turner)
Black Country (Black Country Communion)
Who We Touch (The Charlatans)
Covered in Guns (L.A. Guns)
A Thousand Suns (Linkin Park)
Come Around Sundown (Kings of Leon)
Rock Dust Light Star (Jamiroquai)
Soulsville (Huey Lewis & The News)
The World is Yours (Motörhead)
The Words You Don't Swallow (Anarbor)
Freedom Rock (H.E.A.T.)
Volume Two (She & Him)
Eu Humano (O Círculo)
Discipline Of Hate (Korzus)
Superguidis (Superguidis)
Innerspeaker (Tame Impala)
AB III (Alter Bridge)

Rock Christmas

2010-12-21T17:15:00.000-08:00

Período de Natal, o bom e velho clima de festa e alegria - legítima ou não - está no ar... E apesar de quase todo mundo conhecer aquelas velhas canções tradicionais natalinas, creio que os mais leigos no grande universo do rock não descobriram algumas pérolas natalinas lançadas por artistas diversos de rock. De álbuns a músicas isoladas, os roqueiros mostram que também sabem curtir o Natal!

Começo citando uma divertida e pequena obra prima: "A Twisted Christmas", da banda de hard 'farofa' Twisted Sister. Sim, meus caros, chamo de "obra prima", pois o álbum é realmente excelente! Impossível não se divertir com a versão da banda para "Deck The Halls", e com a inspiradíssima letra de "Heavy Metal Christmas". Se você não curte hard rock... bem, confira de qualquer forma!

Para quem não resiste a algo mais dançante e retrô, recomendo "We Three Kings", da banda de psychobilly Reverend Horton Heat, assim como "Christmas Comes Alive!", da Brian Setzer Orchestra. Vista sua roupa de Papai Noel, e comece a dançar...

Aprecia um bom 'southern rock'? Ouça sem medo o alto astral e subestimado "Christmas Time Again", do Lynyrd Skynyrd. Aí está uma pequena pérola que te fará estampar um sorriso no rosto, ao mesmo tempo em que te levará a uma inevitável pergunta: onde foi parar o velho rock 'n' roll agitado do Skynyrd nos últimos 15 anos?

No lado mais alternativo do rock, a banda indie Weezer lançou um curioso EP intitulado "Christmas with Weezer". Ao longo daqueles 13 minutos de "rock fofinho", garanto que, pelo menos a comovente versão para "O Holy Night" conseguirá arrancar algumas lágrimas dos seus olhos.

No pop/rock temos inúmeros exemplos, mas fico com o peculiar álbum "Home for Christmas", de Sheryl Crow. Um pouco mais 'soul' e menos 'rocker' do que alguns dos seus primeiros trabalhos, mas ainda assim bastante competente!

Por fim, mas não menos importante, vale dar uma conferida na investida natalina do mestre do folk rock Bob Dylan, intitulada "Christmas in the Heart".

Quanto a músicas "soltas", aqui vão algumas recomendações:

Run Rudolph Run (Chuck Berry)
Merry Xmas Everybody (Slade)
Mistress for Christmas (AC/DC)
Little Drummer Boy (Joan Jett & the Blackhearts)
Peace On Earth (David Bowie, participação de Bing Crosby)
It's Christmas Time (Status Quo)
Christmas Time, Don't Let The Bells End (The Darkness)
Christmas Is Here (Buckcherry)
Back Door Santa (The Black Crowes)
Merry Christmas, I Don't Want to Fight Tonight (Ramones)
Don't Believe in Christmas (The Sonics)

Faixa bônus: "Papai Noel Filho da Puta" (Garotos Podres)

Então, caros visitantes, aí estão algumas dicas. Entrem no clima do Natal, e apreciem este agradável momento ao som do bom e velho rock 'n' roll! Se lembrarem de algo interessante que não foi citado na matéria, podem acrescentar na parte de comentários. Feliz Natal!

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Nota extra: a pedido dos colegas do site Galeria Musical, recomendo aqui a coletânea Galeria Independente 2010. Trata-se dos 12 melhores trabalhos recebidos pelo site em 2010. O cd pode ser baixado ou escutado online, através do link:

http://www.galeriamusical.com.br/detalhes_r.php?cod_album=390

Dr. Rock explica: Arrepiômetro

2010-12-14T14:40:00.000-08:00

Bem-vindo(a) ao consultório do Dr. Rock. Conheça mais sobre a psicologia (ou algo próximo) aplicada no mundo do rock 'n' roll, através de uma análise descontraída e regada aos melhores - ou piores, dependendo do caso - exemplos musicais do gênero. Diploma? Quem precisa disso no mundo do rock? Dito isso, vamos lá!

Se existisse um dispositivo que pudesse "medir" o quanto você aprecia uma música, com base nos arrepios que você sente ao escutá-la, qual seria o melhor nome para o mesmo? Acho que "Arrepiômetro" soaria muito bem... Apenas imagine a existência da peça, com um suposto marcador atingindo altos índices, sempre que você se empolga com aquelas músicas recheadas de belos detalhes sutis, os quais costumam passam despercebidos por grande parte do público. Fascinante, não?

Analisando o Paciente 'X', por exemplo, percebo um gosto musical muito peculiar: grande apreciador de contrastes, o ouvinte em questão consegue curtir faixas distintas como "I Wanna Rock" (Twisted Sister) e "Lover, You Should've Come Over" (Jeff Buckley) em uma mesma sequência, cantando - e berrando - como se fosse o rei do mundo durante a primeira música, e observando seu mundo cair ao longo da melancolia da segunda... E o 'Arrepiômetro' atinge o nível máximo!

Ilustrando melhor, preste atenção na guitarrinha anestesiante de um belo indie rock, ou no baixo incontrolável de um funk rock dançante, ou no vocal carregado de sentimento em um folk rock de raíz, e prepare-se para sentir os arrepios... E se nenhum desses exemplos te levou a um estado de prazer quase indescritível em palavras, significa que você está ouvindo uma música que não lhe convém, por mais que você finja apreciá-la, como os milhares de pseudo-ecléticos que temos por aí... Mas, deixemos o papo de "verdadeiro ecletismo" para outra consulta...

Citando outro exemplo interessante, a Paciente 'G' declarou ter sentido um orgasmo ao escutar... "Kashmir" do Led Zeppelin! Espera um pouco, o que essa música soturna traz de tão "sexy"? Não faço a mínima idéia, e nem preciso perder tempo estudando a forma como certas músicas mexem com uma pessoa de uma forma absurdamente sem lógica... O fato é que a moça associou a música supracitada a sexo, e temos que respeitar - e apreciar, com muito prazer - tal fato.

Não fique chocado se também encontrar um indivíduo que fique introspectivo ao escutar Rammstein, que se imagine dançando em uma rave ao som do Tangerine Dream, que aprecie um bom momento romântico a dois ao som dos Misfits, ou que tenha vontade de encontrar Satã após escutar algo da banda cristã Third Day. O 'Arrepiômetro' não tem limites! Mas, em casos desse tipo, uma visita a um psiquiatra também é altamente recomendável...

Então, enquanto não surge um "Arrepiômetro" de verdade, basta seguir essas simples instruções: desperte seus instintos, deixe a música te guiar, e preste atenção nas suas reações a cada tipo de som, tomando como base o simples ato de conferir o quanto se arrepia ao escutar determinadas músicas. Garanto que a viagem será incrível!

Uma dose de rock 'n' roll em excesso pra você, e até a próxima!

Rocktulando: Neo Progressivo

2010-12-07T09:10:00.000-08:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Neo Progressivo!

A essência do rock progressivo sempre foi a ousadia e a transgressão musical. Logo, não deixa de ser estranho ver tantos fãs do estilo desprezando as novas bandas, especialmente pelo fato dos músicos atuais não terem aquele apreço técnico típico dos anos 70 (para quem não sabe, a época de ouro do rock progressivo). Mas, quem disse que o todo o gênero em questão morreu? Muito pelo contrário: a coragem dos novos músicos trouxe o progressivo para os dias atuais!

As influências do Neo Progressivo se encontram no rock alternativo e no indie rock, além de trazer toques inusitados de trip hop, música eletrônica e música ambiente - sendo estes três últimos os principais responsáveis por todo o ar "modernoso" do gênero. Curiosamente, ainda há uma constante discussão acerca das (supostas) diferenças entre os termos Neo Progressivo e "new prog", o que é irrelevante para quem não é fã e/ou estudioso do estilo.

Entre os destaques, podemos citar o The Mars Volta (foto), banda que vêm atingindo um status cult que colocará o grupo entre os gigantes do estilo. Suas influências vão do free jazz à música latina, o que torna seu som realmente original e único. Puxando uma vertente um pouco mais acessível (só um pouco, ok?), temos os britânicos do Muse, responsáveis por levar o Neo Progressivo a um inesperado sucesso comercial, graças ao fenomenal álbum "Black Holes and Revelations" (2006).

Até os fãs de rock industrial e metal alternativo podem se identificar com o gênero, ao escutarem bandas bastante modernas como Tool (que também representa o já conhecido Metal Progressivo), Porcupine Tree (foto) e Oceansize. Tais bandas utilizam uma produção refinada, além de longas viagens sonoras regadas a efeitos típicos de música eletrônica. Quer um exemplo? Escute o álbum "Kick Up the Fire, and Let the Flames Break Loose" (2003) do The Cooper Temple Clause, e se deixe levar...

Você pode estar estranhando toda essa "salada musical", mas se já escutou um dos quatro últimos álbuns do Radiohead (foto), posso dizer que você já adquiriu uma idéia básica das características do Neo Progressivo. De fato, o quinteto britânico em questão foi um verdadeiro catalisador no movimento, e deve ser lembrado pelo seu feito.

Dito tudo isso, ignore aqueles velhos caretas - e carecas - que insistem em dizer que o melhor do rock progressivo foi feito apenas nos anos 60 e 70. Abra a mente para os brilhantes novos músicos do grande universo do rock progressivo, e prepare-se para uma viagem musical como você nunca ouviu antes...

Especial: O integrante esquecido

2010-11-30T09:00:00.000-08:00

Ao ler o título "O integrante esquecido", você pensa em qual membro de uma banda? Baterista? Baixista? Tecladista? Bem, tais integrantes podem até possuir um menor destaque - se comparados com os vocalistas e guitarristas -, mas estou falando aqui daquele integrante realmente menosprezado: o produtor!

"Espera um pouco, onde está o nome desse cara entre os músicos da banda?", você pergunta. Claro que o produtor não é um músico efetivo do grupo - além de ser um verdadeiro "nômade", que costuma trabalhar com estilos musicais diversos -, mas esse é um profissional que realmente deixa a sua marca em um álbum! Falo do ato de "puxar as cordinhas" dos integrantes, seja através de incentivos ou cobranças, sempre em busca de um resultado que una sinceridade, honestidade e qualidade.

E falando em "deixar a marca", arrisco dizer que, na maioria dos casos, o produtor é tão influente quanto o próprio líder de uma banda, senão mais... Ou você acha que o grande George Martin (foto) não foi um dos responsáveis por toda a revolução musical iniciada pelos Beatles em seus álbuns mais marcantes? E o que falar sobre as técnicas do influente Phil Spector? Sem contar Martin Birch, o "sexto membro" do Iron Maiden em seus álbuns mais clássicos. E isso é apenas o começo...

Avançando um pouco mais, destaco o mago Rick Rubin (foto), que ainda "pincela" obras primas! Entre seus destaques, cito o brutal "Reign in Blood" (Slayer), a ousada viagem funk rock de "Blood Sugar Sex Magik" (Red Hot Chili Peppers), e o já inigualável "novo metal" de "Toxicity" (System of a Down). E quanto aos seus novos trabalhos? Apenas escute o "Death Magnetic" do Metallica, e veja como um produtor pode realmente trazer uma banda de volta para o alto escalão do Heavy Metal.

Outro nome bem interessante é Brendan O'Brien, responsável pela bela sonoridade dos álbuns de dois ícones do grunge: Pearl Jam e Stone Temple Pilots. Mostrando que também sabe utilizar muito bem a "aspereza" de um bom rock "pesado", O'Brien transformou as gravações do Rage Against The Machine em obras que agradam até mesmo aqueles que não suportam o vocal berrado de Zack de la Rocha. Hoje, digo apenas que O'Brien é um dos nomes mais requisitados no mundo do rock, simples assim!

Entre os produtores mais curiosos do rock, podemos citar duas 'figuras': Bob Ezrin e Brian Eno (foto). O primeiro preza por produções limpas, perfeccionistas, e cheias de pompa (o que, sinceramente, não é do agrado deste que vos escreve). O segundo é responsável pelo "A" maiúsculo do Rock Alternativo, um cara que vêm conseguindo encorajar bandas como U2 e Coldplay a retomarem seus instintos de ousadia musical.

Cito ainda os casos em que a própria banda resolve produzir seu álbum. Ironicamente, a maioria destes álbuns não traz o brilho, o "timing" e a lucidez que apenas um produtor "de fora" pode imprimir em um disco. Percebe agora a importância desta figura no portifólio de um artista? Não é a toa que muitos músicos lançam vários álbuns com o mesmo homem "por trás" (com o perdão do trocadilho) de suas obras. Outros fazem o contrário, em busca de "novos sabores musicais"...

E pra não esquecer da boa música brasileira, destaco nomes marcantes do rock tupiniquim, como: Ezequiel Neves (Barão Vermelho, Cazuza), Liminha (Titãs, Paralamas do Sucesso, Ultraje a Rigor, Chico Science & Nação Zumbi), Tom Capone (Raimundos, Skank, O Rappa) e o ainda aspirante Alexandre Kassin (Los Hermanos).

Caso eu tenha esquecido algum nome importante aqui - e eu sei que existem vários -, peço desculpas! E se você nunca ouviu falar em boa parte dos nomes citados, está na hora de aprender a escutar música com ouvidos mais atentos àquilo que é concebido pelo tal "integrante esquecido".

"Bom era quando..."

2010-11-25T16:02:00.000-08:00

Citando a nostálgica comunidade de Orkut "Bom era quando...", começo a atual matéria deixando bem claro que esta não se trata da milésima homenagem ao bom e velho rock 'n' roll. Quanto a "bom" e "rock 'n' roll", você pode ter certeza de que os encontrará aqui, afinal, tempo bom era... ou melhor, tempo bom é agora!

Não serei hipócrita ao ponto de dizer que o novo rock supera o "classic rock", muito menos que deixarei de escutar aqueles álbuns incríveis que praticamente expelem cheiro de naftalina das caixas de som. Mas, por que os ouvintes insistem em uma pseudo-exigência que os leva ao ato de descarte automático de qualquer coisa que pareça levemente inferior àquilo que foi pioneiro e "top de linha" da música?

Agora, vamos ver se entendi: se algo é "apenas" ótimo - não excelente -, deve ser logo tachado de descartável, ou mesmo de "sinal de decadência"? Se isso não é de uma extrema estupidez, eu não sei o que é...

Se você curte hard rock, por exemplo, o que há de realmente útil em perder tempo procurando obscuridades dos anos 70 ou 80? Enquanto muita gente endeusa - de forma quase categórica, diga-se de passagem - tais raridades, os próprios integrantes das bandas não se lembram das suas próprias gravações! Enquanto isso, bandas novas como Hogjaw e Radio Moscow captam o melhor da vertente clássica do estilo, com bastante qualidade, alma e comprometimento.

Hogjaw:

Com o advento da internet, temos à nossa disposição uma vasta gama de subgêneros, e bandas novas representando cada um deles. Temos bandas "modernosas", mas também temos bandas com uma sonoridade e produção mais "vintage". Basta que o ouvinte deixe de preguiça, e procure conhecer os novos representantes do seu estilo favorito.

Rory Gallagher morreu, mas Joe Bonamassa está vivo e forte! E por que deveríamos perder tempo esperando a volta do Led Zeppelin, enquanto o The Answer vêm lançando álbuns bem interessantes? O Joy Division pode ter feito algo "único" com seus dois álbuns, mas o Interpol deu continuidade à sua missão, com sucesso! O Pantera se foi, mas ainda temos o Lamb of God! E se o The Jesus and Mary Chain foi um dos pioneiros do Noise Rock, o Black Rebel Motorcycle Club é tão "cool" quanto...

The Answer:

Eu poderia passar horas citando exemplos de novos artistas que fazem um som incrível, ainda que as coisas sejam muito difíceis - pra não dizer, impossíveis - para quem deseja revolucionar a música, visto que já foi criado quase tudo que tinha pra ser criado, em qualquer estilo.

Por fim, se virou regra o ato de reverenciarmos na atualidade qualquer artista que foi duramente criticado no passado, por que não começar a corrigir isso, reverenciando os artistas de hoje? Ou alguém ainda duvida que, até mesmo o odiado 'emo' fará parte do chamado "rock clássico" um dia? Então, vamos fazer a diferença, agora!

De bônus, fiquem com um bom representante do novo rock nacional:

Rock Rocket:

Rocktulando: Riot Grrrl

2010-11-20T07:33:00.000-08:00

Todo mundo adora odiar rótulos. Milhares de pessoas bradam aos quatro ventos que rótulos servem apenas para limitar a arte, mas ao mesmo tempo, dizem com orgulho que amam rótulos como rock e/ou metal. Partindo da premissa de que rótulos são importantes para a subdivisão deste estilo variado e fascinante que é o rock 'n' roll, abordarei aqui alguns subgêneros ou movimentos musicais que, bem sucedidos ou não, conseguiram deixar sua marca no estilo. E o rótulo do dia é: Riot Grrrl!

Não é de hoje que as mulheres conseguiram seu espaço no rock. Ainda nos anos 70, artistas como Suzi Quatro e Runaways chocaram o mundo ao mostrar que garotas podem fazer um rock de qualidade. Com o advento do grunge, no início dos anos 90, as garotas também conseguiram o seu "pedaço da torta", realizando uma mistura que incluía o já citado grunge, o punk rock, e algo de rock alternativo. Nasceu assim o movimento Riot Grrrl, calcado em letras com atitude e uma boa dose de feminismo.

Se você pedir sugestões para qualquer garota especializada no assunto, é bem provável que a primeira recomendação seja o Bikini Kill (foto), a banda mais associada ao rótulo em questão. Quarteto norte-americano formado por garotas punk rockers bem "nervosas", o Bikini Kill não durou muito, mas deixou a sua marca (de dente, inclusive) com o álbum "Pussy Whipped" (1994), que é constituído por 12 faixas, em apenas 25 minutos de punk realmente sujo - pra não dizer "imundo".

Ainda falando em punk rock, vale citar a pouco conhecida Lunachicks, talvez a banda mais divertida do gênero. A produção dos seus álbuns pode ser bastante primária, mas o som é realmente contagiante. Seu ponto alto foi justamente o seu último trabalho: o inspiradíssimo "Luxury Problem", de 1999.

Puxando mais para o grunge, destaque para o som áspero das Babes in Toyland, e a levada quase hipnótica - mas quase sempre pesada - do L7 (foto). É uma pena que o grunge tenha "morrido" pouco tempo depois, privando os fãs de mais bandas puxadas para tal vertente. Por sinal, até a banda Hole (conhecida por ser liderada pela sempre polêmica Courtney Love) se afastou da sonoridade Riot Grrrl após a "morte" do grunge.

Entrando nos anos 2000, tínhamos ainda duas boas representantes daquilo que restou do movimento: The Distillers e Betty Blowtorch (foto). Bastante fiéis à essência do gênero, com vocais rasgados - e algumas vezes, até desafinados - e produção crua, os grupos lembravam o ouvinte de que o Riot Grrrl continuava vivo e forte! Porém, este foi o último suspiro do gênero, visto que as duas bandas encerraram as suas atividades após os seus melhores trabalhos.

Atualmente, ainda temos as conhecidas californianas do The Donnas, com a sua sonoridade mais limpa e polida, mas com a atitude punk do bom e velho Riot Grrrl ainda intacta. Mas, como o estilo se encontra em baixa no momento, está na hora da nova geração do rock feminino trazer em definitivo a essência do Riot Grrrl para os dias atuais, não acham? Ainda mais nesses tempos de "machos coloridos"...

Garbage (Garbage)

2010-11-05T17:33:00.000-07:00

Garbage (Garbage)

Por Fábio Cavalcanti

Com apenas quatro álbuns na bagagem, a banda noventista Garbage parecia estar prestes a ser jogada no lixo (com o perdão do trocadilho), quando a adorável vocalista Shirley Manson anunciou os trabalhos do grupo em um novo registro. Enquanto aguardamos a nova "bolacha", comento aqui sobre seu trabalho mais marcante: o 'debut' "Garbage", lançado em 1995.

Em meio a um cenário que destacava bandas de grunge e rock alternativo, além dos precursores do recém-nascido rock industrial, eis que o quarteto em questão conseguiu "inovar" com uma mistura de tais estilos, investindo pesado no uso de uma produção bastante voltada à música eletrônica, mas sem perder a essência roqueira.

O álbum começa com a divertida "Supervixen", uma ode ao poder feminino. Na arrastada "Queer", notamos o lado mais mórbido do grupo, guiado pela voz soturna de Shirley Manson e pelas elegantes guitarras de Steve Marker e Duke Erikson, que trazem belos efeitos até nos seus momentos mais "sujos". A maravilhosa "Only Happy When It Rains" volta a investir em uma batida pulsante, mas mantém o honestíssimo clima "deprê" da banda, especialmente em sua letra.

Falando em faixas mais dançantes, destaque para as quase pops "Vow" e "Fix Me Now", além da frenética e estranha - no bom sentido - "As Heaven Is Wide". "Not My Idea" não chama tanta atenção pela letra, mas prende a atenção pelo seu brilhante amálgama de rock industrial. "Dog New Tricks" é mais direta e possui uma temática bem interessante. Por outro lado, a ácida "Stupid Girl" pode gerar certo tédio após a primeira audição.

Entre as faixas mais lentas, "A Stroke of Luck" e "Milk" atingem um nível quase anestésico, graças a um estilo sorumbático e viajante, levemente puxado para o 'trip hop'. Já "My Lover's Box" não possui arranjos e melodias atraentes, mas exemplifica a forma peculiar de o grupo abordar um tema mais romântico.

Infelizmente, o Garbage não conseguiu manter o sucesso comercial que merecia, mas é inegável o talento do grupo para fazer um rock que consegue ser modernoso e autêntico ao mesmo tempo. Se, no que diz respeito a uma música mais produzida e eletrônica, você prefere algo mais alegre e alienante, sugiro que passe longe da banda em questão...

Nota: 8

Músicas:
1. Supervixen
2. Queer
3. Only Happy When It Rains
4. As Heaven Is Wide
5. Not My Idea
6. A Stroke of Luck
7. Vow
8. Stupid Girl
9. Dog New Tricks
10. My Lover's Box
11. Fix Me Now
12. Milk

Postcards From A Young Man (Manic Street Preachers)

2010-10-30T21:00:00.000-07:00

Postcards From A Young Man (Manic Street Preachers)

Por Fábio Cavalcanti

O Manic Street Preachers, banda formada no País de Gales, ficou conhecido pela turminha alternativa como um dos maiores expoentes do Britpop dos anos 90. Porém, ao contrário dos seus colegas do movimento, o grupo nunca se contentou em se prender a um único rótulo. Em 2010, após altos e baixos - inclusive na qualidade musical - a banda chega ao seu décimo álbum: "Postcards From A Young Man".

Liderado pelo vocalista James Dean Bradfield - que já desagrada muita gente logo de cara, graças à sua voz aguda e estridente -, o trio já experimentou estilos como pós-punk, hard rock e indie rock, além do já citado Britpop. Em seu novo trabalho, lançado após o espetacular "Journal For Plague Lovers" (2009), notamos uma leve queda de qualidade, mas esta acaba passando despercebida, pelo fato da banda manter um bom nível de criatividade em suas composições - especialmente nas suas autênticas letras, um show à parte...

Ao contrário do roqueiro álbum anterior, aqui a idéia é explorar novamente o lado sensível do grupo, o que transparece logo no pomposo rock "(It's Not War) Just the End of Love". E falando em pompa, o uso de pianos e orquestras de fundo está evidente na maioria das músicas do disco, o que traz algo de novo para quem adora uma "caixa de surpresas", mas prejudica a experiência para quem aprecia um som mais cru.

Quem curtiu a sonoridade dos álbuns "Everything Must Go" (1996) e "This Is My Truth Tell Me Yours" (1998), certamente vai adorar faixas como a simpática balada "Postcards From A Young Man", e as suaves "Hazelton Avenue" e "Golden Platitudes", além do ápice do estilo "brit": a linda "Some Kind Of Nothingness". Destaque também para a estranha "The Descent" (inutilmente dividida nas partes "Pages 1 & 2", o que vale apenas como efeito cômico), e para a exótica "The Future Has Been Here 4 Ever".

O lado "roqueiro" (dessa vez, com aspas mesmo) da banda desponta na curiosa "Auto-Intoxication", e nas excelentes "A Billion Balconies Facing The Sun" e "Don't Be Evil", que relembram o clássico álbum "The Holy Bible" (1994). A indie rocker "I Think I Found It" é apenas razoável. Já a power pop "All We Make Is Entertainment" é um dos destaques do álbum.

Então, caro leitor, como você pode ter notado, o novo trabalho dos "Manics" traz um pouco do que a banda fez em seus álbuns mais marcantes, além de novos "sabores" ao seu estilo. Os fãs certamente irão apreciar o novo álbum, ainda que este não seja um dos melhores do grupo. Mas, se você ainda é iniciante, e ficou perdido em meio a tantos títulos e sub-gêneros, recomendo inicialmente um dos álbuns anteriores citados aqui. Acredite, vale a pena conhecer esta ótima banda!

Nota: 7

Músicas:
1. (It's Not War) Just The End Of Love
2. Postcards From A Young Man
3. Some Kind Of Nothingness
4. The Descent (Pages 1 & 2)
5. Hazelton Avenue
6. Auto-Intoxication
7. Golden Platitudes
8. I Think I Found It
9. A Billion Balconies Facing The Sun
10. All We Make Is Entertainment
11. The Future Has Been Here 4 Ever
12. Don't Be Evil

O céu é o Hell (Baranga)

2010-10-27T15:00:00.000-07:00

O céu é o Hell (Baranga)

Por Fábio Cavalcanti

Baranga pode até ser aquele tipo de mulher que apenas os mais desesperados - ou tarados - encaram, mas também é o nome de uma das melhores bandas do rock nacional atual. Se você imaginou um rock agitado e sem frescuras, acertou em cheio! Após três álbuns que fazem valer a tríade "sexo, cerveja e rock 'n' roll", a banda lança "O céu é o Hell" (2010), apostando dessa vez em... sexo, cerveja e rock 'n' roll!

Dez faixas em cerca de 35 minutos de álbum. Assim se resume o novo trabalho deste quarteto paulista que, assim como o AC/DC ou o Motörhead, nunca soa datado ou realmente repetitivo. Em termos de qualidade musical, poderíamos até dizer que o ótimo - e pesado - álbum "Meu Mal" (2007) é o trabalho menos inspirado da banda, o que torna este novo 'play' ainda mais gostoso aos ouvidos.

Abrindo com a energética "Deixa a Noite Saber", o vocalista Xande soa como se estivesse apenas introduzindo mais um belo show da sua banda. Ainda citando a noite, a faixa "Noites Imundas" nos faz lembrar que rock de verdade também pode ser imundo, não apenas sujo. A ótima "Aplica Mais uma Dose" não é uma faixa sobre drogas, é apenas mais uma ode à diversão e ao consumo pesado de bebidas alcoólicas.

Destilando agressividade, "Vai Se Dar Mal" nos faz lembrar dos melhores momentos álbum anterior. Por outro lado, a boa "Na Madrugada" peca um pouco por ser a terceira música com temática "noturna" em um mesmo álbum. "Jogando os Dados" investe na fórmula do AC/DC, e ainda influencia o ouvinte a querer fazer algumas apostas. Já a faixa-título "O Céu É o Hell" é um rock 'n'roll que parece ter sido feito sob medida para incomodar a galera mais careta.

"Porrada Rock N' Roll" pode parecer um tanto pueril, mas vale pelo seu ritmo contagiante. Já a sacolejante "La Carretera", com seus arranjos à la Status Quo, chama mais atenção pela curiosa história abordada em sua letra. Por fim, "Boca de Ouro" fecha bem o álbum, se mostrando como uma das melhores faixas do mesmo.

Ao final de "O Céu É o Hell", fica um gostinho de "quero mais", o que prova que o Baranga (a banda, claro) ainda tem muita lenha pra queimar. Vamos apenas esperar que o quarteto não demore mais três anos para lançar sua próxima "bolacha". Por ora, vamos aplicar mais uma dose...

Nota: 9

Músicas:
1. Deixa a Noite Saber
2. Noites Imundas
3. Aplica Mais uma Dose
4. Vai Se Dar Mal
5. Na Madrugada
6. Jogando os Dados
7. O Céu É o Hell
8. Porrada Rock N´ Roll
9. La Carretera
10. Boca de Ouro

Thank You Mr. Churchill (Peter Frampton)

2010-09-28T17:20:00.000-07:00

Thank You Mr. Churchill (Peter Frampton)

Por Fábio Cavalcanti

Após dividir a liderança do Humble Pie - uma das mais marcantes e comercialmente injustiçadas bandas de blues rock do mundo -, o vocalista/guitarrista Peter Frampton investiu em uma carreira solo que resultou em um meteórico período de "vacas gordas" para o mundo da música (alguém pensou no clássico álbum ao vivo "Frampton Comes Alive", de 1976?).

Em 2010, após lançar álbuns quase tão bons quanto os da sua antiga banda - ainda que tais trabalhos apresentem uma sonoridade mais voltada ao 'classic rock' e ao soft rock -, o Sr. Frampton entrega "Thank You Mr. Churchill", mostrando que ainda sabe tocar um rock maduro e vigoroso, ao mesmo tempo. De fato, isso já pode ser notado logo na curiosa faixa-título, que abre o álbum com uma temática bastante biográfica.

Falando em vigor, tal característica estava em falta nos álbuns anteriores, os quais pecavam pelo excesso de violões e baladas. Aqui, temos apenas flertes com esta vertente, através da linda e criativa "Vaudeville Nanna and the Banjolele", da melancólica - e quase sussurrada - "Black Ice", e da eclética e instrumental "Suite: Liberte" - que se divide na parte acústica "Megumi", e no blues "Huria Watu".

Mas espere um pouco... estávamos falando de rock, não? Pois bem, o competente guitarrista nos brinda com as vibrantes "Solution" (uma das melhores músicas do ano, fácil fácil) e "Road to the Sun" (que poderia ser também um ótimo single, se não fosse pela duvidosa presença do seu filho Julian Frampton nos vocais), além do agradável pop/rock "I'm Due a You".

Destaque também para a levada arrastada e pesada de "Asleep at the Wheel", a qual combina muito bem com a temática da música. Destaque ainda maior para a semi-acústica e sombria "Restraint", que consegue ser um dos rocks mais brilhantes e "pesados" do álbum. Sem deixar a peteca cair, Frampton ainda entrega o ótimo hard rock "I Want It Back" e o funk rock dançante "Invisible Man".

Em uma certa mescla de sub-gêneros, temos como resultado em "Thank You Mr. Churchill" uma espécie de "rock clássico dos dias atuais", uma sonoridade que cai como uma luva para Peter Frampton - tanto o vocalista quanto o guitarrista. Ao final deste que certamente ficará marcado como um dos seus melhores trabalhos, podemos apenas dizer: Thank you, Mr. Frampton!

Nota: 9

Músicas:
1. Thank You Mr. Churchill
2. Solution
3. Road to the Sun (feat. Julian Frampton)
4. I'm Due a You
5. Vaudeville Nanna and the Banjolele
6. Asleep at the Wheel
7. Suite: Liberte - A. Megumi B. Huria Watu
8. Restraint
9. I Want it Back
10. Invisible Man
11. Black Ice

The Runaways (The Runaways)

2010-08-28T06:52:00.000-07:00

The Runaways (The Runaways)

Por Fábio Cavalcanti

Finalmente, o tão aguardado filme das Runaways está chegando ao Brasil... Claro, algumas pessoas mal ouviram falar nessa banda, mas pretendo tentar corrigir esta injustiça ao resenhar aqui o seu mais "famoso" álbum: o anto-intitulado 'debut' "The Runaways", lançado em 1976, justamente no período em que o rock se encontrava numa encruzilhada, e alguém tinha que abrir caminho a seu modo...

Formada por cinco garotas - a maioria delas na faixa dos 16 anos de idade -, e tendo em seu 'front' as marcantes Cherie Currie (vocal) e Joan Jett (guitarra), as Runaways mal sabiam o que as aguardava naquele distante cenário do rock dominado por homens. Na verdade, um dos melhores aspectos do álbum em questão é justamente a mistura de ingenuidade adolescente com uma larga dose de coragem e fome de música energética.

Quase literalmente "dando a cara a bater", as garotas berram e "soltam a mão", como se estivessem fazendo seu primeiro e último show de rock. Entre as pérolas que evidenciam tudo isso, temos os maravilhosos 'hards' - quase metaleiros - de "Is It Day or Night?" e "Thunder", além do curioso e divertido épico pueril "Dead End Justice". Ainda falando em hard, destaque para o sensacional hino "Cherry Bomb", uma das músicas mais grudentas que você escutará em toda a sua vida!

A obra em questão ganha um sabor ainda mais especial pelo seu flerte com o rock 'n' roll clássico, presente nas sacolejantes "You Drive Me Wild", "Rock & Roll" (claro...), "Blackmail", e em "Secrets" - uma faixa que seria um tanto fraca, se não fosse pelo seu arranjo bem sacado à la Rolling Stones. Preste atenção também nas alegres "Lovers" e "American Nights", as quais antecipam um pouco da new wave que estava prestes a surgir...

Hard rock? Punk? Rock 'n' roll? É difícil definir ao certo o que essas garotas tocavam, embora tudo soe bastante familiar. Com letras tão simples quanto os objetivos adolescentes de levantar a voz e "quebrar tudo" em uma farra sem fim, as Runaways revolucionaram o rock, abrindo caminho para bandas como The Donnas, Lunachicks, Betty Blowtorch, e tantas outras. Se você ainda não conferiu, não sabe o que está perdendo...

Dica extra: confira também o filme, em alto e bom som!

Nota: 10

Músicas:
1. Cherry Bomb
2. You Drive Me Wild
3. Is It Day or Night?
4. Thunder
5. Rock & Roll
6. Lovers
7. American Nights
8. Blackmail
9. Secrets
10. Dead End Justice

Reckless (Bryan Adams)

2010-08-06T17:14:00.000-07:00

Reckless (Bryan Adams)

Por Fábio Cavalcanti

Se você é metaleiro convicto, ou mesmo um roqueiro com "síndrome de underground", que não consegue ler qualquer coisa sobre Bryan Adams sem sofrer um leve embrulho no estômago, é provável que pergunte algo do tipo: "Que diabos esse cantor de baladas pop está fazendo aqui?". A resposta é simples: mostrando que também sabe fazer rock 'n' roll!

Para quem não conhece algo que vá além das suas baladas radiofônicas mais famosas, é bom deixar claro que Bryan Adams sempre foi um artista de pop/rock - gênero inegavelmente inserido no grande mundo do rock. Em "Reckless" (1984), o cantor intensificou seu lado roqueiro, resultando - ironicamente - em seu trabalho mais bem sucedido, tanto a nível artístico quanto comercial.

Sim, este é o álbum que traz a baladona "Heaven" - e sejamos sinceros, é uma linda música. Sim, este é o álbum que traz também o pop/rock chiclete "Somebody" - mais uma vez, um hit contagiante. Mas, também é o álbum que traz as excelentes "porradas" de "Kids Wanna Rock" e "Ain't Gonna Cry" - esta última, fechando o álbum em clima de festa.

Os rocks melódicos "One Night Love Affair" e "Summer of '69" (atenção à letra possivelmente sacana desta) conseguem trazer mais atitude do que muitas músicas tocadas por ditos "roqueiros de verdade". "She's Only Happy When She's Dancin'" possui um clima new wave festeiro, "Long Gone" traz um adorável direcionamento rhythm & blues, e os hinos "Run to You" e "It's Only Love" (com sua arrepiante participação de Tina Turner) são perfeitas para shows em grandes arenas...

Em suma, se você procura um bom pop/rock comercial, mas ao mesmo tempo aprecia um alto nível de criatividade musical - em todo o álbum, não apenas nos singles - e uma boa dose inesperada de atitude e energia, "Reckless" é o álbum certo para animar o seu dia!

E quanto ao Sr. Adams, aguardamos ansiosamente pelo seu próximo grande álbum de rock...

Nota: 9

Músicas:
1. One Night Love Affair
2. She's Only Happy When She's Dancin'
3. Run to You
4. Heaven
5. Somebody
6. Summer of '69
7. Kids Wanna Rock
8. It's Only Love
9. Long Gone
10. Ain't Gonna Cry

Sea of Cowards (The Dead Weather)

2010-07-14T14:38:00.000-07:00

Sea of Cowards (The Dead Weather)

Por Fábio Cavalcanti

Parece que o trabalho nunca termina para o grande Jack White (The White Stripes, The Raconteurs)... Cerca de 1 ano e meio após a formação de sua nova banda, The Dead Weather, e apenas 1 ano após o lançamento do seu álbum de estréia ("Horehound"), o grupo nos brinda com mais um disco, intitulado "Sea of Cowards" (2010).

O primeiro trabalho deste (super) grupo, que traz em sua liderança o já citado Jack White (vocal, bateria, guitarra), além da vocalista do The Kills, Alison Mosshart (vocal, guitarra), manteve aquela sonoridade "vintage" que sempre marcou o The White Stripes, mas dessa vez com uma dose maior de sujeira e experimentalismo. O segundo álbum indica o amadurecimento do grupo, através de... mais sujeira e mais experimentalismo!

Então você, caro leitor, pergunta: como é possível amadurecer através de um álbum mais cru e pesado? Simples: basta definir realmente o seu escopo, evitando as pequenas irregularidades e passagens arrastadas do seu primeiro álbum, e pronto! Soando como uma unidade que nunca parece repetitiva ou massante, as ótimas e "ásperas" faixas "Blue Blood Blues" e "Hustle And Cuss" já dão o tom do que está por vir...

E dá-lhe rock: "I Can't Hear You", "Gasoline", "No Horse" e "Jawbreaker" conseguem fazer o ouvinte levantar da cadeira, mesmo sendo faixas bastante cadenciadas, como manda a essência da banda... Por outro lado, "Looking At The Invisible Man" soa pouco inspirada, e acaba passando batida...

E os pontos mais experimentais e brilhantes do disco ficam por conta do ótimo single - e suicídio comercial - "Die By The Drop", e da inusitada "The Difference Between Us", um paradoxal rock sombrio com influências de new wave oitentista, o qual é emendado à espontânea "I'm Mad". Por fim, a mórbida "Old Mary" fecha muito bem o álbum.

Em seus 35 minutos, "Sea of Cowards" se mostra realmente um passo à frente na obra de uma banda que já sabe muito bem o que quer, e que ainda poderá nos brindar com trabalhos igualmente arrepiantes e recheados de atitude no futuro. Basta que o quarteto nunca esqueça da sua adorável essência...

Nota: 9

Músicas:
1. Blue Blood Blues
2. Hustle And Cuss
3. The Difference Between Us
4. I'm Mad
5. Die By The Drop
6. I Can't Hear You
7. Gasoline
8. No Horse
9. Looking At The Invisible Man
10. Jawbreaker
11. Old Mary

The Full-Custom Gospel Sounds Of (Reverend Horton Heat)

2010-07-09T10:41:00.000-07:00

The Full-Custom Gospel Sounds Of (Reverend Horton Heat)

Por Fábio Cavalcanti

Mais conhecido atualmente pela inclusão da música "Psychobilly Freakout" no jogo Guitar Hero II, o trio Reverend Horton Heat na verdade já se tornou uma instituição do rock underground internacional. Sua estréia, com o ótimo - porém tímido - "Smoke 'em If You Got 'em" (1991), já mostrava uma banda promissora, mas foi com o sucessor "The Full-Custom Gospel Sounds Of" (1993) que o "reverendo" realmente soltou seus demônios...

E falando em "soltar os demônios", o trocadilho involuntário com o título do álbum não poderia ser mais irônico e apropriado, visto que o líder da banda, Jim Heath, mostra que não tem medo de brincar com as estruturas do rock 'n' roll, do country rock, e do rockabilly, estilos esses que formam a espinha dorsal do seu grupo.

Transpirando atitude e energia típicas do rock texano, o trio ousa adicionar uma boa dose de peso, sujeira e letras sacanas a pérolas do psychobilly moderno (de 1993), como os belos "rocks de bar" "Wiggle Stick" e "Beer:30", as punk rockers "400 Bucks", "You Can't Get Away From Me" e "Big Little Baby", a estradeira "The Devil's Chasing Me", e as engraçadas "Nurture My Pig" e "Gin And Tonic Blues", que fecham o álbum de uma forma bastante... "embriagada", digamos assim.

E se alguém ainda acha que um simples "rock 'n' roll de três acordes" nunca poderá atingir um bom nível de variação musical, o "reverendo" mostra o contrário, através dos curiosos e frenéticos 'countrycores' de "Livin' Of The Edge (Of Houston)" e "Bales Of Cocaine", e da sombria - mas ainda dançante - "Lonesome Train Whistle". Para relaxar, temos o blues mórbido de "Loaded Gun", que também não abandona a atitude típica das letras do grupo.

O fato é que "The Full-Custom Gospel Sounds Of" traz as características de uma banda que ainda se mantém forte e focada na animação típica do rock de raíz. Seja em seus momentos mais modernos, ou nos momentos mais "retrô", o Reverend Horton Heat conseguiu unir simplicidade e ousadia, deixando verdadeiras pérolas para as novas gerações. O impecável álbum desta humilde resenha é um ótimo começo...

Nota: 10

Músicas:
1. Wiggle Stick
2. 400 Bucks
3. The Devil's Chasing Me
4. Livin' On The Edge (Of Houston)
5. You Can't Get Away From Me
6. Beer: 30
7. Big Little Baby
8. Lonesome Train Whistle
9. Bales Of Cocaine
10. Loaded Gun
11. Nurture My Pig
12. Gin And Tonic Blues

Gish (The Smashing Pumpkins)

2010-06-01T11:20:00.000-07:00

Gish (The Smashing Pumpkins)

Por Fábio Cavalcanti

Billy Corgan, vocalista e líder dos Smashing Pumpkins, sempre foi marcado pela sua personalidade forte e imprevisível, a qual costuma refletir em cada música gravada pela sua banda. De fato, falar sobre os Smashing Pumpkins dá no mesmo que falar sobre um Billy Corgan que brinca de estar em uma banda. E podemos notar todas as suas características como músico no primeiro trabalho do grupo, o promissor "Gish" (1991).

Ao contrário dos álbuns seguintes deste quarteto norte-americano, os quais prezam uma grande quantidade de músicas e uma produção mais refinada, o seu disco de estréia possui apenas 10 músicas de uma produção bem crua e 100% acertada para uma banda iniciante de rock alternativo. Podemos notar como tudo soa perfeitamente bem, logo no rock de abertura "I Am One", música perfeita para animar qualquer show...

As igualmente roqueiras - e ótimas - "Siva", "Bury Me" e "Tristessa", trazem o mesmo "groove" (atenção extra para o maravilhoso trabalho do baterista Jimmy Chamberlin) e letras levemente obscuras da faixa de abertura, mas estão muito bem colocadas em pontos específicos da track list, impedindo assim qualquer repetitividade no álbum.

A balada "Rhinoceros" pode soar inocente, mas traz muito da essência suave e "bonitinha" que seria desenvolvida com maior competência no álbum "Siamese Dream" (1993). E falando em suave, temos de cara as primeiras incursões acústicas da banda: a razoável "Crush" e a linda - e curta - "Daydream".

Em faixas como a sorumbática "Suffer", e a balada pesadinha "Snail", Billy Corgan mostra que os Smashing Pumpkins vieram para priorizar as belas melodias, letras tristes, e as "viagens sonoras", ainda que mostrem algum peso e velocidade nos já citados rocks do álbum, e toques de experimentalismo na imprevisível "Window Paine".

Sim, "Gish" é um álbum variado, e traz um pouco daquela heterogeneidade sonora que estava prestes a chocar o cenário grunge e alternativo nos álbuns seguintes do grupo. Mas, este debut também é um retrato daquele eterno incompreendido Billy Corgan deixando uma mensagem bem clara para todo o mundo: "assim é o Smashing Pumpkins, ame ou odeie!".

Nota: 8

Músicas:
1. I Am One
2. Siva
3. Rhinoceros
4. Bury Me
5. Crush
6. Suffer
7. Snail
8. Tristessa
9. Window Paine
10. Daydream

Quem é Você? (Camisa de Vênus)

2010-05-26T18:50:00.000-07:00

Quem é Você? (Camisa de Vênus)

Por Fábio Cavalcanti

O cenário musical brasileiro dos anos 80 foi bastante benéfico para o rock, visto que tal estilo se tornou uma febre durante boa parte da década. Mas, ainda que o rock estivesse na moda, a rara banda soteropolitana Camisa de Vênus trouxe um som recheado de atitude, acidez, e um leque de influências que iam além da new wave e do pós-punk - estilos esses que ainda dominavam o rock nacional oitentista.

Após quatro álbuns de estúdio - além do lendário ao vivo "Viva" -, o Camisa de Vênus encerrou as suas atividades, antes de entregar um trabalho que corrigisse os erros do "grandioso" e entediante "Duplo Sentido" (1987). Em meados dos anos 90, eis que a banda retoma suas atividades, e lança o excelente "Quem é Você?", seu melhor trabalho!

Lapidando de vez o seu estilo, calcado em rocks energéticos e algumas baladas reflexivas, a trupe liderada pelo vocalista Marcelo Nova conseguiu entregar verdadeiras pérolas do rock nacional, com uma produção realmente "roqueira" (finalmente!), e um balanço impecável na track list.

Entre os rocks, na melhor tradição do 'Camisinha', temos a visceral "Quem é Você?", a gostosa "Seu Jeito de Olhar", o rockabilly safado "O Ponteiro tá Subindo", e a pesada "Bem Vinda ao Meu Pesadelo", além de outros pontos altos como "E se Eu Chegar?", "O Poder" e "Forças Ocultas".

Destaque ainda mais especial para duas faixas bastante engraçadas: a dançante e "nordestina" "Radinho de Pilha" (cover de Genival Lacerda), e o blues rock grudento "Essa Linda Canção". Diversão garantida!

Entre as baladas, nada de exageros melosos ou bregas, o negócio aqui é um conjunto de faixas que possuem os requisitos necessários para chamar a atenção de qualquer roqueiro dito "maduro" (ou baladeiro mesmo). São elas: "Não sou Passageiro", "Eu vi o Futuro", "O Mal Que Habita em Mim", e "Esperando um Milagre". Classe A!

No final das contas, entre acertos e mais acertos, o único ponto fraco do álbum fica por conta do desnecessário cover de "Don't Let me Misunderstood" (Nina Simone, The Animals, entre outros). Obviamente, nada que prejudique o resultado final de forma significativa, pois ainda temos aqui um álbum que merecia estar entre as obras mais clássicas do rock brasileiro.

E como diriam os fãs fervorosos do Camisa de Vênus: "Bota pra fudê!"

Nota: 9

Músicas:
1. Quem é Você?
2. Seu Jeito de Olhar
3. O Ponteiro tá Subindo
4. Não sou Passageiro
5. E se Eu Chegar?
6. Don't Let Me Misunderstood
7. Eu vi o Futuro
8. Bem Vinda ao Meu Pesadelo
9. Radinho de Pilha
10. O Mal Que Habita em Mim
11. Essa Linda Canção
12. O Poder
13. Esperando um Milagre
14. Forças Ocultas

Abre-te Sézamo (Raul Seixas)

2010-05-13T13:14:00.000-07:00

Abre-te Sézamo (Raul Seixas)

Por Fábio Cavalcanti

Comentar sobre Raul Seixas se tornou uma tarefa bastante "clichê", à medida que o seu status de "gênio da música brasileira" foi ganhando contornos cada vez mais épicos - e sejamos realistas, tal fanatismo é bastante exagerado. Por outro lado, o consenso geral de que o álbum "O Dia Em Que a Terra Parou" (1977) encerrou uma espécie de "fase de ouro", afeta a forma do ouvinte iniciante "digerir" qualquer obra posterior do artista. Vamos falar aqui sobre um desses álbuns posteriores, o excelente "Abre-te Sézamo" (1980).

Alguns fãs podem discordar completamente, mas a discografia setentista de Raul Seixas mostrava um artista realmente inquieto, o que afetava um pouco a qualidade de algumas músicas, ou mesmo a certeza do direcionamento musical que o álbum - seja lá qual fosse - deveria ter, tanto a nível de estilo quanto a nível de produção e arranjos. Em "Abre-te Sézamo", temos um artista que sabe bem o que quer, mostrando uma habilidade sem igual no nicho roqueiro, mas sem perder suas influências de MPB.

A faixa-título "Abre-Te Sésamo" consegue ser climática e rock 'n' roll ao mesmo tempo, com uma letra curiosamente simples, porém bastante divertida. E falando em diversão, este álbum é um deleite para os apreciadores de temáticas mais irônicas e/ou ousadas, como podemos notar na hard rocker "Aluga-se", no country rock "Anos 80", e no maravilhoso rockabilly "Rock Das 'Aranha'". Em um claro ato de "chover no molhado", ainda podemos acrescentar os rocks diretos "Conversa Pra Boi Dormir" e "Só Prá Variar", além da boa balada "Baby", à lista de pontos altos do álbum.

Se, por um lado, o rock vem muito bem representado pelas faixas já citadas, o lado mais ousado de Raul Seixas também não decepciona, em faixas como a pseudo-oriental "O Conto Do Sábio Chinês", as quase sertanejas "Minha Viola" e "À Beira Do Pantanal", além da inusitada "Ê Meu Pai", que captura o melhor das suas influências nordestinas. O ponto negativo fica por conta da balada melosa "Angela", a qual quebra o ritmo do álbum com o lado mais desinteressante de 'Raulzito'.

Seja como for, "Abre-Te Sésamo" traz um Raul Seixas ainda no pico de sua criatividade, soando melhor do que em boa parte dos seus álbuns mais clássicos. Muito mais do que um trabalho injustiçado, este disco é uma pérola do rock clássico brasileiro, e deve ser escutado com bastante atenção, seja você um ouvinte iniciante ou experiente. E isso não é conversa pra boi dormir...

Nota: 9

Músicas:
1. Abre-Te Sésamo
2. Aluga-se
3. Anos 80
4. Angela
5. Conversa Pra Boi Dormir
6. Minha Viola
7. Rock Das "Aranha"
8. O Conto Do Sábio Chinês
9. Só Prá Variar
10. Baby
11. Ê Meu Pai
12. À Beira Do Pantanal

Mean (American Dog)

2010-03-03T14:21:00.001-08:00

Mean (American Dog)

Por Fábio Cavalcanti

Após mais de 10 anos de carreira, e 5 ótimos álbuns de estúdio, o power trio American Dog lança seu sexto trabalho, intitulado "Mean" (de 2009 ou 2010, ninguém sabe dizer ao certo). E como o título sugere, a banda continua afiada e nervosa como nunca! Porém, para grande parte do público, ainda há uma pergunta a ser respondida: que banda é essa afinal?

Formado por Michael Hannon (baixo e vocal), Steve Theado (guitarra) e Keith Pickens (bateria), o American Dog sempre foi fiel a um tipo de rock 'n' roll direto, mas ainda assim razoavelmente variado, com influências que vão de AC/DC e Van Halen a Lynyrd Skynyrd e Ted Nugent. O grande trunfo da banda está no peso das guitarras, nos vocais rasgados, e na produção que nos faz imaginar o grupo tocando ao vivo em nossa frente.

Dito isso, vamos às novas músicas. "Just One More" é agressiva como um cão raivoso, e prepara o ouvinte para outros petardos, como a excelente e grudenta "Cat Has Got You by the Tongue", o arrepiante blues rock "Drivin' Down the Sidewalk", as engraçadas "Boozehound" e "Gonna Stop Drinkin' Tomorrow", as diretas "Mine All Mine" e "Ain't Dead Yet", e o blues/southern "Sunshine/Moonshine" - que traz um ótimo arranjo acústico com passagens pesadas. O que falar então do cover do Blue Öyster Cult "This Ain't the Summer of Love"? Sensacional!

A banda mostra uma certa queda de criatividade apenas na faixa-título "Mean", um rock cadenciado que, apesar das influências de Black Sabbath e Alice Cooper, não consegue prender a atenção do ouvinte. A sugestiva e acelerada "Motherfucker" também pode dividir opiniões, por soar um pouco boba em sua temática, mas pode ter certeza de que o seu refrão continuará na sua cabeça durante um bom tempo!

Conclusão? "Mean" representa um novo ataque sonoro de uma banda que tem tudo para mostrar às novas gerações como se faz aquele rock 'n' roll perfeito para uma festa regada a muita cerveja! Solos de guitarra bem bacanas, letras divertidas, e uma cozinha bem concisa, são apenas algumas características de uma banda que está em seu auge criativo. Rock on, Dog!

Nota: 8

Músicas:
1. Just One More
2. Cat Has Got You by the Tongue
3. Drivin' Down the Sidewalk
4. Mean
5. Boozehound
6. Gonna Stop Drinkin' Tomorrow
7. Mine All Mine
8. This Ain't the Summer of Love
9. Sunshine/Moonshine
10. Ain't Dead Yet
11. Motherfucker

Mechanize (Fear Factory)

2010-02-24T14:51:00.000-08:00

Mechanize (Fear Factory)

Por Fábio Cavalcanti

O Fear Factory está de volta! Para quem acompanhou a trajetória da banda durante boa parte de sua existência, deve ter sido desanimador ler as notícias sobre as suas mudanças de formação nos últimos anos, o que poderia ter resultado no fim do grupo, ou em uma daquelas reencarnações que 90% do público iria preferir ver como uma nova banda. Mas, considerando o resultado do novo álbum "Mechanize" (2010), a decisão de carregar este velho nome do metal industrial não poderia ser mais acertada!

Trazendo o sempre competente vocalista Burton C. Bell - ainda em forma com seus vocais que alternam muito bem entre o gutural e o melódico -, além do velho conhecido guitarrista Dino Cazares, o novo Fear Factory soa como... Fear Factory! Impossível não lembrar do excelente álbum "Obsolete" (1998) em faixas como as pesadíssimas "Mechanize" e "Powershifter", com as arrepiantes influências de thrash e groove metal que são típicas de algumas das melhores composições do grupo.

Outros destaques se encontram nas alternativas - e não menos pesadas - "Fear Campaign", e "Christploitation", as quais irão agradar os fãs do lado mais ousado da banda. A criativa "Industrial Discipline" mostra que o setor mais industrial do grupo continua soando interessante e nada artificial, ao contrário do que o próprio gênero costuma sugerir...

O barulho não pára na dobradinha "Oxidizer" e "Controlled Demolition", as quais finalizam o estilo mais "brutal" presente no álbum até então. Infelizmente, a partir da razoável "Designing the Enemy", passando pela curiosa vinheta "Metallic Division", e terminando com a enjoada "Final Exit", podemos notar aquela essência pseudo-progressiva que aparentemente já "deu o que tinha que dar" no som do Fear Factory.

No geral, "Mechanize" traz um possível futuro promissor para o "novo" Fear Factory, mostrando que o quinteto ainda possui capacidade de nos brindar com um som intrigante, e com aquelas marcas registradas típicas da banda, tanto no seu "mix" de rock industrial com thrash metal, quanto nas suas curiosas temáticas sobre homem, máquina, ficção e tecnologia em geral. Se você aprecia os trabalhos anteriores do grupo, pode conferir este novo álbum, sem medo!

Nota: 8

Músicas:
1. Mechanize
2. Industrial Discipline
3. Fear Campaign
4. Powershifter
5. Christploitation
6. Oxidizer
7. Controlled Demolition
8. Designing the Enemy
9. Metallic Division
10. Final Exit

Subhuman Race (Skid Row)

2010-02-10T13:54:00.000-08:00

Subhuman Race (Skid Row)

Por Fábio Cavalcanti

Quantas vezes você leu sobre álbuns "injustiçados", analisados por - pasmem - fãs da banda responsável pela bomba? Claro, é muito fácil dizer que um dos piores álbuns de uma certa banda merece ser escutado com mais atenção, e "blá, blá, blá"... Mas, e quando o álbum "ruim" em questão é claramente um dos melhores da banda, e chega a bater até algum de seus trabalhos mais clássicos? Este é o caso de "Subhuman Race", a pérola escondida do Skid Row.

Lançado no obscuro ano de 1995, uma época nada favorável aos artistas de "hair metal", o terceiro álbum de um ainda semi-novato Skid Row traz a típica sonoridade experimentada pela maioria das bandas de hard rock oitentista nos anos 90: um som mais pesado, moderno, e calcado no grunge. Se 9 em cada 10 bandas dessa "turma" falharam em tal "upgrade", o Skid Row acertou em cheio, mostrando um possível talento no ato de se adaptar a certos movimentos musicais, sem perder um pingo da sua qualidade musical - o que, obviamente, nunca pudemos conferir de fato, devido ao "hiato" nas atividades do grupo após a saída do vocalista Sebastian Bach.

O chute inicial é dado com "My Enemy", um poderoso rock cadenciado que lembra o grunge de bandas como Soundgarden e Tad, mas ao mesmo tempo remete à crueza do hard rock setentista, além de trazer aquela produção nervosa e sem frescuras que se mantém ao longo do álbum, especialmente na arrepiante "Beat Yourself Blind" e no quase doom metal "Frozen". Sim, podemos ver aqui que a festa dos anos 80 terminou, e que a agressividade se faz presente também nas novas letras do grupo, cantadas por um Bach bastante "metalhead". O instrumental também não deixa a desejar, com solos de guitarra mais "alternativos", além de uma cozinha estrondosa.

Se o papo ainda é agressividade, "Bonehead" e "Subhuman Race" trazem inesperadas misturas de thrash metal com punk e hardcore... e acredite, funcionam perfeitamente bem! Mas, como o forte do álbum é o "groove", voltemos nossas atenções a faixas sacolejantes como "Remains to be Seen", "Face Against My Soul" e as maravilhosas "Medicine Jar" e "Ironwill", todas com uma urgência e "calor" típicos de uma banda com os nervos à flor da pele... Afinal, quem disse que não pode sair nada de bom de um grupo prestes a se separar?

E pra não perder totalmente o foco comercial (típico na essência da banda, desde o seu primeiro trabalho), faixas como "Firesign" e a curiosa "Eileen" puxam uma vertente mais melódica e, talvez, menos interessante no som do Skid Row, mas estão definitivamente acima da média, e poderiam ter sido singles de sucesso. O que falar então da belíssima balada "Breakin' Down"? Bem melhor do que aquele hit xarope do final dos anos 80, que eu nem preciso citar o nome...

Tendo como único ponto negativo o insosso grunge "Into Another" (cópia mal feita de algo do Alice in Chains?), o balanço geral de "Subhuman Race" é mais do que positivo, mostrando um trabalho que não apenas é injustiçado, como também tira do pedestal o primeiro trabalho do grupo, e quase se iguala em qualidade ao maravilhoso "Slave to the Grind", de 1991. Ouça alto, muito alto!

Nota: 9

Músicas:
1. My Enemy
2. Firesign
3. Bonehead
4. Beat Yourself Blind
5. Eileen
6. Remains to be Seen
7. Subhuman Race
8. Frozen
9. Into Another
10. Face Against My Soul
11. Medicine Jar
12. Breakin' Down
13. Ironwill

Bis: Os melhores da década

2009-12-31T16:51:00.000-08:00

Bem, apesar das eternas divergências quanto ao verdadeiro fim de uma década, optei por seguir a maré e formular neste ano a minha lista de melhores álbuns e músicas da década atual. Além do mais, o que há de realmente sério e imparcial em uma lista de melhores que aborde um período de pelo menos 10 anos? Então, partindo do princício de que a idéia de uma lista "definitiva" para algo tão "grande" seja simplesmente ridícula - inclusive nas mãos dos verdadeiros críticos de música, por mais profissionais que estes tentem ser -, eu fiz um humilde Top 50 que tem como base apenas aquilo que realmente soou para mim como música "boa pra car****!". Esqueçam qualquer aspecto "externo" - sucesso, influência, choque cultural, etc. - e divirtam-se com uma lista que, na minha nada humilde opinião, traz muitos sons dignos de serem escutados com atenção.

Sem maiores explicações e enrolações, vamos aos "tops":

Top 50 da década - Álbuns:

1. Young Modern (Silverchair)
2. Rise (The Answer)
3. Permission To Land (The Darkness)
4. Machina: The Machines of God (Smashing Pumpkins)
5. Dig Out Your Soul (Oasis)
6. Bananas (Deep Purple)
7. Black Holes and Revelations (Muse)
8. A Rush of Blood to the Head (Coldplay)
9. Saudades de Rock (Extreme)
10. The Datsuns (The Datsuns)
11. Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (Arctic Monkeys)
12. The Casanovas (The Casanovas)
13. Say Something Nasty (Nashville Pussy)
14. Youth and Young Manhood (Kings of Leon)
15. Love Grenade (Ted Nugent)
16. Highly Evolved (The Vines)
17. Shine On (Jet)
18. Death Magnetic (Metallica)
19. Life On Other Planets (Supergrass)
20. Hail to the Thief (Radiohead)
21. 15 (Buckcherry)
22. The Monkey Puzzle (UFO)
23. The Eyes of Alice Cooper (Alice Cooper)
24. Black Ice (AC/DC)
25. The Red, White and Black (The BellRays)
26. A Bigger Bang (Rolling Stones)
27. Revelations (Audioslave)
28. Veni Vidi Vicious (The Hives)
29. The Invisible Band (Travis)
30. Vivendo em Grande Estilo (Cascadura)
31. Heavy Traffic (Status Quo)
32. Contraband (Velvet Revolver)
33. Systematic Chaos (Dream Theater)
34. Motherload (Big Cock)
35. Honkin' On Bobo (Aerosmith)
36. Doomfoxx (Doomfoxx)
37. You Could Have It So Much Better (Franz Ferdinand)
38. Elephant (The White Stripes)
39. Reality (David Bowie)
40. Songs for the Deaf (Queens of the Stone Age)
41. Just Enough Education to Perform (Stereophonics)
42. De-Loused in the Comatorium (The Mars Volta)
43. Crush (Bon Jovi)
44. Todo Mundo é Igual (Beto Lee)
45. And Then It Got Ugly (Rhino Bucket)
46. Por Um Rock and Roll Mais Alcoólatra e Inconsequente (Rock Rocket)
47. Party Animals (Turbonegro)
48. 1919 Eternal (Black Label Society)
49. Inferno (Motorhead)
50. Bloco do Eu Sozinho (Los Hermanos)

Top 50 da década - Músicas:

1. Young Modern Station (Silverchair)
2. Under The Sky (The Answer)
3. Wicked Little Town (Hedwig and the Angry Inch - Tommy Gnosis version)
4. Devil's Got A New Disguise (Aerosmith)
5. Star (Extreme)
6. The Shock Of The Lightning (Oasis)
7. Stuck In A Rut (The Darkness)
8. Bittersweet Bundle of Misery (Graham Coxon)
9. Stand Inside Your Love (Smashing Pumpkins)
10. Politik (Coldplay)
11. Keep On Fuckin' (Nashville Pussy)
12. Stand Up For Rock 'N' Roll (Airbourne)
13. Apocalypse Please (Muse)
14. Show Me How To Live (Audioslave)
15. Gravity (Embrace)
16. All My Life (Foo Fighters)
17. It's About Time (Van Halen)
18. Undivided (Bon Jovi)
19. Say It's Not True (Queen + Paul Rodgers)
20. Crazy Bitch (Buckcherry)
21. I Got Your Number (Deep Purple)
22. Blood Pollution (Steel Dragon)
23. Do It For The Kids (Velvet Revolver)
24. Vegas Two Times (Stereophonics)
25. Lyric (Zwan)
26. As I Am (Dream Theater)
27. Don't Fall In Love (Danko Jones)
28. Dead & Well (Rhino Bucket)
29. Woman (Wolfmother)
30. Summer Moved On (A-Ha)
31. Street Corner (The Bellrays)
32. Hour 1 (Scorpions)
33. This Picture (Placebo)
34. Eu (Pato Fu)
35. Cold Hard Bitch (Jet)
36. Hash Pipe (Weezer)
37. Stuck in a Moment You Can't Get Out Of (U2)
38. Still Raising Hell (Ted Nugent)
39. Obsessions (Suede)
40. It's on the Rocks (The Donnas)
41. Hell on High Heels (Motley Crue)
42. Far Cry (Rush)
43. Você Não Sabe o que Perdeu (Cachorro Grande)
44. Better (Guns N' Roses)
45. Hell On Wheels (Betty Blowtorch)
46. Doing Time (Cactus)
47. I'm a Rock 'n Roller (Foghat)
48. Hard To Be Vain (Vains of Jenna)
49. Fire Makes Steel (Survivor)
50. Like I Do (Live)

TOP 2009

2009-12-30T15:47:00.000-08:00

Mais um ano de rock 'n' roll, mais um "top"! Confesso que foi um desafio formular a lista desse ano, visto que pude escutar nada mais nada menos do que 100 álbuns lançados em 2009, tanto de bandas novas como veteranas. Modéstia à parte, para quem já conhece este simples blog, o meu "top" anual é bem diferente do que se vê por aí, visto que 99% dos críticos - ou pseudo-críticos, como eu - costumam se concentrar apenas em artistas do cenário "indie", especialmente aqueles que ainda são revelações do gênero. Vamos lá, ninguém está afim de ler algo um pouquinho mais variado dessa vez? Pois então...

O esquema é o mesmo: um Top 10 de álbuns - com um rápido comentário sobre cada um -, outro voltado apenas a músicas, e por fim o tradicional prêmio de pior álbum e pior música do ano.

E vamos aos "tops":

Top 10 - Álbuns:

1. Everyday Demons (The Answer)
Comentário: Com "Everyday Demons", os irlandeses do The Answer acertam em cheio novamente! Sem a famosa preocupação em inovar ou fazer algo completamente diferente, o grupo mostra neste segundo álbum que o seu hard rock quase setentista continua soando atual, variado, divertido, e tão arrepiante quanto o do seu primeiro trabalho. Ouça alto, muito alto!

2. The Resistance (Muse)
Comentário: Até então, o Muse conseguiu a proeza de lançar álbuns cada vez melhores, tradição que foi "pausada" com o seu novo trabalho "The Resistance". Isso significa que temos um trabalho fraco? De jeito nenhum! Com a sua megalomania e forma única de explorar os sons mais melancólicos possíveis, o trio mostra que realmente nasceu para ser um gigante do rock alternativo.

3. Chickenfoot (Chickenfoot)
Comentário: O já famoso "super grupo" lança seu álbum de estréia, e mostra que não existe nada de errado em tocar o mais puro rock 'n' roll. Guitarras cruas, cozinha simples e direta, e vocais dignos de um adorável "bufão", marcam um trabalho que nos faz lembrar de tempos em que a diversão era garantida! Absolutamente não recomendável para apreciadores das obras mais "maduras" de cada um dos músicos participantes...

4. Journal for Plague Lovers (Manic Street Preachers)
Comentário: Anotem minhas palavras, o Britpop está voltando, e com tudo! Os galeses do Manic Street Preachers, conhecidos por apostarem em sons diferentes a cada álbum, resolveram lembrar da sua essência mais roqueira, e lançaram "Journal for Plague Lovers", o qual já pode ser considerado um dos seus melhores trabalhos!

5. Brain Cycles (Radio Moscow)
Comentário: Fazendo um som energético, mas sempre calcado no blues e na psicodelia garageira, os ainda novatos do Brain Cycles entregam um trabalho mais consistente e inspirado no seu segundo álbum "Brain Cycles". Se o cenário atual não fosse tão absurdamente "indie", teríamos aqui uma das maiores promessas do novo rock.

6. Dark Days/Light Years (Super Furry Animals)
Comentário: O Super Furry Animals já pode ser considerado um grupo veterano, embora ainda seja pouco conhecido. Em seu novo álbum "Dark Days/Light Years", a típica "salada sonora" da banda foi substituída por uma sonoridade homogênea, mas não menos criativa e instigante do que aquela presente em seus trabalhos anteriores.

7. Weapons of Mass Destruction (The Bulletmonks)
Comentário: Quando se fala em hard rock, imaginamos um som normalmente "controlado" em termos de peso e agitação. Já os estreantes do Bulletmonks seguem um caminho diferente, ao apostar em mais peso e velocidade, sem necessariamente entrar no território do heavy metal. O resultado é bastante promissor!

8. Black Clouds & Silver Linings (Dream Theater)
Comentário: Pode parecer clichê, mas o Dream Theater realmente não é pra qualquer um... Digo isso pelo simples fato do grupo ter o virtuosismo no sangue, o qual se torna imprescindível em qualquer uma de suas obras. "Black Clouds & Silver Linings" mantém a tradição do quinteto, sem soar repetitivo ou mesmo cansativo. De sobra, este consegue ser um dos melhores trabalhos do grupo! Se não é a sua praia, basta ignorar este texto...

9. Fork in the Road (Neil Young)
Comentário: Um dos velhinhos mais legais do folk rock lança "Fork in the Road", mostrando que a vertente mais elétrica do folk rock acaba soando muito mais bacana do que a sonoridade presente em boa parte dos seus álbuns mais clássicos. Pode ser uma simples questão de gosto, mas Neil Young tem o rock no sangue, e bem que poderia explorar o seu lado "bad guy" mais vezes...

10. 'Til Death Do Us Party (Crucified Barbara)
Comentário: O heavy metal não morreu! E chega a ser curioso notar que a Crucified Barbara, formada apenas por garotas, poderia ensinar toda essa nova geração de marmanjos a fazerem músicas realmente interessantes e grudentas, tendo como "manual" o ótimo álbum "'Til Death Do Us Party". Rock on, girls!

Menções honrosas (não necessariamente nessa ordem):

Horehound (The Dead Weather)
Liebe ist für alle da (Rammstein)
Ninguém Beija Como as Lésbicas (Velhas Virgens)
Wilco (The Album) (Wilco)
World Painted Blood (Slayer)

Top 10 - Músicas:

1. Demon Eyes (The Answer)
2. Resistance (Muse)
3. Soap In A Rope (Chickenfoot)
4. Check My Brain (Alice in Chains)
5. Magnificent (U2)
6. Journal for Plague Lovers (Manic Street Preachers)
7. Crazy Naked Girls (Super Furry Animals)
8. Innocent (Stereophonics)
9. Danger Us (Kiss)
10. Bless Those (Living Colour)

Prêmios Framboesa (piores do ano):
Álbum: Préliminaires (Iggy Pop)
Música: Temptation to Exist (New York Dolls)

Álbuns escutados:

Into the Labyrinth (Saxon)
Tonight: Franz Ferdinand (Franz Ferdinand)
Everyday Demons (The Answer)
From Hell To Texas (Nashville Pussy)
Working On A Dream (Bruce Springsteen)
A-Lex (Sepultura)
Hordes Of Chaos (Kreator)
Red Light Fever (Hot Leg)
Habeas Corpus (Living Things)
The Devil You Know (Heaven & Hell)
Give Me Fire (Mando Diao)
'Til Death Do Us Party (Crucified Barbara)
No Line on the Horizon (U2)
Brasil Afora (Paralamas do Sucesso)
Wrath (Lamb of God)
It's Blitz (Yeah Yeah Yeahs)
A New Tide (Gomez)
Fork in the Road (Neil Young)
Together Through Life (Bob Dylan)
Klang (The Rakes)
The Spinning Top (Graham Coxon)
Journal for Plague Lovers (Manic Street Preachers)
Cause I Sez So (New York Dolls)
The Hardest Town (Rhino Bucket)
Art Brut vs. Satan (Art Brut)
Sounds of the Universe (Depeche Mode)
Préliminaires (Iggy Pop)
21st Century Breakdown (Green Day)
Sacos Plásticos (Titãs)
Battle for the Sun (Placebo)
Chickenfoot (Chickenfoot)
Drês (Nando Reis)
Octahedron (The Mars Volta)
The Visitor (UFO)
Crack the Skye (Mastodon)
Clash of the Elements (The Poodles)
The High End Of Low (Marylin Manson)
Weapons of Mass Destruction (The Bulletmonks)
Cinema (Cachorro Grande)
C_mpl_te (Móveis Coloniais de Acaju)
Dark Days/Light Years (Super Furry Animals)
Yes (Pet Shop Boys)
Brain Cycles (Radio Moscow)
Black Clouds & Silver Linings (Dream Theater)
Shallow Life (Lacuna Coil)
Bitte Orca (Dirty Projectors)
Killswitch Engage (Killswitch Engage)
Horehound (The Dead Weather)
White Lies for Dark Times (Ben Harper)
Tudo que eu sempre sonhei (Pullovers)
Big Whiskey and the GrooGrux King (Dave Matthews Band)
For(N)ever (Hoobastank)
Hold Time (M. Ward)
Nem Sempre Tão Normal (Vivendo do Ócio)
The Fray (The Fray)
West Ryder Pauper Lunatic Asylum (Kasabian)
Beg For It (Hardcore Superstar)
From Fathoms (Gifts From Enola)
Chiaroscuro (Pitty)
Wilco (The Album) (Wilco)
Everest (Shakra)
Shaka Rock (Jet)
Humbug (Arctic Monkeys)
The Eternal Return (Darkest Hour)
10c Billionaire (Bulletboys)
Before the Frost...Until the Freeze (The Black Crowes)
Endgame (Megadeth)
God & Guns (Lynyrd Skynyrd)
Already Free (Derek Trucks Band)
The Resistance (Muse)
Need To Believe (Gotthard)
The Chair In The Doorway (Living Colour)
The Art of Telling Lies (Vains of Jenna)
Caligrafia (Ludov)
Sonic Boom (Kiss)
Babylon (W.A.S.P.)
Have Guitar, Will Travel (Joe Perry)
Cha Cha Chá (Retrofoguetes)
Signs Of Infinite Power (Fu Manchu)
Ninguém Beija Como as Lésbicas (Velhas Virgens)
Cosmic Egg (Wolfmother)
The Circle (Bon Jovi)
Black Gives Way to Blue (Alice In Chains)
Raditude (Weezer)
Rock 'N' Roll (Erasmo Carlos)
Backspacer (Pearl Jam)
World Painted Blood (Slayer)
Liebe ist für alle da (Rammstein)
Keep Calm and Carry On (Stereophonics)
Joy (Phish)
Them Crooked Vultures (Them Crooked Vultures)
21st Century Rock ('77)
Full Circle (Creed)
Haih Or Amortecedor (Os Mutantes)
By a Thread (Gov't Mule)
Music for Men (Gossip)
Embryonic (The Flaming Lips)
Guillotine Drama (Black Bonzo)
W.E.T. (W.E.T.)
The Eternal (Sonic Youth)

Are You Man Enough? (Betty Blowtorch)

2009-12-22T15:27:00.000-08:00

Are You Man Enough? (Betty Blowtorch)

Por Fábio Cavalcanti

Uma carreira meteórica, marcada por apenas um álbum de estúdio e um trágico acidente de carro. Assim se resume a história da banda feminina de hard/punk/sleaze Betty Blowtorch, formada no final dos anos 90 por quatro garotas que tinham sede de rock 'n' roll e fome de tudo que tivesse qualquer ligação com o estilo...

O álbum? "Are You Man Enough?", lançado em 2001, o mesmo ano em que a vocalista Bianca 'Butthole' (Bianca Halstead) morreu em um acidente de carro, o que levou a banda a encerrar suas atividades em seguida. No curto período de atividade, e na coleção de generosas 15 faixas em um único disco, o quarteto só quis saber de três coisas: sexo, drogas e rock 'n' roll. Clichê demais? Sim, claro! Batido e ultrapassado? De jeito nenhum!

Na verdade, o grupo se destacou pela sua abordagem extremamente aberta (sem piadinhas, por favor) e obscena, o que nos levava a acreditar que estávamos mesmo lidando com moças orgulhosamente festeiras e pervertidas - ou nem tanto, dependendo do nível de liberdade sexual do ouvinte.

Indo direto ao ponto ("G"), as primeiras faixas "Hell On Wheels", "Love/Hate" e "Size Queen" (essa última com uma divertida participação de Vanilla Ice) mostram o lado agressivo das garotas, com direito a guitarras sujas, letras mais sujas ainda, e adoráveis berros que podem incomodar qualquer ouvinte mais sensível. Neste setor, ainda se destacam as ótimas "I Wish You'd Die", "Part-Time Hooker", "Strung Out", e duas das faixas mais obscenas que você irá escutar em toda a sua vida: "I Wanna Be Your Sucker" e "Shut up and Fuck".

Ao mostrar um lado mais "leve e sensível", à base de muita ironia, as garotas entregam as engraçadas "I'm Ugly and I Don't Know Why", "No Integrity" e "Frankie", as quais podem enganar até as turminhas do pop/punk que não fazem idéia do que Bianca está cantando... Por outro lado, "Big Hair, Broken Heart" pode comover qualquer apreciador de um bom hard rock das antigas...

Como já foi citado, o álbum possui 15 faixas, e isso chega a ser um erro para qualquer banda de proposta mais "punk", visto que algumas dessas faixas podem soar meio desnecessárias na track list. Nesse caso, podemos destacar como pontos negativos as pouco inspiradas "Rock My World", "Dresses" e "Rock 'N Roll '69". Claro, nada que prejudique muito o resultado final...

Com "Are You Man Enough?", a Betty Blowtorch mostrou às novas gerações que garotas ainda podem fazer rock 'n' roll de verdade, nos moldes de grupos notórios como Runaways e Girlschool, mas sempre abrindo espaço para uma identidade própria e marcante. O grupo se foi, mas os machões de plantão ainda podem ser desafiados pela pergunta: "Você é homem o bastante?".

Nota: 8

Músicas:
1. Hell On Wheels
2. Love/Hate
3. Size Queen
4. I Wanna Be Your Sucker
5. I'm Ugly and I Don't Know Why
6. Shut Up and Fuck
7. No Integrity
8. Frankie
9. I Wish You'd Die
10. Big Hair, Broken Heart
11. Part-Time Hooker
12. Rock My World
13. Dresses
14. Strung Out
15. Rock 'N Roll 69

Keep Calm and Carry On (Stereophonics)

2009-12-02T14:29:00.000-08:00

Keep Calm and Carry On (Stereophonics)

Por Fábio Cavalcanti

Antes de tudo, para quem está acostumado com as resenhas deste que vos escreve, deve ser um tanto incômodo dar de cara com uma abordagem que costuma valorizar muito mais a essência "principal" e/ou "inicial" da banda em questão - seja lá qual for. Felizmente, em pouquíssimos casos, como na discografia dos galeses do Stereophonics, a mudança mais "radical" sempre foi muito bem vinda, nos trazendo pérolas do Britpop e do rock alternativo. O que dizer então do seu mais novo álbum, "Keep Calm and Carry On" (2009)?

Do divertido pop/punk do debut "Word Gets Around" (1997), passando pelo quase 'alternative country' do "Just Enough Education to Perform" (2001), e chegando finalmente no indie, simplista e injustiçado "Pull the Pin" (2007), o grupo - agora um quarteto - lança seu sétimo álbum de estúdio, e nos traz a pergunta: onde foi parar aquela adorável ousadia?

Pode-se dizer que o novo trabalho de Kelly Jones (voz/guitarra) e sua trupe fecha uma espécie de "trilogia indie", iniciada no superestimado "Language. Sex. Violence. Other?" (2005). Guitarras predominantes, atitude nas letras, vocal ainda mais rouco do que de costume, são apenas algumas das características de um Stereophonics que agora resolveu apostar apenas em pequenas mudanças...

Se o papo ainda é mudança, percebemos uma produção mais sofisticada logo de cara, na irregular "She's Alright", a qual traz uma inesperada batida levemente eletrônica, mas peca pelo seu refrão insosso e repetitivo. Por outro lado, percebemos um melhor uso das novas incursões eletrônicas na curiosa "Beerbottle" e nos bons rocks "I Got Your Number" e "Uppercut". Já a semi-balada "Live 'N' Love" é apenas legalzinha, passando longe de ser uma faixa memorável.

E quanto às baladas propriamente ditas? É claro que elas também estão presentes neste novo trabalho, afinal o Stereophonics sempre foi reverenciado por algumas das mais belas músicas do Britpop em seus álbuns anteriores. Mas, se vamos falar de inspiração e capacidade de cativar o ouvinte com melodias criativas e grudentas, apenas a melancólica "Stuck In A Rut" e a linda - e quase etérea - "100MPH" conseguem se destacar como pontos altos do novo álbum, enquanto que "Could You Be the One?" e "Show Me How" são apenas razoáveis...

E pra não dizer que a banda não conseguiu emplacar pelo menos uma música sensacional, temos o maravilhoso single "Innocent", um indie rock melódico e semi-acústico que certamente irá garantir um lugar entre os pontos altos de toda a discografia da banda! E se você é do tipo que prefere algo mais cru e direto, o Stereophonics trouxe dois interessantes petardos: o dançante surf rock "Trouble" e o simpático e estranho power pop "Wonder".

Se, após ler tudo isso, você imaginou uma certa falta de rumo musical, acertou em cheio! "Keep Calm and Carry On" traz boas músicas, mas mostra uma banda que, pela primeira vez em uma ótima carreira, ficou com medo de dar um passo maior em direção a algum lugar... Tudo que podemos fazer é curtir alguns dos melhores momentos deste agradável novo trabalho, e esperar que o Stereophonics nos surpreenda novamente em seu próximo trabalho.

Coragem, Kelly Jones, coragem! Just keep calm and carry on...

Nota: 7

Músicas:
1. She's Alright
2. Innocent
3. Beerbottle
4. Trouble
5. Could You Be the One?
6. I Got Your Number
7. Uppercut
8. Live 'N' Love
9. 100MPH
10. Wonder
11. Stuck In A Rut
12. Show Me How

Rock 'N' Roll (Erasmo Carlos)

2009-11-26T16:55:00.000-08:00

Rock 'N' Roll (Erasmo Carlos)

Por Fábio Cavalcanti

Quem nunca ouviu falar em Erasmo Carlos? Certamente, ele é o famoso parceiro musical do 'rei' Roberto Carlos, não? Porém, por mais interessante que isso seja, tal parceria não representa exatamente seu maior trunfo no meio musical, como muitos pensam... De fato, o assunto aqui é a ótima obra do cantor e compositor Erasmo Carlos, que lançou em 2009 o seu mais novo álbum, "Rock 'N' Roll".

Aos 68 anos de idade, e após incursões em diversos estilos musicais, Erasmo faz valer novamente o seu velho apelido 'Tremendão', entregando um trabalho curiosíssimo, a começar pelo seu equivocado título... Espera um pouco, como assim "equivocado"? Bem, podemos chegar a tal conclusão apenas ao final da audição do álbum, após perceber que escutamos um respeitável "mix" de rocks, baladas, e uma boa dose de arranjos puxados para o folk rock ('n' roll). Obviamente, isso não invalida a qualidade musical da obra como um todo...

Com uma produção "sem frescuras", Erasmo Carlos mostra muita atitude - tanto nas letras quanto nos arranjos - no vibrante rock "Jogo Sujo" e no sacolejante 'boogie' da divertida "Cover". Claro que, como nem tudo são 'rocks', temos as "rock ballads" "Olhar de Mangá" (divertidíssima), "A Guitarra é uma Mulher", e as lindas "Chuva Ácida" e "Noturno Carioca", as quais mostram que o bom velhinho (com todo o respeito da palavra) está entregando um trabalho recheado de liberdade e sinceridade musical. Por outro lado, "Vozes da Solidão" soa apagada, e poderia muito bem ter sido substituída por um bom rock 'n' roll...

Claro, agora que estamos falando de rock, vamos a mais algumas legítimas "faixas título" do álbum: a dançante - e um tanto curta, infelizmente - "Noite Perfeita", a "pesada" e soturna "Um Beijo é um Tiro", a deliciosamente retrô "Mar Vermelho" (aposto que você irá pensar em The Doors), e a empolgante "Encontro às Escuras". Por fim, destaque especial para "Celebridade", o divertido - e até engraçado - pop/rock latino que fecha o álbum.

No final das contas, "Rock 'N' Roll" pode não fazer valer o "roll", mas certamente faz valer o rock (absolutamente sem aspas), mostrando que Erasmo Carlos sempre será um dos nossos eternos roqueiros nacionais, e que não existe idade "avançada" que apague sua paixão pelo rock, muito menos o seu honroso apelido de 'Tremendão'.

Nota: 8

Músicas:
1. Jogo Sujo
2. Cover
3. Chuva Ácida
4. Olhar de Mangá
5. Noite Perfeita (Uma Farra no Tempo)
6. A Guitarra é uma Mulher
7. Um Beijo é um Tiro
8. Vozes da Solidão
9. Mar Vermelho
10. Noturno Carioca
11. Encontro às Escuras
12. Celebridade

Ninguém Beija Como as Lésbicas (Velhas Virgens)

2009-11-12T14:19:00.000-08:00

Ninguém Beija Como as Lésbicas (Velhas Virgens)

Por Fábio Cavalcanti

A banda mais desbocada do rock nacional está de volta! Claro que estou falando dos Velhas Virgens, grupo cultuado que possui um currículo de mais de 20 anos na estrada e 7 álbuns de estúdio (é, infelizmente certas bandas não conseguem ser tão ativas quanto deveriam), dentre os quais está o seu mais recente trabalho: "Ninguém Beija Como as Lésbicas" (2009). Chocado? Então está na hora de você procurar ouvir algum trabalho anterior da banda antes de prosseguir...

Quem está familiarizado com a obra de Paulão (vocal), Alexandre "Cavalo" (guitarra) e companhia, certamente irá apertar o "play" esperando escutar um som competente e bem executado, influenciado musicalmente por rock 'n' roll e blues, e influenciado ideologicamente por muito sexo e cerveja! Afinal, a banda sempre utilizou tais ingredientes com maestria - salve um deslize no excessivamente baladeiro "Senhor Sucesso", de 1999.

Vale citar também que, ao contrário do que a própria banda disse sobre este ser um álbum conceitual, temos algo ainda mais interessante: uma deliciosa "união" entre as faixas - através de sons "ambiente" e sacadas bem divertidas -, em uma track list muito bem montada, e com um "timing" impecável em quase todas as suas faixas. A ótima produção - sempre crua, mas nunca tosca - deixa ainda mais claro que estamos ouvindo algo feito por uma banda que sabe muito bem o que está fazendo...

Faixas como "O Gênio da Garrafa", "Ninguém Beija Como as Lésbicas", "Strip & Blues", e até o pop/punk "Cafajeste", indicam que os Velhas Virgens não tem medo de apostar em algo mais "maduro" e "sutil" (muita atenção às aspas) de vez em quando, pois a sua habitual criatividade e capacidade de fazer o ouvinte rir bastante, ainda está lá! Sem esquecer também da sua essência realmente obscena - mas sempre inteligente -, a banda despeja as ótimas "A Boca, A Buceta e A Bunda", "Bunda Boa" e "F.D.P.", além de dois petardos influenciados por punk e hardcore: "Essa Mulher Só Quer Viver na Balada" e "Velho Safado".

Entre as músicas mais lentas do álbum, temos a "linda" (muita atenção às aspas novamente) e quase acústica "Bortolotto Blues", e o obrigatório hino 'dor-de-corno' "Eu Bebo Pra Esquecer". Por outro lado, "A Última Partida de Bilhar" é tão fraquinha que pode até causar náuseas...

Por fim, lembra daquele papo de "timing" impecável? Pois então, ao final do "play", e após a divertida vinheta "Palavras do Mentor", temos a melhor faixa do álbum: o brilhante rock "O Amor é Outra Coisa". A sensação de alegria e bem estar que atinge o ouvinte ao final de "Ninguém Beija Como as Lésbicas", apenas deixa claro uma coisa a respeito do rock nacional: (quase) ninguém faz rock 'n' roll de verdade como os Velhas Virgens!

Nota: 9

Músicas:
1. O Gênio da Garrafa
2. A Boca, A Buceta e A Bunda
3. Bunda Boa
4. Ninguém Beija Como as Lésbicas
5. Essa Mulher Só Quer Viver na Balada
6. Cafajeste
7. Bortolotto Blues
8. A Última Partida de Bilhar
9. F.D.P.
10. Eu Bebo Pra Esquecer
11. Velho Safado
12. Strip & Blues
13. Palavras do Mentor
14. O Amor é Outra Coisa

Brain Cycles (Radio Moscow)

2009-11-06T16:39:00.000-08:00

Brain Cycles (Radio Moscow)

Por Fábio Cavalcanti

Hard Rock, Blues Rock e Rock Psicodélico são gêneros ainda escassos atualmente, mesmo se lembrarmos de novas - e ótimas - promessas, como as bandas The Answer, Siena Root e Black Bonzo. Deste seleto grupo, vale destacar também uma certa banda 'estadunidense' que, apesar de ser humilde e desconhecida, consegue esbanjar brilhantismo. Estou falando do Radio Moscow!

Formada em 2003 pelo vocalista/guitarrista Parker Griggs, e tendo passado por mudanças em sua formação ao longo dos anos, o power-trio parece ter se estabelecido em 2009, juntamente com o lançamento do seu segundo álbum: "Brain Cycles". O álbum de estréia, intitulado "Radio Moscow" (2007), havia mostrado para o mundo um grupo promissor, mas ainda preso a certas convenções do hard rock setentista e do rock psicodélico (alguém pensou em Blue Cheer?). Neste segundo trabalho, a banda confiou na sua legítima paixão pelo bom rock "com cheirinho de naftalina", e se permitiu descobrir mais possibilidades em um nicho musical que na verdade é mais amplo do que muita gente imagina...

"Então a banda apostou em uma sonoridade um pouco mais moderna e atualizada?", pergunta o curioso ouvinte. Moderna? Atualizada? Que nada! O Radio Moscow "se soltou" mais neste novo trabalho, mas continua captando a essência e produção de todo e qualquer "rock pesado" que era feito no final dos anos 60 e início dos anos 70. É como se o grupo pertencesse a um meio termo perfeito entre a simplicidade e energia do garage rock sessentista, e o virtuosismo das bandas clássicas de hard rock setentista. Sem esquecer dos ótimos riffs, solos, baixos que realmente aparecem, viradas de bateria, letras "sem fírulas" e o diabo a quatro!

Faixas como as "suingadas" "I Just Don't Know", "The Escape", e a longa "No Good Women" (que traz um belíssimo solo de bateria) nos fazem imaginar um espécie de Cream ou Led Zeppelin formado por músicos delinquentes que não conseguem ficar parados, enquanto que a alucinada faixa instrumental "Brain Cycles" nos leva a imaginar como seria uma deliciosa jam do Jimi Hendrix com o Grand Funk Railroad. A faixa "250 Miles" começa como um blues acústico cheio de atitude, mas no final encontra um caminho bem mais rock 'n' roll. E pra descontrair um pouco, o divertido bluegrass instrumental "Black Boot" mostra que não está no álbum apenas para preencher espaço...

Outros destaques ficam por conta do contagiante "groove" de "Hold on Me", e das sutis influências 'southern rock' da - não menos hard - "City Lights". A única faixa que pode lembrar algo mais atual é a ótima "Broke Down", basicamente por remeter a um suposto White Stripes formado por músicos virtuosos. Como único ponto "negativo" (assim entre aspas mesmo), temos a equivocada decisão da banda em transformar a promissora "No Jane" em uma viagem que começa com bastante peso e agitação, mas termina com um instrumental psicodélico que poderia ter sido reservado para uma futura faixa regada a "dorgas, mano"...

Com "Brain Cycles", o Radio Moscow superou seu 'debut' em grande estilo, trazendo este que também é um dos melhores álbuns de 2009. O grupo continua provando que palavras como "evolução" e "maturidade" também se aplicam a bandas que gostam de tocar apenas o bom e velho rock 'n' roll. Aos fãs do bom "hardão setentista", apenas uma recomendação: podem parar de cavar velharias, pois o Radio Moscow está na área!

Nota: 9

Músicas:
1. I Just Don't Know
2. Broke Down
3. The Escape
4. No Good Women
5. Brain Cycles
6. 250 Miles
7. Hold on Me
8. Black Boot
9. City Lights
10. No Jane

The Circle (Bon Jovi)

2009-11-03T15:07:00.000-08:00

The Circle (Bon Jovi)

Por Fábio Cavalcanti

Depois de entregar um dos piores álbuns de 2007 (o equivocado álbum de "country rock" "Lost Highway"), o qual havia sucedido outro trabalho igualmente fraco (o "moderninho" "Have A Nice Day"), o Bon Jovi tenta se redimir musicalmente com o recém-lançado "The circle" (2009), tido pela própria banda como um "retorno ao rock 'n' roll". O resultado não é pior do que os anteriores... mas também não é dos melhores...

Logo de cara, temos a empolgante e grudenta "We Weren't Born to Follow", uma acertada escolha para single, visto que mantém o alto padrão de qualidade musical presente nos ótimos rocks melódicos que também foram lançados como singles nos quatro últimos álbuns da banda. Já em "When We Were Beautiful", com a sua longa - e quase interminável - passagem lenta, temática "épica", e final "pra levantar estádios" à la U2 (como é?), notamos bem o tipo de "rock 'n' roll" que Jon Bon Jovi e sua trupe tentaram fazer neste novo trabalho: um rock mais melodioso do que de costume, com uma aposta ainda maior na sua habitual veia pop/rock.

Claro, nada de errado no som de bandas como U2, Coldplay e Snow Patrol, mas vamos ser sinceros: é esse tipo de influência que queremos ouvir em algo do Bon Jovi? Ao dar o benefício da dúvida para a banda, percebemos que o nosso preconceito inicial logo se transforma em um diagnóstico de decadência musical. Como exemplos, temos as fraquíssimas e enjoadas "Love's the Only Rule", "Fast Cars" e "Happy Now", três das piores músicas já feitas pela banda. As agitadinhas "Thorn In My Side" e "Superman Tonight" (esta última sugando um pouco da fórmula daquele hit "xarope" do Snow Patrol) também não ficam muito na frente, mas pelo menos trazem um "pingo" de inspiração em suas melodias.

E quanto aos rocks poderosos e arrepiantes, como a já citada faixa de abertura do álbum? Pode-se dizer que apenas "Brokenpromiseland" cumpre este papel com maestria, enquanto que as pesadas "Work for the Working Man" e "Bullet" apenas trazem ecos mais "cansados" e menos brilhantes de "Bounce" e "Everyday", respectivamente. Em tais momentos, podemos ver que a banda (especialmente o guitarrista Richie Sambora) até se esforça, mas não consegue trazer para seus novos trabalhos toda a magia dos rocks de álbuns como "Slippery When Wet" e "New Jersey", sob a desculpa - sempre furada, vinda de qualquer artista de rock - de que seus integrantes "cresceram"...

No que diz respeito ao objetivo de deixar as baladas em segundo plano neste novo trabalho, a banda mostrou que a idéia não poderia ser melhor, pois a sem graça e pseudo-grandiosa "Live Before You Die" não causa nada além de vergonha alheia. A simpática "Learn to Love" poderia até render um bom terceiro ou quarto single, mas nada muito além disso...

Infelizmente, a única conclusão cabível a respeito da qualidade musical atual do Bon Jovi é que o quarteto esqueceu da sua própria capacidade de fazer ótimas músicas e álbuns sem "enchimentos de linguiça", algo que já foi uma tarefa bem fácil para o grupo nos anos 80, 90, e até mesmo nos "recentes" álbuns "Crush" e "Bounce". "The Circle" mostra que talvez esteja mesmo na hora do Bon Jovi encontrar um fim no seu "círculo"...

Nota: 5

Músicas:
1. We Weren't Born to Follow
2. When We Were Beautiful
3. Work for the Working Man
4. Superman Tonight
5. Bullet
6. Thorn In My Side
7. Live Before You Die
8. Brokenpromiseland
9. Love's the Only Rule
10. Fast Cars
11. Happy Now
12. Learn to Love

God & Guns (Lynyrd Skynyrd)

2009-10-05T16:07:00.000-07:00

God & Guns (Lynyrd Skynyrd)

Por Fábio Cavalcanti

Se alguém tivesse dito para qualquer fã do Lynyrd Skynyrd que, até mesmo a subestimada formação atual da banda seria capaz de se render a modismos ou a um pseudo-amadurecimento musical, poderíamos considerar tal previsão como uma grande bobagem. Por quê? Simplesmente pelo fato da banda nunca ter saído de um terreno seguro que, até então, não havia prejudicado nenhum dos seus trabalhos anteriores, e poderia se manter até o fim, sem soar datado ou repetitivo. Porém, quando o time continuava ganhando, eis que os mestres do southern rock resolvem arriscar...

O resultado? "God & Guns", primeiro álbum de inéditas após 6 anos de "inatividade criativa" (o último havia sido o competente "Vicious Cycle", de 2003). Como já foi dito, o septeto apostou em algo diferente dessa vez, como se quisesse experimentar um pouco do estilo "mainstream" que, de uma forma de outra, também foi influenciado pelas obras clássicas do próprio 'Skynyrd'. Por exemplo, ninguém pode dizer que uma faixa como o poderoso rock "Still Unbroken" não soa como Lynyrd Skynyrd, mesmo lembrando bastante uma espécie de Nickelback do interior dos Estados Unidos...

"Que diabos esse tal pós-grunge faz em uma obra do Lynyrd Skynyrd?", certamente será uma pergunta recorrente acerca de "God & Guns", que ainda traz outros momentos igualmente "modernosos": a pesada "Little Thing Called You", e as melódicas "Comin' Back For More" e "Storm", as quais soariam bem mais interessantes se tivessem sido concebidas por uma jovem banda do já citado pós-grunge...

E quanto aos rocks "arrasa quarteirões" e cheios daquela atitude "interiorana" do 'Skynyrd'? Pois bem, é aí que entram em cena as melhores faixas do álbum: a matadora e potencial "hit de shows" "Skynyrd Nation", a deliciosamente arrastada e sombria "Floyd", e a criativa - tanto em letras quanto arranjos - "God & Guns", que começa acústica e termina como um excelente rock!

No setor mais "suave" do álbum, temos faixas que beiram o brega, devido aos exageros de produção e influências de pop e country que acabam indo além da conta... São elas: o insosso pop/rock "Simple Life", e melosa "Unwrite that Song" e a sem graça - e ironicamente patriota - "That Ain't My America". Destaque ainda mais "especial" para o auto-plágio proposital e descarado - disfarçado de "auto-homenagem" - presente em "Southern Ways" (leia-se "Sweet Home Alabama 2 - De volta para o interior").

Ao final do álbum, temos a boa balada "Gifted Hands", uma clara homenagem ao recém-falecido tecladista Billy Powell - e tal homenagem também pode se aplicar indiretamente a outros integrantes do 'Skynyrd' que também já morreram. Porém, até mesmo essa faixa se sustenta basicamente pela sua comovente temática e por um belíssimo solo de guitarra em seu clímax.

Assim termina "God & Guns", um álbum que não chega a ser um fracasso total, mas está muito abaixo do que o Lynyrd Skynyrd - mesmo o atual - pode fazer. Agora é esperar que os talentosos Johnny Van Zant, Gary Rossington, Rickey Medlocke e companhia façam valer o trecho da faixa "Southern Ways": "leve-me de volta..."

Nota: 5

Músicas:
1. Still Unbroken
2. Simple Life
3. Little Thing Called You
4. Southern Ways
5. Skynyrd Nation
6. Unwrite that Song
7. Floyd
8. That Ain't My America
9. Comin' Back For More
10. God & Guns
11. Storm
12. Gifted Hands

Humbug (Arctic Monkeys)

2009-09-04T19:57:00.000-07:00

Humbug (Arctic Monkeys)

Por Fábio Cavalcanti

No mundo dos ativos integrantes do Arctic Monkeys, dois anos e meio sem lançar material novo pode ser considerado como um hiato, um período de longas férias. Nesse precioso meio tempo, a banda aproveitou para rever seus conceitos, e sua sonoridade. Chega a ser previsível imaginar que o quarteto, liderado por Alex Turner, iria tentar algo completamente diferente em seu novo trabalho. Obviamente, é exatamente isso que acontece no recém-lançado "Humbug"!

Após dois ótimos trabalhos que mesclavam a atual tendência indie rock com toques criativos, letras "non-sense" e sonoridade alucinada e irreverente, a banda resolveu pisar fundo no freio dessa vez, e entregou um trabalho que deve ser escutado com mais atenção. Por sinal, a boa faixa de abertura "My Propeller" não engana o ouvinte, e mostra bem a essência geral do novo trabalho: sutil (tanto nas letras quanto nos arranjos), moderado e suave.

O primeiro single é "Crying Lightning", uma balada levemente retrô que começa sem grandes surpresas, mas termina de uma forma deliciosamente melancólica. A criativa "Secret Door" também começa sem grandes surpresas, mas termina como uma das mais belas músicas compostas pelo quarteto. Se falarmos em potenciais singles, temos uma ótima candidata: a linda balada "Cornerstone".

Misturando melancolia com um "quê" de sombrio, as faixas "Fire and the Thud", "Dance Little Liar", e "The Jeweller's Hand" se mostram como pontos fracos do álbum, nos fazendo perguntar: no que esses "macacos" estavam pensando quando trouxeram certas influências do The Last Shadow Puppets? Não que este projeto paralelo de Alex Turner seja ruim, mas pode-se notar que ele pertence a um universo totalmente à parte dos "Monkeys"...

De qualquer forma, ainda temos mais ótimas músicas em "Humbug": os divertidos rocks "Dangerous Animals" e "Potion Approaching", além da "pancadona" "Pretty Visitors" - que acaba soando deslocada da proposta do álbum, mas o salva de soar um tanto entediante. Em tais momentos, o sentimento de saudades dos primeiros álbuns é inevitável...

"Humbug" é um bom álbum, que mostra a criatividade - e possível genialidade - da banda ainda presente. Porém, ao lembrar que seus integrantes mal saíram da adolescência, e poderiam estar se divertindo com mais rocks "pra cima" por muitos e muitos anos, chega a ser estranho lembrar que um trabalho tão sério - e até "careta", para os antigos padrões da banda - pode levá-los a um rumo nada interessante em seus próximos trabalhos.

Então, fica a pergunta: e agora, Sr. Alex Turner?

Nota: 7

Músicas:

1. My Propeller
2. Crying Lightning
3. Dangerous Animals
4. Secret Door
5. Potion Approaching
6. Fire and the Thud
7. Cornerstone
8. Dance Little Liar
9. Pretty Visitors
10. The Jeweller's Hands

Octahedron (The Mars Volta)

2009-07-15T17:15:00.000-07:00

Octahedron (The Mars Volta)

Por Fábio Cavalcanti

Apesar de ser uma banda relativamente nova, o The Mars Volta vêm mostrando que seus integrantes são legítimos workaholics. Hoje em dia, o ato de lançar 5 álbuns de estúdio e um EP em menos de 10 anos de atividade é uma proeza, ainda mais quando os álbuns são longos, loucos, criativos, e carregados de um tipo diferente de virtuosismo - ainda que suas músicas não sejam recheadas de técnica, como muitos ouvintes equivocados acabam exigindo.

E após trabalhos que certamente serão cultuados no futuro, o grupo lança "Octahedron" (2009), chamado pelos próprios integrantes de "projeto 'acústico'". Porém, mesmo levando em conta o esclarecimento da banda sobre este não ser exatamente um álbum acústico, podemos notar que seu novo trabalho nem chega perto de ser "acústico"! Tá certo que a balada de abertura "Since We've Been Wrong" é lenta, arrastada, melancólica e dá o tom do que seria um álbum mais acústico, mas, por outro lado, o rock "Teflon" mostra que a palavra da vez é "simplicidade". Peraí, então o The Mars Volta finalmente apostou em um som "normal"?

Qualquer pergunta a respeito do novo direcionamento da banda, pode ser respondida ainda na faixa "Halo of Nembutals", um rock um pouco mais alucinado... mas nem tanto! Controlando seus instintos mais bizarros, o vocalista Cedric Bixler-Zavala e sua trupe diminuem a dose de experimentalismos e de músicas realmente longas. A balada "With Twilight as My Guide" também é arrastada, e pode entediar o fã da sonoridade mais rocker dos álbuns "De-Loused in the Comatorium" (2003) e "The Bedlam in Goliath" (2008). Já os deliciosos rocks "Cotopaxi" e "Desperate Graves" trazem o melhor momento do álbum, nos fazendo lembrar que o The Mars Volta ainda é... The Mars Volta!

A melancólica "Copernicus" retoma a sonoridade mais lenta deste novo álbum, mas traz nuances eletrônicas que afastam de vez a palavra "acústico", citada anteriormente. E fechando muito bem o play, a semi-agitada "Luciforms" mostra que a banda não teve medo de dar um tempo nas suas "loucuras sonoras", seja nas letras ou no instrumental. Resultado final: uma track list bastante coesa e segura!

Temos aqui um álbum que poderá dividir fãs, ou que, no mínimo, será considerado por muitos como um dos trabalhos mais fracos do grupo. Mas, quem disse que bandas alternativas com tendências progressivas não podem explorar algo diferente de vez em quando? O irônico, no caso do The Mars Volta, é o fato de um álbum tão "simples", "básico" e "normal" como "Octahedron" trazer um conceito tão controverso e polêmico do que significa "diferente, ousado e imprevisível". Sim, este é mesmo o The Mars Volta!

Nota: 7

Músicas:
1. Since We've Been Wrong
2. Teflon
3. Halo of Nembutals
4. With Twilight as My Guide
5. Cotopaxi
6. Desperate Graves
7. Copernicus
8. Luciforms

Cinema (Cachorro Grande)

2009-06-30T15:27:00.000-07:00

Cinema (Cachorro Grande)

Por Fábio Cavalcanti

No que diz respeito a rock underground nacional, a banda Cachorro Grande está próxima de virar uma "instituição". Nada mais justo - e até lógico - para um grupo que vêm lançando regularmente obras sinceras e competentes, mantendo-se sempre como uma humilde banda de rock 'n' roll que não traz absolutamente nada de novo, ou mesmo de agradável a ouvidos bem mais sensíveis (a voz "única" de Beto Bruno que o diga!). Mas, ao escutar seu novo álbum "Cinema" (2009), percebemos também que a banda faz questão de sair da sua zona de conforto.

Sim, a palavra da vez é "mudança" (assim com aspas mesmo), e o Cachorro Grande resolveu brincar de seguir suas bandas favoritas novamente, mas dessa vez se concentrando naqueles trabalhos mais experimentais ou até puxados para o folk rock. Ecos do Beatles mais psicodélico estão presentes em faixas como a fraca balada de abertura "O Tempo Parou", a boa "Amanhã", a linda "Por Onde Vou" (essa cheira a single de sucesso) e a "quase britpop" "Ela Disse".

A faixa "Luz" merece atenção especial, pela fusão de sons acústicos, elétricos, aspectos viajantes e batidas levemente agitadas, tudo muito bem misturado, e sem perder a simplicidade! E "Pessoas Vazias" chama atenção por lembrar bastante aquele Oasis dos seus dois últimos álbuns. Interessante notar também que, apesar das letras nunca terem sido o forte do grupo, elas se mostram um pouco mais maduras neste álbum, salvando o vocalista Beto Bruno da possibilidade de cair no ridículo ao interpretar músicas igualmente maduras...

Mas, isso não significa que o Cachorro Grande esqueceu suas raízes "garageiras". A ótima e vibrante "A Alegria Voltou" lembra os melhores momentos do primeiro álbum, enquanto que a cadenciada "A Hora do Brasil" não deixa a peteca cair. A pseudo-eletrônica "Dance Agora" é bastante pegajosa, e pode animar bastante os shows da banda. E "Diga o que Você Quer Escutar" é um verdadeiro achado, que traz a performance mais interessante e inspirada do guitarrista Marcelo Gross.

Mas, como nem tudo são flores, temos como pontos realmente negativos o rockzinho "Ninguém mais Lembra de Você", e a acústica "Eileen", as quais soam pouco inspiradas e um tanto enjoativas. Além do mais, a heterogeneidade do álbum pode torná-lo pouco conveniente, tanto para pessoas que estejam afim de dançar com algo à la Kinks, quanto para pessoas que estejam afim de "viajar" com algo à la The Pretty Things...

No geral, "Cinema" é um álbum ousado e válido na discografia do Cachorro Grande. Por outro lado, é recomendável que a banda lembre da sua capacidade de conseguir resultados melhores em sua vertente mais rocker, deixando este trabalho em uma posição única na sua discografia. De qualquer forma, o grupo continua sendo um dos mais honestos e bacanas da atualidade no rock nacional.

Nota: 7

Músicas:
1. O Tempo Parou/Sabor a Mi
2. Dance agora
3. Amanhã
4. Por Onde Vou
5. A Alegria Voltou
6. A Hora do Brasil
7. Diga o que Você Quer Escutar
8. Ela disse
9. Ninguém mais Lembra de Você
10. Luz
11. Eileen
12. Pessoas Vazias

Weapons of Mass Destruction (The Bulletmonks)

2009-06-26T15:45:00.001-07:00

Weapons of Mass Destruction (The Bulletmonks)

Por Fábio Cavalcanti

Antes de tudo, quem costuma ler minhas resenhas deve ter notado o excesso de matérias sobre bandas antigas, especialmente aquelas que continuam lançando obras relevantes até hoje, ou que "voltaram dos mortos" com ótimos trabalhos. E não podemos negar que tais bandas vêm ocupando mais espaço nos "tops" anuais de muita gente mais antenada em novidades de bandas de (quase) todos os estilos e épocas. Mas, vez ou outra, alguma banda nova aparece para nos chocar, e da melhor forma possível. E a banda da vez é o Bulletmonks!

Indo direto ao que interessa, o Bulletmonks é um quarteto alemão que toca hard rock, encontrando um meio-termo entre o som mais elaborado de bandas clássicas como Led Zeppelin e Black Sabbath, e a simplicidade de bandas atuais como Danko Jones e Velvet Revolver, mas quase sempre com um "tempero metaleiro" e letras cheias de atitude. Com isso, a banda surge com uma sonoridade que é familiar e desafiadora ao mesmo tempo. E o seu álbum de estréia, "Weapons of Mass Destruction" (2009) nos mostra isso muito bem!

A faixa de abertura "No Gain Just Pain", com um vocal rasgado, riff contagiante, bateria veloz, e até uma inusitada passagem lenta, mostra que Tyler Voxx (voz e guitarra), 'Dangerous' Dan (guitarra), Spreace Jackson (baixo) e 'M.Dogg' (bateria) não estão de brincadeira! E falando em velocidade, os fãs do Motorhead vão se deliciar com as faixas "Canned Insanity" e "We're All Fucked", nas quais até as letras são arrepiantes.

A "bluesy" "My World's A Show" nos remete ao melhor do hard rock setentista, com direito a um ótimo solo de guitarra e "trechinho veloz" no maior estilo Led Zeppelin. E ainda no terreno do blues rock, "Downtown Is Dead" é simplesmente um dos destaques do álbum. Já "Hang On Lord" é um stoner rock que traz bastante peso e até uma boa passagem de doom metal.

A faixa "Never Be A Wannabe" mostra que os Bulletmonks também se saem muito bem ao investir no seu lado mais irreverente, através de uma temática divertida e arranjos igualmente divertidos que misturam rock 'n' roll, southern rock e uma pitadinha de country rock. O quarteto ainda manda bem nos "grooves" das suingadas "Lifestyle Junkie", "Under The Black Sun", e da "quase thrash" "I Am". E se tivermos que citar algum ponto negativo, este fica por conta do rockão básico "Tentacle", uma faixa que é apenas... bacaninha.

No fim, "Weapons of Mass Destruction" faz valer o título, com os Bulletmonks trazendo mesmo suas "armas pesadas". Mas, como aquele papo de "banda da vez" é um tanto relativo, podemos ver que o grupo não faz o som "certo" para o grande público, e por isso vai ficar em segundo plano. Agora é esperar que os rapazes não possuam grandes objetivos comerciais, e que continuem nos presenteando com ótimos trabalhos!

Nota: 9

Músicas:
1. No Gain Just Pain
2. My World's A Show
3. Lifestyle Junkie
4. Under The Black Sun
5. I Am
6. Canned Insanity
7. Downtown Is Dead
8. Never Be A Wannabe
9. Hang On Lord
10. We're All Fucked
11. Tentacle
12. No Gain Just Pain [Bônus - Acústica]

Sacos Plásticos (Titãs)

2009-06-23T16:44:00.000-07:00

Sacos Plásticos (Titãs)

Por Fábio Cavalcanti

É fato que muita gente desistiu dos Titãs ao longo dos últimos 12 anos, desde o lançamento do seu Acústico MTV, um dos álbuns mais superestimados do rock nacional. E após dois caça-níqueis ("Volume 2" e "As Dez Mais") deslocados da essência da banda, o jogo parecia perdido para o septeto. Mas, o grupo conseguiu a redenção com o excelente "A Melhor Banda de Todos os Tempos da Última Semana", para então conceber o mediano "Como Estão Vocês?". Quando muitos pensaram que era o fim, eis que em 2009, a banda faz suas apostas novamente, com o seu novo álbum: "Sacos Plásticos".

É normal que muitos fãs prefiram ignorar a formação atual da banda, desde que Marcelo Fromer morreu e Nando Reis deixou o grupo. E o fato do novo álbum ter sido produzido por Rick Bonadio (Fresno, CPM 22, etc...) ainda vai gerar todos os tipos de discriminação incabida que você puder imaginar. Mas, logo nos segundos iniciais da primeira música, "Amor por Dinheiro", temos uma agradável sensação nostálgica misturada ao sentimento de "novidade" na sonoridade da banda, graças ao retorno das famosas batidinhas eletrônicas e daquele estilo pop/rock oitentista típico dos seus primeiros álbuns. E para quem sempre curtiu o Titãs clássico, não há nada de ruim nisso, muito pelo contrário...

E falando em pop/rock oitentista com influências de new wave, synthpop e afins, temos mais faixas que usam o "velho" em favor do "novo": a ótima e irreverente "Sacos Plásticos", a boa e semi-rocker "Agora Eu Vou Sonhar", o agradável pop/reggae "Quanto Tempo" (alguém lembrou do primeiro álbum?), e as divertidas e dançantes "Problema" e "Múmias".

E pra não dizer que os Titãs não lembraram do bom e velho rock 'n' roll, também marcante em sua essência inicial, o novo álbum traz os petardos "A Estrada", "Deixa Eu Entrar" (com uma boa presença de Andreas Kisser na guitarra, ainda que muitos não irão notá-la), e a curiosa "Não Espere Perfeição", que fará muitos pensarem na faixa como uma referência à própria irregularidade dos Titãs nos últimos anos... o que não deixa de ser muito interessante!

Agora, os pontos fracos: a inevitável (será mesmo?) presença de baladas açucaradas como "Porque Eu Sei que É Amor", "Quem Vai Salvar Você do Mundo?", e até a acústica "Deixa eu Sangrar", que mal consegue trazer um diferencial interessante ao álbum. A faixa "Nem Mais uma Palavra" até lembra algo do primeiro álbum, mas soa um tanto sem graça e sem sal.

Já o single "Antes de Você" merece atenção especial, pois apesar de ser um mix de rock e balada bastante formulaico, consegue trazer uma boa capacidade de cativar até ouvintes mais exigentes. Ainda assim, tal faixa pode dividir opiniões e gerar mais discussões clichês e idiotas do tipo "Titãs virou emo?", o que funcionaria como uma boa oportunidade de mostrar a diversidade desse novo trabalho...

Com boas letras - ou pelo menos melhores do que muita coisa feita pela banda até em sua fase clássica - e referências a cada fase "titânica", "Sacos Plásticos" pode soar um tanto heterogêneo e sem rumo, mas é um trabalho digno de figurar na discografia dos Titãs, além de nos lembrar da capacidade criativa do (agora) quinteto. E talvez esse seja o momento ideal para aquela parcela de fãs mais ortodoxos enxergarem este novo álbum dos Titãs como um bom retorno da banda às suas atividades...

Nota: 7

Músicas:
1. Amor por Dinheiro
2. Antes de Você
3. Sacos Plásticos
4. Porque Eu Sei que É Amor
5. A Estrada
6. Agora Eu Vou Sonhar
7. Quanto Tempo
8. Deixa eu Sangrar
9. Problema
10. Não Espere Perfeição
11. Quem Vai Salvar Você do Mundo?
12. Múmias
13. Deixa Eu Entrar
14. Nem Mais uma Palavra

Battle for the Sun (Placebo)

2009-06-17T15:30:00.000-07:00

Battle for the Sun (Placebo)

Por Fábio Cavalcanti

Banda cultuada no cenário alternativo, o Placebo acaba de lançar seu mais novo álbum "Battle for the Sun" (2009). Como a maioria das bandas do estilo costumam entregar novos álbuns a cada 2 anos (ou até menos), este novo trabalho do trio inglês pode ter gerado uma grande expectativa devido a demora de 3 anos para ser lançado. Porém, mesmo como sucessor do competente "Meds" (2006), não há como negar: temos aqui o Placebo em boa forma!

Ouvintes mais familiarizados com as temáticas e melodias "deprês" do Placebo podem estranhar o tom mais "positivo" presente em boa parte deste novo trabalho, além da leve adição de instrumentos de sopro em algumas faixas. E também devemos levar em conta o fato da formação clássica da banda não mais existir, devido à saída do (ótimo) baterista de longa data Steve Hewitt, o que levará uma parcela de fãs a desprezar a pegada levemente simplificada do novo baterista Steve Forrest.

Mas, os aspectos citados anteriormente podem ser considerados determinantes para a queda de qualidade de "Battle for the Sun"? Claro que não! Como as músicas falam por si, "Kitty Litter" irá empolgar qualquer apreciador das guitarras características dos rocks do Placebo, mesmo com sua batida mais cadenciada. A segunda faixa "Ashtray Heart" não chama muita atenção, mas não faz feio ao dar o tom levemente mais agitado deste álbum. Já a arrepiante faixa-título "Battle for the Sun" pode vir a se tornar a música mais bem sucedida do álbum... caso seja lançada como single, claro!

Voltando à sonoridade mais "pra cima", a dançante "For What It's Worth" pode soar um tanto medíocre em sua primeira audição, mas com certeza irá "crescer" no ouvinte com o tempo! Já a igualmente dançante "Bright Lights" decepciona por soar um tanto forçada demais na tentativa de mostrar o lado "ensolarado" do Placebo. Mas a banda ainda consegue mostrar competência em seu novo direcionamento, através das muito bem produzidas "The Never-Ending Why" e "Julien". E quanto a algo que remeta ao primeiro álbum da banda? Basta ouvir o rock "Breathe Underwater", e pronto!

A semi-balada "Devil in the Details" também pode se tornar um single bem sucedido, pelas suas ótimas melodias e uma letra que traz o melhor daqueles momentos em que o vocalista Brian Molko soa deprê e "cool" ao mesmo tempo. E falando em "deprê e cool", destaque também para a ótima "Speak in Tongues" e para "Happy You're Gone", que apesar do título pseudo-alegre, é uma música lenta e intimista. E fechando o álbum na velha tradição de baladas concentradas no final da track list, o Placebo não faz feio na razoável "Come Undone" e na curiosíssima "Kings of Medicine".

Há quem não goste nem um pouco do vocal facilmente reconhecível de Brian Molko, ou não consiga notar direito a presença sonora do baixista/guitarrista Stefan Olsdal. Mas, o fato é que o Placebo está cada vez mais próximo do posto de banda que não precisa provar mais nada pra ninguém. E mesmo não estando à altura do clássico "Without You I'm Nothing", "Battle for the Sun" traz um sabor especial e único na discografia do trio. E se quiserem lançar mais um trabalho nessa linha, este também será muito bem-vindo!

Nota: 8

Músicas:
1. Kitty Litter
2. Ashtray Heart
3. Battle for the Sun
4. For What It's Worth
5. Devil in the Details
6. Bright Lights
7. Speak in Tongues
8. The Never-Ending Why
9. Julien
10. Happy You're Gone
11. Breathe Underwater
12. Come Undone
13. Kings of Medicine

Vivid (Living Colour)

2009-05-28T15:00:00.001-07:00

Vivid (Living Colour)

Por Fábio Cavalcanti

O que falar de uma banda de funk rock surgida no auge do "hard farofa" oitentista? Melhor: o que falar de uma banda formada apenas por integrantes negros - extremamente competentes, diga-se de passagem - nos Estados Unidos dos anos 80? A princípio, apenas duas palavras: Living Colour!

Mas, seriam os aspectos citados anteriormente os mais relevantes sobre a banda em questão? Claro que não! Na verdade, nada disso devia ser chocante, mesmo naquela época, visto que Corey Glover (vocal), Vernon Reid (guitarra), Muzz Skillings (baixo) e Will Calhoun (bateria) eram "apenas" quatro caras com aparente tesão pela vida e fome de boa música. O resultado disso é "Vivid" (1988), álbum de estréia do Living Colour.

O riff inicial da famosíssima "Cult of Personality" - hoje ressuscitada pelos jogos GTA San Andreas e Guitar Hero - arrepia na mesma hora, e à medida que a música ecoa nos alto falantes, é impossível não colocá-la automaticamente no patamar dos maiores clássicos do hard rock. Na sequência, a alegre "I Want to Know" adiciona farofa na medida certa ao som da banda.

Mas, é a partir de "Middle Man" que os grooves mais virtuosos e realmente dançantes tomam conta de "Vivid", levando o ouvinte a se levantar da cadeira, fazer "air guitar" à la Vernon Reid, e chacoalhar durante a execução das faixas seguintes: a alucinada e arrepiante "Desperate People", e a criativa "Open Letter (To a Landlord)", a qual traz um impecável desempenho vocal de Corey Glover em suas passagens mais lentas.

Hora de diminuir o ritmo? De jeito nenhum! "Funny Vibe" é funk até o talo, não tem medo de soar "menos rock", e ainda destaca bem o baixista Muzz Skillings. Já "Memories Can't Wait" retoma a sonoridade hard rock em um momento perfeito. E depois de muita dança, chega o momento mais tranquilo do álbum: a bela e serena balada "Broken Hearts", que não deve em nada às faixas mais agitadas do disco.

A pop "Glamour Boys" pode assustar os roqueiros mais ortodoxos, mas sintetiza da melhor forma possível o conteúdo da maioria das letras do álbum, ao unir acidez e ironia a melodias e arranjos alegres. E a contagiante "What's Your Favorite Color? (Theme Song)" soa mesmo como uma "música tema" para o Living Colour. E fechando o álbum, a veloz "Which Way to America?" traz o melhor do caos sonoro, especialmente por parte do baterista Will Calhoun.

É de se esperar que os primeiros álbuns de qualquer banda chamem mais atenção, mas fora isso, são raros os casos em que álbuns com sonoridade realmente dançante e "pra cima" recebem elogios envolvendo "maturidade" e "experiência musical". E tais palavras, vindas de qualquer crítico, podem se aplicar perfeitamente a "Vivid". Então: "what's your favorite color, baby? Living Colour!"

Nota: 10

Músicas:
1. Cult of Personality
2. I Want to Know
3. Middle Man
4. Desperate People
5. Open Letter (To a Landlord)
6. Funny Vibe
7. Memories Can't Wait
8. Broken Hearts
9. Glamour Boys
10. What's Your Favorite Color? (Theme Song)
11. Which Way to America?

Cause I Sez So (New York Dolls)

2009-05-14T19:45:00.000-07:00

Cause I Sez So (New York Dolls)

Por Fábio Cavalcanti

Não é exagero dizer que o New York Dolls foi uma das principais bandas do glam rock, do proto-punk, ou simplesmente do rock como um todo. Marcados na história por terem influenciado várias e várias bandas, que vão do rock 'n' roll ao punk propriamente dito, a trupe do vocalista David Johansen e do guitarrista Sylvain Sylvain lançou 2 ótimos álbuns no início dos anos 70, encerrando as atividades poucos anos depois. Em meados dos anos 2000, a famosa dupla, juntamente com uma nova formação, ensaiou um retorno que se concretizou com o lançamento do simpático álbum "One Day It Will Please Us to Remember Even This" (2006). E agora, três anos depois, chega às lojas (ou aos computadores, através de mp3s) "Cause I Sez So", novo trabalho da banda, que traz novamente a pergunta: esse retornou realmente valeu a pena?

O ato de escutar o novo álbum dos "Dolls" pode ser um tanto perigoso, visto que suas primeiras faixas "'Cause I Sez So" e "Muddy Bones" são rockões maravilhosamente inspirados e vigorosos, os quais nos levam a pensar que o grupo superou facilmente o álbum anterior. Na sequência, as semi-baladas (ou baladas, dependendo do ponto de vista) "Better Than" e "Lonely So Long" evidenciam uma leve queda de ritmo, e também de qualidade. Quando se espera mais um belo rock, a fraca "My World" mostra que o grupo está se afastando cada vez mais das suas raízes rock 'n' roll - tendência mostrada de forma ainda sutil e pouco prejudicial em seu trabalho anterior.

Apesar do título quase auto-provocativo, a bluesy "This Is Ridiculous" é levemente agradável aos ouvidos, mas perde brilho em meio a um setor tão lento do álbum. E pra piorar de vez, a acústica e excessivamente brega "Temptation to Exist" se mostra como o ponto mais lamentável de "Cause I Sez So". Na sequência, a semi-balada (ok, já me acostumei) "Making Rain" também não impressiona, mas pelo menos traz agradáveis passagens elétricas que podem até causar arrepios, depois de tantas batidas mais lentas e arranjos eletro-acústicos pouco inspirados ao longo do álbum...

E como já era de se esperar, em um inevitável preconceito surgido ao longo do play, não tarda para que a decadência volte à tona na fraca e entediante "Drowning", a qual também dispensa mais comentários. Mas então, isso significa que o New York Dolls morreu de vez? Claro que não! Ao final do álbum, temos duas agradáveis surpresas: a suingada e bluesy "Nobody Got No Bizness" e a energética "Exorcism of Despair", dois petardos rockers que remetem ao espírito das 2 primeiras faixas do álbum, e da própria essência inicial de uma banda que chamou mais atenção pelos seus excelentes e grudentos rocks, e que certamente não será lembrada pelas incursões em terrenos que se mostrariam mais frutíferos para bandas de outra "turma". Mas, considerando o direito artístico, a intenção vale alguma coisa, não é?

Por fim, menção "especial" à regravação do clássico "Trash", que dessa vez se transformou naquilo que o próprio título da música sugere. Na tentativa de mostrar que um bom rock pode soar bem em uma versão mais baladeira e quase reggae, os "Dolls" prejudicam ainda mais o resultado final de "Cause I Sez So", mostrando que certas bandas nasceram mesmo para tocar o mais simples rock 'n' roll, com guitarras, agitação, e mais guitarras! Nem mesmo as razoáveis letras e a impecável produção do colega de trabalho de longa data Todd Rundgren - unindo crueza e sofisticação na medida certa - salvam os veteranos David Johansen e Sylvain Sylvain de um possível "não" como resposta à pergunta feita no primeiro parágrafo...

Nota: 5

Músicas:
1. 'Cause I Sez So
2. Muddy Bones
3. Better Than You
4. Lonely So Long
5. My World
6. This Is Ridiculous
7. Temptation To Exist
8. Making Rain
9. Drowning
10. Nobody Got No Bizness
11. Trash
12. Exorcism Of Despair

A New Tide (Gomez)

2009-04-23T16:44:00.000-07:00

A New Tide (Gomez)

Por Fábio Cavalcanti

Três anos após o ótimo e bem sucedido "How We Operate" (2006), a banda alternativa Gomez abraça o desafio de lançar um novo trabalho à altura do seu antecessor, e entrega "A New Tide" (2009). Mas, apesar da expectativa sempre exagerada por parte dos fãs de rock alternativo em geral, os quais esperam (pra não dizer "exigem") uma mudança extremamente radical a cada álbum das suas bandas favoritas, o quinteto inglês parece não ter se preocupado muito com isso, o que resultou em um álbum leve, aparentemente descompromissado... e muito bom!

Claro que, após 5 competentes - e quase imbatíveis - álbuns de estúdio, o Gomez não se mostraria tão à vontade com a sua essência se não obtivesse um belíssimo leque de variações, o qual ainda pode ser explorado à exaustão durante um bom tempo sem soar repetitivo. Logo na faixa de abertura "Mix", nota-se a presença forte do lado mais folk e melodioso da banda, sonoridade presente também nas boas baladas "Bone Tired" e "Other Plans" (essa última com agradáveis nuances sonoras), além da semi-agitada "Natural Reaction". Já nas igualmente interessantes "Little Pieces", "Very Strange" e "Sunset Gates", arranjos acústicos dividem espaço com guitarras, mostrando a essência do Gomez da forma mais sucinta possível.

Na ótima e envolvente "Airstream Driver", as guitarras se destacam um pouco mais, porém sem tirar o ouvinte do universo de uma banda que hoje se encaixa muito bem no setor mais "light" e melódico do indie rock. Isso também ocorre na excelente "If I Ask You Nicely", a qual merece destaque especial pela mistura de folk com uma batida quase rock 'n' roll, o que resulta no momento mais "pra cima" do álbum. Em contraponto, nas belas "Lost Track" e "Win Park Slope", a banda investe em pianos e leves orquestrações, mas sem qualquer tipo de exagero que poderia ter resultado em algo mais "brega".

Muito se falou sobre a predominância eletro-acústica neste novo trabalho do Gomez, um som que puxa mais para o folk rock do que para o lado do indie rock mais elétrico (estilo também praticado pela banda no passado). Mas, ao final de "A New Tide", é difícil não dar qualquer crédito para uma obra que, apesar de não ser a oitava maravilha do mundo (como muitos exigem), ainda soaria muito agradável em qualquer momento mais relaxante, ou em um agradável dia chuvoso.

As ótimas letras, e o trabalho competente e "redondo" de Ian Ball (voz, guitarra), Ben Ottewell (voz, guitarra), Tom Gray (voz, teclado), Paul Blackburn (baixo) e Olly Peacock (bateria), fazem de "A New Tide" mais um bom trabalho na discografia de uma banda que realmente não precisa sair da sua agradável - e ainda fértil - zona de conforto...

Nota: 8

Músicas:
1. Mix
2. Little Pieces
3. If I Ask You Nicely
4. Lost Track
5. Win Park Slope
6. Bone Tired
7. Airstream Driver
8. Natural Reaction
9. Very Strange
10. Other Plans
11. Sunset Gates

'Til Death Do Us Party (Crucified Barbara)

2009-04-16T16:08:00.000-07:00

'Til Death Do Us Party (Crucified Barbara)

Por Fábio Cavalcanti

Banda pouco conhecida, porém provida de uma crescente base de admiradores, a Crucified Barbara acaba de lançar "'Til Death Do Us Party" (2009), seu segundo álbum. Fazendo um som predominantemente heavy metal, o quarteto sueco mostra um claro amadurecimento em suas novas músicas, através de um inusitado aumento de peso e energia em seu estilo. Evolução curiosa, não?

Sim, é possível amadurecer e evoluir sem diminuir a "sujeira" da sua música. E o caso das garotas em questão é interessante justamente por resultar em um trabalho consideravelmente melhor do que o seu primeiro álbum! Mia Coldheart (voz e guitarra), Klara Force (guitarra), Ida Evileye (baixo) e Nicki Wicked (bateria) ainda não haviam mostrado todo seu potencial no razoável "In Distortion We Trust" (2005), um trabalho por demais cadenciado e não muito inspirado. Mas, como já foi dito, dessa vez a coisa foi diferente...

A primeira música, "Killer On His Knees", certamente assustará aquelas pessoas que ainda não acreditam no potencial e no peso de uma banda inteiramente feminina. Mas, o que conta na verdade é a forma como tal música causa arrepios instantâneos no apreciador de um heavy metal tocado com garra, sinceridade, vocais vibrantes e bons (ainda que não maravilhosos) solos de guitarra. E ela não está sozinha: a excelente "Pain And Pleasure" pode se tornar indispensável em qualquer show da banda no futuro, ou até estrela de um Guitar Hero da vida...

As semi-sombrias "Creatures", "Dark Side" e "Rats" podem parecer um pouco mais "infantis"... mas quem disse que isso é ruim? Já "Danger Danger", com sua introdução quase baladeira, se transforma em um rock poderoso e quase tão "perigoso" quanto seu título e letra. E a contagiante "Sex Action" mostra um lado quase irreverente das garotas que pode ser explorado mais a fundo no futuro.

"Can't Handle Love" nasceu para ser single, pelo fato de conseguir ser boa, pesada e acessível ao mesmo tempo. "Blackened Bones" e "Feels Like Death" trazem um pouco do espírito cadenciado do primeiro álbum, mas conseguem ser melhores do que muitas das faixas dele. Como ponto negativo, temos a balada "Jennyfer", a qual mostra como a banda se sai melhor no terreno do rock 'n' roll!

O saldo final de "'Til Death Do Us Party" é positivo, especialmente pelo aumento de velocidade que a banda estava devendo desde o início. E ainda mantendo sua essência de banda de heavy metal que passeia entre sons crus e melódicos, a Crucified Barbara mostra que chegou pra ficar, e que continuará "acreditando na distorção" por um bom tempo!

Nota: 8

Músicas:
1. Killer On His Knees
2. Pain And Pleasure
3. Sex Action
4. Creatures
5. Jennyfer
6. Dark Side
7. Can't Handle Love
8. Blackened Bones
9. Danger Danger
10. Rats
11. Feels Like Death

Dark Horse (Nickelback)

2009-04-08T18:02:00.000-07:00

Dark Horse (Nickelback)

Por Fábio Cavalcanti

Não é difícil de imaginar o que um fã do chamado "rock de verdade" pode estar pensando nesse exato momento: "resenha do Nickelback? Não tem jeito, esse mundo está perdido!". Tão clichê e formulaico quanto alguns dos maiores hits do grupo em questão (e outros dessa "turma"), tal pensamento continuará em alta até que o ouvinte perceba que uma boa banda do chamado pós-grunge também merece seu espaço no rock.

Verdade seja dita: o Nickelback sempre se mostrou competente em sua proposta musical, e isso não impediu que a banda resolvesse tentar algo um pouquinho diferente em "Dark Horse" (2008), seu mais recente álbum. Ao escutar o trabalho em questão, qualquer apreciador da vertente mais "rocker" do Nickelback irá se deliciar com a volta da banda em grande estilo aos poderosos rocks, os quais trazem influências de hard rock e de um metal pseudo-alternativo (não que isso seja ruim).

Logo de cara, a excelente "Something In Your Mouth" mostra que o Nickelback também poderia ter se dado muito bem como uma banda de hard rock "puro e cru". Seus riffs poderosos nos levam a procurar rapidamente o nome do produtor do álbum: o aclamado Mutt Lange, que já trabalhou com o AC/DC e o Def Leppard em alguns dos seus melhores trabalhos. Na sequência, a ótima "Burn It To The Ground" mostra o primeiro experimentalismo da banda com o stoner rock (!!!). Outros rocks criativos e "variados" surgem para nos deliciar: a veloz "Next Go Round", as melódicas e "cheias de atitude" "Just To Get High" e "S.E.X.", além da pesada e cadenciada "Shakin' Hands".

Mas, como uma banda declaradamente comercial, o Nickelback ainda mantém um pé firme na chamada "fórmula de sucesso". Nota-se isso nas medianas baladas "I'd Come For You" e "Never Gonna Be Alone", as quais não chegam a prejudicar tanto o resultado final deste álbum quanto as várias baladas do seu trabalho anterior (o irregular "All the Right Reasons", de 2005). Mas, ironicamente, a melosa "If Today Was Your Last Day" consegue ser uma das faixas mais bacanas de "Dark Horse".

O single "Gotta Be Somebody" traz aquelas melodias e letras clichês presentes na maioria das baladas do Nickelback, mas dessa vez em cima de uma batida agitada que transforma a música em um inusitado e agradável rock melódico. E fechando bem o álbum, o pop/rock "This Afternoon" também traz um leve diferencial, com uma letra "irreverente" que lembra a proposta da música "Rockstar" (do álbum anterior da banda).

Não é de hoje que o Nickelback abandonou a sonoridade mais pesada e agitada dos seus 3 primeiros álbuns. Mas "Dark Horse" mostra que Chad Kroeger e sua turma não querem passar o resto das suas vidas investindo apenas em potenciais hits. Temos aqui uma obra com um gostinho mais rock do que o balanço geral dos seus 2 últimos álbuns, e que certamente ficará entre os trabalhos mais bem sucedidos da banda. Escute sem preconceito!

Nota: 8

Músicas:
1. Something in Your Mouth
2. Burn It to the Ground
3. Gotta Be Somebody
4. I'd Come for You
5. Next Go Round
6. Just to Get High
7. Never Gonna Be Alone
8. Shakin' Hands
9. S.E.X.
10. If Today Was Your Last Day
11. This Afternoon

Sports (Huey Lewis and the News)

2009-04-04T15:47:00.000-07:00

Sports (Huey Lewis and the News)

Por Fábio Cavalcanti

Falar sobre qualquer obra de pop/rock é uma tarefa delicada. Há quem defenda com unhas e dentes que bandas mais voltadas ao mainstream não merecem estar no mesmo patamar de bandas aparentemente mais "artísticas" e menos comerciais. Mas, quem disse que não existe música de excelente qualidade no meio comercial? E quem disse que não existem artistas dessa "turma" que sejam realmente apaixonados pelo tipo de música que fazem? A injustiçada trupe do Huey Lewis and the News é um claro exemplo disso.

Meio mundo já deve ter ouvido o maior clássico da banda: "The Power Of Love" (da trilha do filme "De Volta para o Futuro"). Apesar de tudo, tal música traz muito da essência do Huey Lewis and the News, que nos seus melhores trabalhos fazia uma mistura gostosa de pop/rock com a new wave dos anos 80. E o seu álbum "Sports" de 1983 mostra perfeitamente isso, além de conseguir prender a atenção de ouvintes mais atentos às influências clássicas que até uma banda desse gênero pode trazer em seu som.

E então você pergunta: o que seriam essas "influências clássicas"? Em faixas como as excelentes "The Heart of Rock & Roll" e "Honky Tonk Blues", pode-se notar uma pegada mais rock 'n' roll. Nas simpáticas e divertidas baladas (sim, certas baladas também podem ser divertidas) "Bad Is Bad" e "If This Is It", nota-se influências de blues e R&B.

Ao longo do álbum, entre letras simples e um contagiante vocal (e não vamos esquecer dos ótimos vocais de apoio), e entre guitarras, teclados e saxofones muito bem dosados, pode-se notar também leves influências de soul, apesar destas estarem muito bem diluídas na proposta "new wave" da banda.

Em "Sports", que não falta é música pra dançar: desde a melódica "Walking on a Thin Line", passando pela semi-AOR "Finally Found a Home" até a acelerada "You Crack Me Up". E não vamos esquecer das excelentes, grudentas, e não menos dançantes "Heart and Soul" e "I Want a New Drug", que foram ótimas escolhas para singles, e mereciam ter feito mais sucesso na época.

Mas, e quanto à palavra "injustiçada", citada no primeiro parágrafo? Há quem prefira pensar que o Huey Lewis and the News teve o sucesso merecido, mas também há quem tenha ouvido uma boa quantidade de artistas de pop/rock, e descobriu que a banda em questão se destaca entre a maioria, em termos de qualidade musical e honestidade com a sua obra. Seja como for, "Sports" é um álbum exemplar do Huey Lewis and the News, e deve ser escutado por qualquer pessoa que permita a inclusão do melhor do pop/rock em seu acervo particular de "classic rock bands".

Nota: 9

Músicas:
1. The Heart of Rock & Roll
2. Heart and Soul
3. Bad Is Bad
4. I Want a New Drug
5. Walking on a Thin Line
6. Finally Found a Home
7. If This Is It
8. You Crack Me Up
9. Honky Tonk Blues

Smokin' (Humble Pie)

2009-03-31T16:17:00.000-07:00

Smokin' (Humble Pie)

Por Fábio Cavalcanti

Pouco se sabe sobre o chamado "boogie rock", um subgênero que surgiu de uma mistura de rock 'n' roll com blues rock e R&B. Entre as poucas bandas dessa "turma", o destaque fica por conta do Humble Pie, um dos pioneiros no estilo. E entre os álbuns mais interessantes e representativos do tal movimento, temos o "Smokin'" (1972), que também é um dos trabalhos mais bem sucedidos da banda em questão.

O Humble Pie, inicialmente capitaneado pelos vocalistas/guitarristas Steve Marriott (ex-integrante do Small Faces) e Peter Frampton, já havia lançado 4 álbuns de estúdio, que apesar de muito bons, não possuíam uma identidade musical realmente definida. Com a saída de Frampton (rumo a uma bem sucedida carreira solo), Steve Marriott arregaçou as mangas e produziu este que viria a ser o cartão de visitas musical da sua banda.

A primeira faixa, "Hot 'n' Nasty", com suas guitarras vibrantes e letra "sacana", mostra uma banda disposta a finalmente cobrir a certa carência de rock 'n' roll dos seus trabalhos anteriores. E sem esquecer suas influências de blues rock, Marriott e sua trupe entregam "The Fixer", um rockão extremamente cadenciado, mas que não deixa o ritmo do álbum cair.

No extremo mais leve de "Smokin'", temos as razoáveis baladas acústicas "You're So Good for Me" e "Old Time Feelin'", bastante puxadas para o folk e o country. Mas, a verdade é que os rocks chamam muito mais atenção neste trabalho. As energéticas "C'mon Everybody" e "30 Days in the Hole" (grande hit do álbum) são verdadeiros hinos, que levam o ouvinte a imaginar a banda arrebentando ao vivo, em meio a gritos de uma multidão sedenta por rock 'n' roll puro.

Voltando às influências de blues, "Road Runner" mostra aquela mistura perfeita de rock com blues, uma sonoridade que marcou os melhores trabalhos da "british invasion" do final dos anos 60 (movimento que trouxe algumas das melhores bandas de blues rock do mundo). Na faixa "I Wonder", Marriott optou por um som mais lento, arrastado e voltado ao blues de raiz, algo que não podia ficar de fora em um álbum como esse. E fechando muito bem a track list, o rock "Sweet Peace and Time" sintetiza bem o espírito desta magnífica obra de "boogie rock".

O fato é que "Smokin'" ficou marcado como um item de discografia básica, um álbum que até hoje influencia qualquer banda de rock que ouse utilizar o blues da melhor forma possível em um contexto rock 'n' roll (alguém lembrou de Black Crowes e Quireboys?). É uma pena que Steve Marriott tenha morrido antes de lapidar ainda mais a discografia desta excelente banda. Mas, seus "filhos" estão por aí...

Nota: 9

Músicas:
1. Hot 'N' Nasty
2. The Fixer
3. You're So Good For Me
4. C'mon Everybody
5. Old Time Feelin'
6. 30 Days In The Hole
7. Road Runners G Jam
8. I Wonder
9. Sweet Peace And Time

Ted Nugent (Ted Nugent)

2009-03-28T13:29:00.000-07:00

Ted Nugent (Ted Nugent)

Por Fábio Cavalcanti

Ouvintes de rock 'n' roll e hard rock em geral já devem ter ouvido falar em um certo guitarrista norte-americano chamado Ted Nugent. O engraçado é que, na maioria dos casos, os ouvintes nem chegam a conhecer de fato a música do roqueiro em questão, visto que suas constantes declarações sobre qualquer assunto (especialmente política) mostram o tipo de indivíduo naturalmente polêmico e "perigoso" que ele é, o que causa uma repulsa instantânea por parte da maioria das pessoas. Mas, não estamos aqui pra falar disso, não é?

Em primeiro lugar, não apenas em relação a Ted Nugent, mas também em relação a qualquer outro artista desse tipo, o ouvinte deve superar o nojo do indivíduo e aprender a separar bem as coisas, podendo assim se concentrar unicamente na sua música. Dito isso, é hora de conhecer a obra deste ótimo "fanfarrão" do rock, dono de uma discografia que traz 13 álbuns de estúdio, lançados em 35 anos de carreira solo.

Seu primeiro álbum, "Ted Nugent" (1975), se tornou um verdadeiro clássico entre os apreciadores de um hard rock sujo e direto. De cara, na faixa de abertura "Stranglehold", Nugent estende ao máximo os seus contagiantes solos, como uma forma de mostrar ao ouvinte que o seu som é bem focado nas guitarras. Mesmo assim, o vocal marcante de Derek St. Holmes também acaba chamando bastante atenção, por ser simplesmente... impecável!

Em faixas como "Stormtroopin'", "Just What the Doctor Ordered", "Snakeskin Cowboys" e "Where Have You Been All My Life", temos a sonoridade básica de Ted Nugent: riffs grudentos, base típica do hard rock dos anos 70, bateria direta, vocais sempre marcantes (mesmo quando o próprio Ted resolve dar uma "palhinha"), e letras que, apesar de serem bem "bestinhas", se mostram deliciosamente interessantes no tipo de música que estamos ouvindo neste álbum.

Pode-se destacar também o excelente boogie rock "Hey Baby", que funciona como um convite a uma boa dança! A balada "You Make Me Feel Right at Home" também chama atenção, por trazer um gostoso toque "jazzístico", algo quase irônico e até engraçado se lembrarmos de "rockões" poderosos presentes neste álbum, como a veloz "Motor City Madhouse" e a pesada "Queen of the Forest". Ao final do "play", é difícil lembrar de qualquer aspecto negativo nesta agradável obra.

Pode ser um tanto difícil analisar um álbum como este debut de Ted Nugent, mas não deixa de ser uma ótima forma de qualquer ouvinte aprender a escutar uma música 100% honesta e recheada de garra e sinceridade, características típicas de qualquer pessoa que tenha atitude e coragem de mostrar o seu verdadeiro "eu", como o "tio Ted" faz muito bem! Se vamos apenas julgar mal os seus atos, que deixemos sua excelente música de lado, ok?

Nota: 10

Músicas:
1. Stranglehold
2. Stormtroopin'
3. Hey Baby
4. Just What the Doctor Ordered
5. Snakeskin Cowboys
6. Motor City Madhouse
7. Where Have You Been All My Life
8. You Make Me Feel Right at Home
9. Queen of the Forest